Elle était l’énergie même. La passion pour la musique. Elle a tout donné pour les artistes qu’elle a défendus : Tryo, Mass Hysteria, La Ruda, Babylon Circus, George Sound, Zone Libre VS Casey, La Rue Kétanou, Les Hurlements d’Léo, MacZde Carpate et tant d’autres. Elle n’hésitait pas à filer de grands coups de pied dans la fourmilière de la musique ; elle faisait tout à fond. Elle n’a jamais rien lâché. Longueur d’Ondes a toujours eu de l’admiration pour cette femme-rock qui vient de s’éteindre. Elle reste un exemple, un modèle. Repose toi Pat.

Photo Nicolas Messyasz

Reportée en raison des mouvements sociaux d’octobre 2011 à Mayotte, la finale de la 3e édition du Prix Océan Indien s’est déroulée, le 16 décembre dernier, à la salle de concert Le Kabardock de l’île de La Réunion. Le magazine Longueur d’Ondes était sur place pour rendre compte de la victoire de l’artiste Bo Houss, jeune Mahorais de 25 ans, issu des musiques urbaines. Retour sur un Prix injustement mésestimé, mais ô combien essentiel.

La naissance du Prix Musiques de l’Océan Indien date de fin 2004. La volonté initiale ? Révéler les artistes de ce secteur géographique en favorisant la diffusion de leurs œuvres et en apportant une aide au développement à l’international des lauréats. Mais la création du Prix se voulait également répondre à une segmentation des zones : Mayotte et La Réunion pour RFO, l’Afrique et Madagascar pour RFI… L’idée est donc de mutualiser les moyens et les supports, mais également renseigner sur les droits ainsi que la protection des artistes et de leurs œuvres.

Ainsi, le Prix prend en compte 7 îles : Les Comores, La Réunion, Madagascar, Maurice, Mayotte, Rodrigues et Les Seychelles. Sa périodicité ? Organisée selon une biennale : une année le Prix, la suivante le développement des lauréats. 2007, première finale à Madagascar : Maalesh (Comores) remporte le tremplin. 2009, deuxième édition également à Madagascar, dans le cadre du Festival Angaredona : Mami Bastah (Madagascar) en sort vainqueur.

Saison 2011-2012

Octobre 2011, les différents mouvements sociaux qui secouent Mayotte font annuler la tenue du Prix Musiques de l’Océan Indien lors du festival Milatsika à Chiconi. Reporté le mois suivant, il est organisé à la salle des musiques actuelles du Karbardock au Port (La Réunion). A cette issue, c’est Bo Houss (Mayotte) – que nous vous présenterons plus longuement dans un prochain numéro – qui s’illustre face à la guitare world de Teta (Madagascar) et au reggae Kom Zot (La Réunion). Mélangeant rock, r’n’b, hip-hop et chant mahorais, l’artiste et ses cinq musiciens ont su électriser la soirée par leur polyvalence.

Que gagne-t-il ? Un DVD promotionnel contenant la captation de la soirée, une semaine de résidence-coaching scénique et sa programmation dans les festivals partenaires (Musiques Métisses d’Angoulême, Festival Les Suds, Babel Med Music de Marseille, Festival en Othe…), les voyages et visas pris en charge. Enfin, un titre du répertoire du finaliste est inclus dans la compilation 2011 de l’Organisation internationale de la francophonie.

Mais si Bo Houss a été sélectionné par le jury1 sur des uniques critères artistiques et scéniques, on ne peut toutefois s’empêcher d’en souligner la portée symbolique. Car des soulèvements de Mayotte, on retient surtout celle de sa jeunesse, dans un pays constitué en véritable orphelinat à ciel ouvert. Cette île, à la recherche de sa voix, trouve écho dans cette nomination et les textes de l’artiste. C’est un peuple, une jeunesse, qui se bat pour son avenir et s’illustre ici par ces chroniques du quotidien, incontestable pont entre la tradition (chant mahorais) et la modernité (musiques urbaines). Preuve, une fois encore, de la nécessité de vecteurs de valorisation comme ce Prix.

Texte et photos : Samuel Degasne

Bo Houss (musiques urbaines) > www.bohouss.com
Teta (world) > www.teta-madagascar.com

A Bordeaux, la rencontre idéale a eu lieu : entre Fandor, artiste bricolo-pop qui a fait ses débuts dans le groupe Lemon Curd avant de s’élancer en solo, et le groupe power-pop Supernormal ; les meilleurs espoirs de la pop indé sont relancés.

Lemon Curd à Bordeaux, c’était dans les années 90. Depuis la fin du groupe, Laurent s’appelle Fandor, fait des chansons tout seul, et réalise ses disques en suivant ses propres envies. Comme celle d’un album consacré à l’enfance dans « L’enfance de l’art », sorti grâce au label Z & Zoé Records en 2008. Du côté de Supernormal, si Cecil, le guitariste, compose les chansons du groupe, les musiciens recherchent quelqu’un pour les chanter.

Quand les deux entités se rejoignent, la fusion paraît naturelle. « On a à peu près le même âge, on a écouté la même musique, on a un peu la même culture musicale et c’est vrai que ça colle tout de suite », explique Cecil. Fandor ajoute : « Je suis plus mélodiste que guitariste. Je joue de la guitare et de plein d’instruments, mais pas très bien… Je joue comme un autodidacte. Alors que Cecil et les trois autres musiciens ont beaucoup plus de technique. C’est donc la rencontre entre des musiciens peut-être plus aguerris et puis moi qui m’accroche plus aux mélodies, au côté lo-fi. »

Le mode de fonctionnement permet bien à chacun de s’exprimer: « On a pris le pari, pas encore sur disque, mais en tout cas en concert, de mélanger les deux répertoires ». Ainsi l’an dernier, Supernormal réalisait son premier disque autoproduit avec Fandor au chant, « Sternfest hit-parade », un CD-R disponible via la structure de distribution numérique Pop Only Knows.

En décembre, c’est au tour de Fandor de proposer « Mon corps est une machine » avec Supernormal en « backing-band de luxe ». « Il est différent de tous les autres albums que j’ai faits, parce que justement, il y a tout un groupe qui joue avec moi. Dans les autres enregistrements, soit je faisais tout moi-même, soit il y avait des musiciens qui intervenaient de façon sporadique : un bassiste par ci, un guitariste par là, etc. Alors que là, c’est un album beaucoup plus cohérent. C’est plus un album de groupe. Je suis content du résultat. Il y a aussi les gars du label qui ont eu leur mot à dire, Stéphane Teynié qui a fait le mastering a apporté sa pierre, et puis aussi la personne qui a fait la pochette… C’est aussi ça qui est sympa dans la musique, toutes ces rencontres : dans un album, il y a le groupe et puis il y a aussi d’autres intervenants qui font qu’au final, c’est un produit, c’est l’assemblage de plusieurs talents conjugués. Du coup, quand le disque sort, c’est une grosse satisfaction, parce que c’est un souffle de plusieurs personnes ; et celui-là particulièrement, pour moi, puisqu’il n’y a jamais eu autant de monde sur un disque à moi. »

Et pour le promouvoir, Laurent renouvelle sa confiance en la maison associative basée à Auch, Z & Zoé Records, « petit label courageux » selon ses propres mots.

Bricoler la pop

De ces collaborations, des expériences passées, de l’effervescence du moment, « Mon corps est une machine » a pris une forme pop et noisy bien marquée. Une nouvelle approche pour Fandor qui s’est toujours autoproclamé « bricolo-pop » : « Ca rejoint ce que je disais tout à l’heure à propos de mon côté autodidacte : je joue des accords, mais je ne sais pas les nommer. Contrairement à Cecil qui sait les nommer, même plus. J’aime bien bricoler, jouer avec des instruments qui ne sont pas forcément des instruments haut de gamme… J’ai souvent joué avec des petits synthés pouraves, à moitié cassés, avec des petits sons, avec des instruments que j’avais achetés qui avaient déjà appartenu à quelqu’un ou qui avaient déjà été bricolés. J’aime bien le côté parfois aléatoire de l’enregistrement, le côté accidentel ; ça m’intéresse pas mal. C’est à partir de ces choses-là que l’on crée. Aussi, mes premiers disques étaient vraiment bricolés parce que je les ai faits avec un 4 pistes, et après j’ai évolué avec un 8 pistes… Maintenant, il y a des ordinateurs. »

Si l’album se veut plus rock, « plus puissant, plus bruyant sur certains morceaux », des plages préservent sa touche de bricoleur, comme le morceau titre dans une ambiance plus intime avec des bidouillages électro. Tout en gardant son caractère, Fandor ouvre des perspectives avec ses nouveaux camarades de jeu. « Il y a des moments calmes, d’autres un peu moins, sur scène c’est quand même plus rentre-dedans », explique Laurent. « Mais je pense que c’est justement la nuance qui attire. Des moments très forts, ou bruyants, d’autres beaucoup plus calmes. Enfin moi, c’est ce qui m’excite beaucoup dans la musique : le calme, la tempête, et puis la tempête et le calme juste après… même dans la même chanson. Les Pixies par exemple, voilà pour moi une des références ultimes. C’est vraiment du quiet/loud. »

Laurent et Cecil

Deux passionnés de chansons-pop se rencontrent, et l’alchimie naît. Cecil : « Laurent est vachement plus intuitif, il n’est pas du tout dans une approche musicale, il est plus dans des ambiances… Et moi, je suis vachement cérébral. J’aime beaucoup la spontanéité qu’a Laurent, je pense que c’est un bon mélodiste. Et puis c’est bien aussi de se renvoyer la balle. On a commencé à composer ensemble, c’est intéressant. » Fandor : « Moi bien évidemment, j’ai beaucoup de choses à apprendre au niveau de la technique. Ce qui est intéressant, c’est que l’on a commencé à faire des choses vraiment ensemble, par exemple, Cecil a amené la musique et puis moi les paroles et les mélodies de voix… » Cecil : « Ce sont des super beaux moments : on est en répète, on part sur une idée, ça se met en place et puis hop, on un morceau ; c’est vachement bien ! »

Un truc à deux têtes

Cecil compose pour Supernormal et laisse Laurent interpréter ses chansons dans le micro : « C’est bien parce que ça apporte pas mal de relief, une perspective différente ». Laurent, lui, s’implique dans son nouveau rôle : « Ce qui a été nouveau pour moi, c’est chanter des chansons, et surtout les paroles d’une autre personne : ça c’est un boulot, parce qu’il faut déjà pouvoir mémoriser des textes qui ne sont pas les tiens. En même temps, c’est intéressant parce que c’est un peu schizophrénique… parce qu’il y a Fandor, il y a Supernormal, on mélange un peu les deux… mais on tient quand même aux deux identités, et donc, dans ce sens-là, c’est un peu un truc à deux têtes… »

Pour le répertoire Fandor, tout le groupe y met du sien et reprend aussi d’anciens morceaux de l’artiste : « Ce qui est intéressant c’est effectivement de les arranger différemment, notamment des chansons que j’avais enregistrées depuis pas mal de temps parce que j’ai fait beaucoup d’enregistrements. Par exemple la chanson, « Winchester », qui est partie d’un sample avec deux notes à la base… on l’a retravaillée un peu façon Velvet, elle est devenue plus lourde, donc ça a apporté vraiment autre chose… »

Une nouveauté aussi pour Fandor sur scène, lorsque les deux répertoires se mélangent : « Il y a des moments où je ne fais que chanter, alors qu’avant ce n’était pas le cas, même avec les groupes avec lesquels je jouais avant. Et ça, ça a été aussi une libération pour moi parce que ça m’a permis de m’exprimer physiquement ! Maintenant je suis un peu plus libre pour les roulades ! »

Pop-songs

Les chansons pop accrocheuses, mélodies efficaces et refrains entêtants sont au programme dans « Sternfest hit-parade » autant que dans « Mon corps est une machine ». Cecil : « Je suis un immense fan des Stone Roses, je suis traumatisé depuis 20 ans par ce disque… Il est absolument inépuisable, c’est incroyable. Je suis toujours dans cet esprit de pop-song absolu. Là, on a écrit des nouveaux morceaux toujours dans l’esprit très très pop mélodique… »

Les pop-songs, ça éveille quoi ? Cecil : « C’est un grand écran sur lequel on projette pas mal de fantasmes à l’adolescence. Des gens comme les Stone Roses, par exemple, incarnent ça à merveille. Ils véhiculent tellement de glamour et tellement de choses qui relèvent de l’adolescence, cette espèce d’indolence… »

Fandor : « La pop-song a été à un moment donné une obsession pour moi. Bien évidemment la mélodie mais aussi tout le visuel que ça propage, le côté cinématographique. Ce qui m’a vachement fasciné, c’est les pop-songs courtes. Les Beach Boys, mais aussi encore les Pixies : très peu de moreaux dans leur répertoire dépassent 3 ou 4 minutes. » Cecil : « Et puis les textes aussi, ceux des Smiths, par exemple, c’est insondable. Il a chanté des choses d’une audace inouïe, qu’on n’avait jamais entendues avant, et cette espèce de grandeur, d’envie, avec les guitares prononcées… Cette espèce de nostalgie 60’s, c’est très beau. Et les textes, quand tu superposes, donnent justement du sens à des mélodies… Pour moi, c’est vraiment imparable. »

Fandor : « Gamine, le groupe bordelais, alors ça c’est la référence de Cecil. Mais c’est vrai que moi aussi j’ai été touché par ce groupe qui est aussi complètement empreint de pop anglaise… Mais je n’ai pas du tout la nostalgie des vieux groupes. J’ai bien évidemment mes bases parce que j’avais 20 ans à cette époque-là, mais je suis toujours très attiré par ce qui se fait maintenant. Et ce qui se fait dans nos contrées aussi ; là, j’adore le dernier album de Frànçois & the Atlas Mountains, un groupe d’ici. Ce n’est pas pour être chauvin mais vraiment je trouve ça super. Je trouve qu’il y a une scène assez vivace à Bordeaux, parce que ça fait quand même pas mal de temps que je joue dans cette ville, en ayant joué au Jimmy pour commencer et puis dans plein d’autres endroits. J’ai toujours trouvé qu’il y avait une scène vivace. Je ne veux pas donner un côté un peu angélique, mais plus le temps passe, et je la trouve de moins en moins cloisonnée. »

Toutes ces années

Toutes ces années passées à jouer de la musique, à essayer de la diffuser, pourquoi on continue encore aujourd’hui ? Cecil : « En 94, j’ai entendu l’album de Palace Brothers, et là je me suis dit, à quoi ça sert que je fasse de la musique ? Je ne comprenais pas, j’étais tellement abasourdi par ce disque, « Days in the wake » où il est tout seul à la guitare : avec si peu d’effets, il arrive à avoir une telle puissance évocatrice, c’est tellement émouvant, ça touche vraiment la corde, le nerf. Et du coup, je suis parti à l’étranger, et j’ai arrêté la musique pendant 10 ans. J’ai repris quand je suis revenu ici à Bordeaux en 2005. Aujourd’hui pour moi, c’est plus une activité sociale : on est avec des copains, on passe une bonne soirée quand on fait un concert, c’est super excitant de faire des enregistrements, de faire des petites affiches, des visuels, de créer quelque chose. Mais c’est plus une activité sociale que culturelle. »

Fandor : « Je ne me pose pas beaucoup de questions. Je suis fan de disques depuis assez longtemps. Depuis que j’ai 12-13 ans, j’ai commencé à acheter des disques, à les collectionner, à les adorer. J’ai toujours eu un rapport vraiment très intime avec la musique, tout seul dans ma chambre, puis aussi à la partager : à commencer à aller aux concerts, à participer aux vies associatives, à monter moi-même une asso (Nemo Records), à sortir moi-même des disques (Kim, Stef et Arno…). A un moment donné, il y avait beaucoup de mon temps qui passait à ça. Enregistrer, jouer, mais aussi sortir des disques. Ca a été motivé par le plaisir, et ça le reste toujours. »

L’Amérique

La pop anglaise est une terre d’influence commune pour les deux compositeurs, mais la fascination pour l’Amérique, sa musique, ses mythes, s’impose aussi de belle manière dans les deux disques. « Sternfest Hit-parade » s’attache même à une scène bien particulière. Cecil : « Je vais faire mon intello, c’est une citation de Wim Wenders qui m’a traumatisé quand je l’ai entendue : « L’Amérique a colonisé notre inconscient ». Et c’est absolument ça. J’aime beaucoup la pop anglaise, mais je suis fasciné par la musique américaine, en particulier la scène qu’on appelle « sadcore » de San Francisco, des années 90 : Red House Painters, American Music Club, Idaho, Mazzy Star, tous ces gens-là. Ce sont des morceaux longs, tristes, contemplatifs, c’est une musique qui résonne beaucoup en fait, qui correspond aussi au moment où je suis entré dans l’âge adulte et je cherchais autre chose dans la musique que des pop-songs. Pas mal de morceaux sur le disque sont inspirés directement par cette scène-là, dont le morceau « Sadcore café »… qui est aussi en hommage aux Red House Painters. Voilà, au niveau de mon inspiration, j’ai un peu le cul entre deux chaises, britannique et américaine… » Fandor : « C’est son côté triste, bellâtre, romantique ! Non, mais ce qui est marrant c’est que ces influences-là, je les revendique aussi. Tous ces groupes-là, on les a vraiment en commun. »

Le rapport à l’image

Les affinités musicales sont évidentes entre les deux protagonistes même si leur mode d’écriture se distingue. Cecil : « Ca nous permet aussi d’avoir des mondes un peu différents. Je trouve que mes paroles sont un peu compliquées parce que je mets beaucoup de textes. J’aime bien les chansons avec beaucoup de syllabes, un chant haché, du coup j’ai tendance à écrire des paroles comme ça, et des fois, Laurent peine un peu avec les mélodies, mais il s’en sort… » Fandor : « Oui, alors que moi c’est souvent le contraire : ce sont des nappes de phrases. Il y a beaucoup plus d’espace entre les mots… Mais c’est un bon exercice. Ça me fait bouger un petit peu le cul. »

Le rapport à l’image est très présent dans les deux univers. Des références cinématographiques évidentes (« Winchester »), mais aussi tout un décor visuel créé par les mots. Par exemple, « Sadcore café » chez Supernormal, « En noir et blanc » chez Fandor.

Cecil : « « Sadcore café », je l’ai écrite avec 40 de fièvre : c’est pour ça que je suis enfin parvenu à faire des textes spontanés, sans réfléchir à donner du sens, ce qui alourdit toujours, ce qui rend les chansons parfois pesantes. Et j’avais vraiment ces images, en fait. Des amis étaient allés aux Etats-Unis et avaient ramené plein de photos, m’en avaient passées et j’avais trouvé ça super. Ils étaient allés dans le Montana, la broussaille des déserts, ce genre de choses… Ca me parlait beaucoup, et c’est effectivement cinématographique. Je ne pense pas que j’y serai arrivé si je n’avais pas eu 40 de fièvre. »

Fandor : « Dans la chanson « En noir et blanc », il y a même des extraits d’un film où il y a des enfants qui parlent. C’est un film que j’adore, et que beaucoup de monde adore d’ailleurs, parce que c’est un classique, c’est « La nuit du chasseur », de Charles Laughton. Quand j’ai fait cette chanson, j’ai énormément pensé à ce film, aux images, en noir et blanc, à cet univers enfantin…C’est carrément une chanson sur le cinéma, ça parle des films que j’ai vus. Cette chanson, c’est plutôt l’image d’un gosse qui regarde des vieux films et qui les comprend un peu à moitié. Quand j’étais petit, je regardais le ciné-club avec mes grandes sœurs, et souvent je comprenais la moitié. Quand je les ai revus plus tard, ça avait plus de sens. « La Nuit du chasseur » est un film incroyable parce qu’il y a des enfants qui jouent dedans et les images sont sublimes, l’histoire est une espèce de thriller, fantastique, avec un côté extrêmement gothique. C’est très moderne, pour un film de cette époque-là. C’est un film que j’avais un peu oublié et je l’ai revu parce que le groupe Shack, qui s’appelait avant Pale Fountains, un groupe anglais mythique, reprend carrément une chanson du film. Dans la fameuse scène où la petite fille essaie d’échapper au tueur sur un bateau, elle chante une espèce de petite berceuse ; c’est un moment incroyable de cinéma… Shack reprend cette chanson, j’ai fait la connexion, ce film est un chef d’œuvre, c’est clair… Voilà, cette chanson est directement liée à ce film-là… et à d’autres. »

Cecil : « Laurent a cette faculté en quelques mots de poser tout de suite un décor cinématographique ; sur « Fast cars » c’est un peu pareil, et sur des nouveaux morceaux que l’on a fait récemment… Encore une fois, c’est intéressant de voir dans les répétitions quand on commence à jouer, il a quelques idées, hop, il pose ça ; c’est vachement chouette. »

Fandor : « On écrit complètement différemment. C’est vrai que les textes de Cecil sont plus construits, et ce que j’aime, c’est que ce sont des thèmes précis. Ecrire des chansons pour moi, ce n’est pas écrire des poèmes ; ça reste un exercice où je me dis que c’est vraiment un tout, le texte sans la musique, ça ne veut rien dire… En fait, j’aime bien les images que véhiculent les textes, mais j’aime qu’il y ait toujours un décor, quelque chose de précis, que ça parle d’un truc, quelque chose qui ait du sens. Par exemple mon album précédent, « L’enfance de l’art », ce n’est pas un album-concept mais presque, pace que ça parle beaucoup de l’enfance, des enfants… Je ne pourrai pas faire de chansons où les textes ne seraient pas compréhensibles. »

Fandor & The Supernormals « Mon Corps est une machine » (Z & Zoé Records / Pop Only Knows)
Supernormal « Sternfest Hit-Parade » (Autoproduit / Pop Only Knows)

Texte : Béatrice Corceiro
Photos : Max Ardilouze

Fandor : www.myspace.com/fandormusic
Supernormal : www.myspace.com/supanormal
Z & Zoé records : www.myspace.com/zandzoe
Pop Only Knows : www.pop-only-knows.fr

La tournée d’« Ivres et débutants », le « joyeux bordel » !

Les rockeurs de Deportivo, de retour avec « Ivres et débutants », enchaînent les dates à travers la France. Partout, ils retrouvent un public fidèle, qui les attendait pour faire la fête. Une mission à laquelle le trio s’attèle avec un plaisir non dissimulé.

Agglutinés devant la scène, ils trépignent d’impatience, sifflent et tapent des pieds en attendant l’arrivée du groupe. En majorité, des habitués. Beaucoup suivent Deportivo sur un maximum de dates, quitte à les revoir plusieurs fois dans la même salle.
Ce soir de décembre 2011, à l’Alhambra, une multitude de ballons colorés, distribués et gonflés par des fans, rebondissent sur les têtes. Soudain, la salle est plongée dans le noir et tandis que la scène s’illumine sous les projos, « Blue Moon » d’Elvis Presley se fait entendre. « C’est notre côté cinéma, plaisante Richard, le bassiste. C’est devenu notre petit rituel, un moment vraiment chouette. »
Après plus d’une quarantaine de concerts à travers la France pour la tournée de l’album « Ivres et débutants », le live reste un plaisir qui ne se boude pas pour les trois gaillards : « Les concerts, c’est la cerise sur le gâteau, après l’enregistrement » estime Richard.

Un concert de Deportivo, c’est un peu comme la fête au village, mais en plus violent. Il y a de la bière qui vole et des pogos à tire-larigot. Mais, pour les musiciens c’est avant tout l’occasion de « foutre un joyeux bordel ». Pour Jérôme, le chanteur,c’est un moyen de décompresser et d’aider son public à faire de même : « Il faut faire la fête pendant les concerts et faire des concerts joyeux. Ca permet d’oublier les news des chaînes d’information qui tournent en boucle et que tout le monde nous fait chier avec des histoires déprimantes. »

« Avant de rentrer en scène, nous avons de l’appréhension, confie le bassiste, mais en même temps, nous avons envie d’y aller, nous n’en pouvons plus de tourner en rond ! ». « Si nous avons fait tout ce chemin, c’est bien pour s’amuser, complète Jérôme. Nous avons toujours voulu faire ça, donc nous sommes plutôt chanceux ! » Alors, détendus, les zicos ? Pas forcément. Afin de se rassurer, Julien, le batteur avoue faire « des petits gestes de doigts » avant de rentrer en scène. Cependant, Jérôme tempère : « Un chanteur qui arrive seul sur scène, je comprends qu’il ait peur, mais nous, nous arrivons à trois, nous ne sommes pas tout seuls ! »

En effet, ils ne sont pas seuls. Sur l’ensemble de la tournée, le trio est accompagné de deux musiciens : l’hyperactif Philippe Almosnino, des Wampas, à la guitare  et le minutieux Vincent David, de Garbo, aux claviers. Une aide indispensable, d’après le groupe, pour retraduire sur scène la richesse instrumentale présente sur leur dernier opus.

« Le concept, c’est que tout le monde participe »

Après quelques titres nerveux, Jérôme se retrouve seul sur scène, guitare acoustique dans les bras. Sur le morceau « Pistolet à eau », le premier rang de l’Alhambra se transforme en une mer agitée, sur laquelle voguent au creux des mains tendues des bateaux blancs de papier. Encore une idée des fans, qui se sont certainement donné le mot sur le très actif forum du groupe. Pendant ce temps, au fond de la scène flotte un drapeau pirate, tandis que Jérôme prouve, le sourire aux lèvres, la puissance de la « chanson à la française ».

Bientôt, une pluie de confettis s’abat sur les spectateurs dans la fosse, tandis que les musiciens invitent les filles du public, comme le veut la tradition deportivesque, à monter sur scène danser ou jouer du kazoo sur « I might be late » dans un chaos survolté. « Le concept, c’est que tout le monde participe, explique Jérôme. La moitié de notre satisfaction, c’est de voir les sourires sur les visages.» Un principe qu’ils appliquent sur certaines dates, en invitant un fan à s’emparer de la guitare le temps du morceau « Roma ».

Tout au long du concert, les accessoires flashy et loufoques s’invitent sur scène. Julien, lunettes clignotantes sur le nez, tente un look sapin de noël. Jérôme, quant à lui, déambule sur la scène, un serre-tête à oreilles de lapin lumineuses vissé sur la tête. La frénésie musicale semble atteindre son paroxysme quand le chanteur lance tout à coup sa guitare électrique au milieu du public, l’offrant au premier qui l’attrapera.

Les fans de la première heure sont écrasés contre la scène. Les pieds s’écrabouillent les uns les autres, des coups partent dans tous les sens. Un chemin s’est frayé pour monter sur le côté, et sauter ensuite dans la foule pour un slam, parfois écourté par les innombrables pogos qui secouent les premiers rangs. « Eh, les mecs, la fosse c’est pas la piscine ! » balancera Jérôme, dans un éclat de rire, lors du concert du groupe à La Clef, à Saint-Germain-en-Laye (78). Les musiciens ne rechignent pas à se jeter, eux non plus, dans la marée humaine déchaînée.

De vieux titres efficaces

Outre les titres de leur dernier album « Ivres et Débutants », paru le 7 mars dernier, le trio reprend sur la plupart de ses dates ses anciens morceaux efficaces et nerveux, plus « garage » que ceux du dernier opus. Ainsi, « La salade », « La brise », « Suicide sunday », « Les bières aujourd’hui s’ouvrent manuellement », « 1000 moi-même », « Parmi eux », font le bonheur des fans. Et du côté des musiciens ? Quels sont les titres qu’ils préfèrent jouer en live ? Si Jérôme ne jure en ce moment que par « Intrépide », Julien revient aux origines, avec « Paratonnerre ». Le titre, en effet, dégage toujours la même énergie teintée de folie dans le public, avec son lot de pogos bien secoués. La reprise de Nirvana, « Territorial pissings », elle aussi, galvanise toujours un public bien échauffé.

Comme les chocolats de l’ambassadeur, les concerts de Deportivo sont toujours un succès. Avec un petit goût de reviens-y. Lorsque les lumières se rallument, on attend avec impatience le prochain « joyeux bordel ». Et en général, la fête continue après le concert. Les musiciens ont pris l’habitude d’aller à la rencontre du public, qui, fidèle, les attend souvent à la sortie des salles. « Nous n’avons pas un public de fan « premier degré », donc parler avec eux, c’est plutôt sympa » se réjouit Jérôme.

Site : www.deportivo.fr

Texte et photos : Aurélie Tournois

En 1995, quatre potes du lycée de Rambouillet donnent vie aux « trois points ». Seize ans plus tard, ils sont toujours présents et capables de remplir le Cabaret Sauvage avec leur indian ska-punk hispanisant (non sans rappeler les Satellites, Ska P, les Skatalittes ou encore la Mano, voire même les Happy Drivers que l’on salue au passage).

En 2011, le line up s’est amplifié (onze musiciens) et après 5 bons et loyaux albums, ils nous présentent le 6ème avec concert à la clef. Jusque là, rien de plus normal. En revanche, mettre les petits plats dans les grands et inviter tout un collectif d’artistes et de militants à participer à une grande « Alternateuf », c’est déjà plus original et dénote d’une grande générosité.

Autant dire qu’il s’agissait d’une soirée culturelle, engagée et éminemment artistique sur fond de grand rassemblement de copains maniant le rock, le graphisme et la BD avec dextérité.

Première « Alternateuf »

Max (Los Tres Puntos), fédérant les énergies musicales et Marsu (Crash Disques) s’appropriant la partie label, presse, graphisme et associations, sont à l’initiative  de ce 1er « Festival Alternateuf » à l’occasion de la sortie du dernier album des LTP.  Soirée DIY (do it yourself), tout comme les albums, étant donné qu’aucune major n’a daigné porter un regard bienveillant sur l’originalité musicale et festive de ce groupe qui perdure. Cela est sans doute un bien, puisque les LTP le revendiquent haut et fort : « No pasaran ! » à l’instar des partisans espagnols en lutte contre Franco.

Simple concert ? Pas du tout. Le choix du lieu n’est pas anodin, l’endroit est beau et permet d’accueillir de nombreux petits camarades tant en extérieur qu’en intérieur. Tout l’anneau orbital de la scène est extrêmement fourni. Le chemin de ronde des activistes graphistes, à l’extérieur du Cabaret Sauvage, débute en noir et blanc avec les dessins à l’encre de chine de Grimmm (également l’auteur de la grande fresque en fond de scène et des pochoirs écologiques sur affiches recyclées). Il est suivi de près par Keufran qui réalise de « l’art content pour rien » selon sa propre expression. Ce dernier découpe des images et des textes de magazines, en fait une pile de textes, une pile d’images puis procède à un « brainstorming ». Avec déjà 450 œuvres à son actif et il a également réalisé la mise en page du livret du dernier album de LaReplik.

Vient le tour de Chester et ses fresques un soupçon trash mais néanmoins magiques réalisées par le collectif Humungus. Celui-là même qui fut à l’origine du fanzine « My Way » en 2000, qu’il pensait « one shot », mais qui a tout de même tenu 9 ans et qui va sans nul doute, rebondir avec un nouveau projet « Speedball ». S’en suivent les tables de presse arborant drapeau antifa et fanzines à gogo. Ont répondus présents : le Comité de Soutien aux Indiens d’Amérique, le Comité Chiapas, JIMI, le Monte En l’Air (librairie alternative), Action Antifa, Collectif Barricata, Crash (label), Réflexes, SCALP, No Pasaran, FA 3134, Libertalia, Trauma Social, Fermeture/Rétention, General Strike (label, distro), Abloc et Chéribibi (fanzines), Speeball (BD), VPC T-Shirts, Infokiosk Le Rémouleur (point d’information) et enfin Toile Libre (pour la liberté d’expression sur le Net) sans oublier les absents pour cause de timing : Gestalt Distro, Angrrr, Slow Death, Konstroy, Stygmate, BboyKonsian et Guerilla Asso.

Après en avoir pris plein les mirettes, l’entrée dans le vif du sujet se fait avec un accueil du public digne de ce nom : CD promo, badge, pochoir (Grimmm) et tee-shirt offerts à l’entrée, respect ! En intérieur, de nouveau des tables de presse orientées distribution (label) pour promouvoir « tous les activistes de la scène indépendante dite alternative » (dixit Chester), coin « merch », partie vinyles et badges et enfin « Le Bal » fresque du collectif Humungus, trônant juste au-dessus de ce joli microcosme.

Question scène, LaReplik ouvre les hostilités avec leur folk-punk libertaire « guinguette » bordelais. Vigie, au timbre de voix si particulier non sans rappeler Edith Piaf, et Ludo, tout deux au chant, entonnent avec brio et entre leurs titres « Espoirs déçus » et « Identité » de Camera Silens.

Les Cadavres enfoncent le clou de leur punk-rock et Jr Cony dégaine sa sélection pointue de vinyles durant les changements plateau. Enfin, et pour terminer, les Los Tres Puntos, laissant toujours la langue de bois au placard : ils sont antifascistes, anti-Sarkozy, anti-Erika, anti-Amoco Cadiz, plus récemment anti-Fukushima et ne s’en cachent pas en transmettant leurs idées sur fond de musique festive.

Essai transformé pour Max et Marsu, soirée très réussie et remplie de chaleur humaine, mais dis-moi Max…

Los Tres Puntos

D’ou vient le nom du groupe ?
« On cherchait un nom à consonance espagnole. Notre batteur de l’époque Greg, a évoqué le film « Les princes de la ville » où deux gangs du quartier chicanos de Los Angeles « Los Vatos Locos » et « Los Tres Puntos » s’affrontaient dans l’océan de la jeunesse tumultueuse des années 80. Le choix s’est porté sur Los Tres Puntos, signifiant les « les trois points », tout un symbole triangulé qui identifie clairement le groupe à une connotation de révolte. »

Et « Hasta la muerte », le titre de l’album ?
« Jusqu’à la mort… Cela  correspond bien à notre vieux groupe qui a commencé en 95 et qui, depuis 16 ans est toujours sur la route et se tape encore du ska-punk comme à ses débuts. »

Influences musicales et racines ?
« Au lycée, on écoutait tout ce qui était rock alternatif français des années 80. Nos racines sont dans ce rock, mais aussi le rock basque (Kortatu et toute cette frange-là). On était sensible au chant en espagnol, d’autant que notre chanteur est galicien. Les origines du groupe sont tout ce substrat-là et bien évidemment les Béru (Bérurier Noir) et le rock libre. A l’époque on ne savait pas jouer mais on en avait très envie. Ce que l’on avait saisi du rock libre c’est que tu pouvais prendre ta guitare, faire trois accords et dire ce que tu avais à dire, sachant que la couleur que l’on voulait donner rapidement était le ska. A l’époque, c’était un style complètement désuet puis on a connu ce truc un peu fou d’une tendance ska qui arrive. On était au bon endroit au bon moment. »

Que penses-tu des tendances justement ?
« Tu vis avec et tu les vois se faire et se défaire mais cela va de paire avec la longévité d’un groupe. On est toujours resté fidèle à ce que l’on faisait, mais il est amusant de voir les évolutions autour de soi. Malgré tout, on est un groupe bien assis et notre public reste fidèle. Au début, on a eu de la chance, c’était un concours de circonstances, le premier album est sorti au moment du flux ska, mais à tout flux de tendance il y a un reflux au moins égal. A l’heure actuelle le ska est redevenu un style périmé, on repart 15 ans en arrière mais il semblerait que le flux revienne, tu vis donc au gré des marées. »

Des difficultés pour sortir votre premier album ?
« On vient du rock libre et quand il a fallu faire l’album, c’est tout naturellement que l’on s’est mis en autoproduction. On a cherché un distributeur, on a géré tout le reste, l’album s’est bien vendu, c’était formidable pour nous. Du coup, on s’est retrouvé avec une puissance financière qui était intéressante pour la suite des évènements. C’est aussi le coté qui vient de nos racines, le côté indépendant alternatif. En aparté, à l’époque, c’était très tendance de dire que tu étais indépendant. Les gens étaient à 300% indépendants, tous en contrat avec un label indépendant mais ils étaient aussi très dépendants de ce label. A un moment donné, les musiciens avaient un discours très creux et très récupérateur de slogan sans en avoir vraiment l’âme. On était dans le même sac d’ailleurs, on a refusé des licences de production avec des labels et nous passions alors pour des fêlés. C’était vraiment une volonté de vouloir rester indépendants car, pour nous, c’était l’âme du rock libre. Quoi qu’il en soit, le discours était hermétique quand c’était la mode d’être indépendant. »

Si une major s’intéresse vous, vous y allez ?
« Absolument pas ! Sur l’album des « 10 ans fermes » sorti en 2006, au moment de la sortie, on a fait une entrée fracassante dans le top 200, ce qui était assez incroyable alors que nous étions en pleine crise du disque. Il y a eu un édito qui expliquait que les gens n’étaient pas contents (ceux qui battaient le pavé pour je ne sais plus quoi) et que c’était pour cela qu’ils achetaient du Los Tres Puntos… De toute façon, je ne pense pas que nous soyons intéressants pour les majors… mais honnêtement, on s’en fout ! On vient de l’underground et cela fonctionne différemment. Tout le sens du groupe repose sur le côté artisanal du rock, sur le côté « démerde » pour la maîtrise du projet artistique de A à Z. On écrit nos chansons, on compose nos musiques, on les enregistre, on les produit, on les presse, on se débrouille pour les diffuser, on les promotionne et on se fait tourner tout seul. Le seul intermédiaire que l’on ait eu depuis 15 ans, c’est un distributeur. Il reste l’unique parce que nous avons compris que l’on ne peut pas s’improviser VRP et bien évidemment, on a choisi un distributeur indépendant. »

Question bateau… qu’as-tu à dire sur l’évolution du marché de la musique ?
« Alors là, je peux en dire des tonnes ! En 15 ans, il s’est passé tellement de choses… On a connu l’arrivée d’Internet qui a été une vraie (r)évolution dans la diffusion de la musique. Maintenant tu poses un titre sur Myspace et un mec du Costa Rica l’écoute. Sans jamais avoir mis les pieds en Amérique du sud, on est très attendu là-bas et ce, depuis longtemps… la magie du Net… Par rapport au changement, cela fait dix ans que l’on vit la chute du marché du disque, et concrètement, on vend un peu moins de disques. On a donc été directement touché, mais on a continué notre autoproduction. Cependant, dans notre démarche très laborieuse, l’avantage c’est que l’on ne doit rien à personne. »

La crise du disque n’est-elle pas la crise des intermédiaires entre les artistes et le public ?
« C’est clair, mais cela dépend, nous sommes producteurs, on a juste besoin d’un distributeur donc le pourcentage sur le contrat est moindre, mais si tu es en contrat de production et qu’en plus ce n’est pas toi qui écris les chansons, tu ne touches pratiquement rien donc oui, les intermédiaires subissent la crise mais il faut rappeler qu’ils se sont gavés pendant des années et qu’ils se gavent encore… Pour moi tout ce coté crise du marché du disque c’est la chose contre laquelle on se battait il y a 15 ans. On chiait sur les majors et sur tout ce côté système de tubes où les mecs envoient de la merde qui finit disque d’or parce tout est maîtrisé : la diffusion, la promotion, les télés, les radios… Ils se faisaient un jackpot de ouf ! A un moment donné, c’était autant d’artistes qui n’allaient jamais sur scène ne vivant que sur des royalties et des ventes de CD. Maintenant si tu ne vis que sur cela, tu es bon pour aller retravailler. Aujourd’hui, un artiste qui travaille c’est un artiste qui va sur scène. »

En tant qu’indépendant le téléchargement illégal vous à t-il porté préjudice ?
« Pas directement mais les aires de vente ont fondu comme neige au soleil et quand tu vas dans les grandes surfaces de distribution pour voir les CD indépendants, il est clair que tu peux chercher les disques… Maintenant, la vente de papèterie et de merchandising est privilégiée et de fait, les mises en place sont bien moindres que ce que l’on avait, ne serait-ce qu’il y a 4 ans. Pour répondre à la question : oui, un peu… on presse moins de disques et puis c’est tout. »

Les concerts vous permettent-ils de sauver la mise ?
« On est un groupe de week-end et c’est blindé à chaque fois. Après, ce n’est pas à grand renfort de télé ou de radio, mais uniquement par le bouche à oreille. On a toujours été dans cette logique-là et cela fonctionne très bien pour nous. Un concert ramène un autre concert et parfois deux. Nous sommes un groupe de scène avant tout, de chaleur humaine et on a la chance de pouvoir sortir une production tous les trois ou quatre ans. Il est clair que là-dessus, on se fait plaisir, mais le but premier est de jouer. Sur ce point la crise du disque n’a jamais mis en péril le groupe puisque nos ventes de disques n’ont jamais financé l’ensemble.»

Que penses-tu des plateformes digitales ?
« On se demandait comment on allait se positionner par rapport aux plateformes de téléchargement légal ou illégal d’ailleurs, sachant que les cassettes audio on en a fait un paquet, alors crier haro sur le téléchargement gratos…. Si tu réfléchis bien, la logique est la même. Le flux est certainement plus important maintenant. A nos concerts, on voit une génération qui n’a jamais acheté un CD. Si j’avais 15 piges à l’heure actuelle est-ce que j’achèterais un CD ? Non. Au-delà de la diffusion c’est aujourd’hui un autre mode de consommation de la musique. En 2006, toujours pour les 10 ans fermes, il y avait cette polémique sur le téléchargement et certains affirmaient que pirater c’était du vol, etc. Actuellement, on peut acheter en légal au prix de 9.90 €, mais c’est n’importe quoi ! En tant que producteur, tu marges davantage à 9.90 en vendant en numérique qu’en vendant un album à 15 € dans les grosses boites. Les gars n’ont rien compris, le prix est abusif et ça, c’est vraiment notre cheval de bataille. OK, ils le font au début et ils s’aperçoivent que cela ne prend pas, faut pas se demander pourquoi : c’est trop cher ! Pourtant, 4 ou 5 ans après, on est toujours à  9.90 et ils sont toujours en train de chialer, en train de dire qu’ils ne comprennent pas, que la mayonnaise ne prend pas et que les gens sont des voleurs. Franchement, ils ne se rendent pas compte mais c’est beaucoup trop cher ! Les mecs cherchent à marger plus qu’ils ne margeaient avant alors qu’avant ils margeaient déjà comme des porcs. A un moment donné, faut capter et redescendre. On n’avait pas de contrat digital avec notre distributeur et il ne comprenait pas pourquoi, mais on avait toujours un problème avec le prix. On a demandé quel était le prix le moins cher que nous pouvions pratiquer. Le plus bas c’était 3.99 et 4.99, on a donc sorti notre back catalogue à 3.99 et le nouvel album à 4.99 sur les plateformes, voilà ! Pour nous,  c’est le prix juste. Si tu mets l’album sur les plateformes à 5 euros c’est parfait, tu n’as plus d’intermédiaire et la Fnac n’existe plus. Itunes ne prend quasiment rien, normal, ils préfèrent vendre des Ipod, donc voilà comment on se positionne par rapport à ces autres moyens de diffusion. »

Certains puristes n’ont-ils pas besoin de l’objet ?
« Si, mais cela concerne une autre génération, mais l’un n’empêche pas l’autre. Il y a beaucoup de supports maintenant, tu peux sortir en vinyle, en CD, en digital, le seul que tu ne trouves plus c’est la cassette, mais il n’est pas impossible que l’on en ait un revival. A chaque génération, tu as un support, mais ce qui saute aux yeux c’est que la génération 15/25 ans n’a jamais acheté un CD. Les ados ne sont pas attachés à un support par rapport à la musique. On ne peut pas faire comme si les choses n’existaient pas, au contraire, c’est une réalité et il faut savoir y faire face.
Les ingénieurs du son sont outrés par la façon dont les jeunes écoutent la musique et s’alertent réellement sur la régression du son. Tu te fais chier à enregistrer dans des studios improbables, à t’emmerder sur un poil de cul de fréquence pour avoir un spectre large et les ados écoutent avec un casque ou, carrément, avec le haut parleur du téléphone portable. Du coup, même si je n’aime pas dire ça, l’éducation de l’oreille se perd. Découvrir des petits détails d’arrangement, parce que l’artistique est là quand même, c’est génial, mais avec le portable tout est perdu. Les juniors peuvent passer à côté de quelque chose, ce qui est quand même très bête. Après, je pense que quand ils aiment vraiment un morceau, ils font l’effort d’aller chercher quelque chose pour l’écouter au mieux. Quoi qu’il en soit, les jeunes écoutent de la musique et c’est très bien. La crise du marché du disque n’est pas la crise de la musique. »

Tes aspirations maintenant ?
« Les mêmes qu’à 20 ans avec un peu plus de maturité, mais en plus passionné et avec plus de possibilités. On est parti sur une idée de rock libre dans notre version idéaliste. Avec les années et les concours de circonstances, on met des choses en place et le parcours fait que cela aboutit. A l’heure actuelle, on en est là et on vient de là. C’est un flambeau que l’on a repris, on ne nous l’a pas donné, on se l’est juste approprié. Pourtant, on n’est pas dans une tendance comme il y a pu en avoir en 80/90. A l’époque, les labels c’était carrément une autre force de frappe, Bondage c’était vraiment costaud. Cela a influencé moult choses et c’était une vraie révolution culturelle. A notre humble niveau, c’est quelque chose que nous vivons depuis 15 ans. La musique pour moi et c’est aussi ce que l’on fait avec les Los Tres Puntos. On l’idéalise (même si c’est quelque chose qui n’est pas vivant et que c’est une façon de déshumaniser) mais, en même temps, c’est un leitmotiv et on tend vers l’idéal. C’est très gamin bien sûr, mais on tente de préserver tout cela et du coup on n’est pas des arrivistes, on est des… continuistes ! »

« Hasta la Muerte » – Discograph
Disque en vente exclusivement sur : www.lostrespuntos.com

Texte et photos : Maho

Pour l’amour du mot

À la veille d’un voyage en France, Moran raconte son histoire avec  la musique ainsi que tous les préparatifs qui ont entouré son deuxième disque, « Mammifères ».

Une chanson aérienne, des textes touffus, fouillés, soignés. Et un chanteur, auteur et musicien qui présente une certaine réserve jumelée à un regard intense. Il s’appelle Moran. Un nom de famille inventé pour un personnage tout aussi discret que direct et sincère. La musique, tout comme l’homme, préfère visiblement user de subtilité. «Mon nom d’adoption est Maurand. Et mon père biologique que je n’ai pas connu s’appelait Maurano. Quand je me suis mis à écrire des textes, à faire de la chanson, je me suis demandé de quel nom je devais les signer. Je ne voulais pas de mon nom d’adoption puisqu’il n’y a pas culture musicale dans cette famille . Et je ne voulais pas non plus signer par le nom de mon père biologique qui n’a pas été là. Vu l’écart qu’il y avait entre ma voie et cette famille d’adoption – personne ne chante ou écrit -, je me disais quand même que la génétique avait fait ici son chemin en moi. Je voulais me situer quelque part entre les deux. J’ai donc opté pour un nom qui représentait cette réalité, un nom d’artiste, porteur de liberté.»

Moran se distingue par les mots, des paroles qui ont, dès ses débuts en chanson, retenues l’attention de la presse et des concours dont il a été plus d’une fois gagnant avec son premier disque, « Tabac ». Il a une façon d’écrire, de réciter et de chanter ces mots qui le distinguent. Il y a évidemment cette voix grave et profonde, mais aussi ce soucis du détail, une recherche de musicalité à travers les lettres. «S’il n’y avait pas eu les mots, je ne crois pas que je me serais lancé dans la musique, que j’aurais fait l’effort d’apprendre la guitare à trente ans. C’est l’amour des textes qui a tout déclenché. La poésie, c’est magnifique, mais en chantant, on ajoute une dimension mélodique. Le texte acquiert une troisième dimension. Et puis  quand on chante ses propres textes, encore plus qu’une lecture, on peut encore aller plus loin, faire encore plus de sens.»

Mais avec le temps, et tout particulièrement avec l’arrivée de « Mammifères », un deuxième album, Moran ressent plus que jamais ce goût pour la musique. La preuve, c’est cette équipe de musiciens qui aujourd’hui l’entoure en studio comme sur scène : Thomas Carbou, réalisateur et musicien, et Sylvain Coulombe à la batterie. Le trio travaille même actuellement sur un troisième album qui insuffle, selon Moran, une nouvelle énergie au spectacle de « Mammifères » : «On met du vieux dans du neuf et neuf dans du vieux et le résultat est vraiment intéressant. On est complètement ailleurs.» Moran ne part pas sans préparation en France. Il a retravaillé en septembre dernier son spectacle avec le chanteur français Daran : «J’ai voulu arrêter mes chansons, les fixer car elles avaient sur scène plus d’une version. Avec Daran qui habite maintenant au Québec depuis plus d’un an, on a fixé des structures, un rythme, une façon de faire. On a maximisé nos idées. Bref, Daran avait les oreilles dont nous avions besoin, il a joué le rôle d’un metteur en scène.»

Peaufiner, évoluer, bouger sont des leitmotivs qui habitent silencieusement l’homme et ses actions. Les thèmes abordés et chantés se transforment aussi. D’intime et personnel, ils tendent, selon le principal intéressé, de plus en plus vers universel. Sur « Mammifères », une réflexion humaine a pris la place à des pensées plus charnelles et personnelles. «J’ai de plus en plus le besoin mordant d’écrire sur des thèmes d’actualité comme le Darfour. C’est délicat, car ça m’a toujours énervé, les chansons qui revendiquent. Je ne veux pas avoir l’air d’être en grève sur le coin d’une rue. Je suis donc à la recherche d’un équilibre délicat, un ton juste. La pièce “Proverbe” montre bien cette nouvelle intention.» Dans cette envie de s’ouvrir à d’autres, il a signé dernièrement des textes sur le dernier disque de Catherine Major, aussi sa compagne de tous les jours. Des mots qui font peau à la chanteuse. Et là encore, Moran en tire des leçons : «Je réalise qu’il y a certains compromis que j’ai fait pour elle que je devrais faire pour moi aussi.»  Il est de ceux qui refuse le statut quo, question de se rapprocher de cet idéal créatif. Un mammifère la fois poète et musicien.

Le CD sort en France le 2 mars 2012 (distribution SOCADISC) mais l’album est déjà disponible en téléchargement chez BELIEVE.

La tournée française :
23 novembre ACP Manufacture Chanson – Paris
24 novembre La BarracaZem – Lille
25 & 26 novembre à 22h00 Le Limonaire
18/19 janvier BIS 2012 NANTES 44
17 mars Voix de Fête GENÈVE
21 mars Aah ! les Déferlantes ! Le Train Théâtre PORTE LES VALENCE 26
24 mars Les Agités du Local BELVEZET 34
28 mars Le Zèbre PARIS 75
29 mars Espace François Mitterrand BULLY-LES-MINES 62
31 mars Festival les Ptits Bouchons GAILLAC 81

Sarah Lévesque
Photos Michel Pinault

My Own Private Alaska (MOPA)
« Tournée en Russie »

My Own Private Alaska (MOPA) est un trio piano-batterie-chant dont l’inspiration s’étend du classique à Erik Satie jusqu’au screamo à la Envy. Du « rock » sans guitare ni basse ? C’est probablement cette particularité qui leur a permis d’être repérés par le producteur américain de The Cure et Slipknot dès la 1ère année de leur formation en 2007 et d’enregistrer leur  1er album « Amen » à Los Angeles. S’en suivront presque 3 ans de tournée dans plus de 25 pays à travers le globe, dont la Russie où 15 concerts se sont déroulés dans des circonstances peu banales. Tristan, pianiste du groupe en a profité pour écrire un report journalier qui retrace autant d’anecdotes insolites que de descriptions éclairées d’un pays encore sclérosé dans le communisme il y a quelques années.

Comment relater 15 jours de voyage en quelques mots, notamment quand l’aventure humaine et culturelle dépasse celle de l’aventure strictement musicale ? Il serait fou de ne restreindre cette tournée qu’à une succession de concerts. En route pour train, rock’n’roll et « pectopah »…

Tout d’abord, quelques mots sur la Russie : 31 fois plus grande que la France, 142 millions d’habitants, température hivernale moyenne en Sibérie occidentale : moins 27°C. Forêts et taïga couvrent 850 millions d’hectares. Durée du trajet du train reliant Moscou à Vladivostok : 168 h. C’est ce train que nous prendrons pendant 105 h cumulées pour sillonner la Russie jusqu’à Krasnoyarsk, ville de Sibérie située au nord de la Mongolie, à quelques heures de la Chine, notre destination finale.

Kiev (Ukraine) : Cheveux rouges, journal télévisé & karaoké.

Premier concert de la tournée. On s’aperçoit qu’un bon nombre de filles se sont teint les cheveux en rouge en hommage à mon style de coiffure. Ce sera une récurrence sur toute la tournée. Plutôt un hommage sympa… sauf que j’ai maintenant les cheveux colorés blancs et les filles font une drôle de mine…Ca me rappelle le live des Cure à Orange où Robert Smith jetait sa perruque dans la foule. En s’étant rasé avant le concert, il avait pris de court tous ses fans !

Difficile d’écrire ce que l’on éprouve lorsqu’on entend 200 fans hurler nos textes plus forts que nos propres retours… Certaines « vieilles » chansons du 1er EP comme « Ego Zero » ou « Die For Me » sont considérées comme des « hits » que les fans chantent en chœur. A ce moment-là, on se dit que ces chansons ne nous appartiennent plus, et qu’elles deviennent l’expression d’une vitalité et d’une liberté ukrainienne en pleine essor. Ces « one more song » qu’ils hurlent à la fin du concert résonnent comme autant de cris d’espoir d’une jeunesse ukrainienne en mal de reconnaissance.

A peine le concert terminé, nous nous faisons assaillir par les fans pour la séance de dédicace. Signatures sur les tee-shirts, les tickets de concerts et les CDs, mais à notre surprise, également sur les passeports, les billets du pays, les livres d’école… Comme une manière d’intégrer un petit bout de France dans leur pays.

L’heure passée à écrire nos remerciements nous procure vite des crampes. Quand finalement le promoteur local nous demande de nous libérer pour répondre aux télévisions. 1 nationale et 2 locales. Des questions sur notre vision de leur pays, notre préférence entre livre physique ou numérique, notre futur album, etc. Le tout suivi d’un micro-trottoir pour un passage télé en prime sur l’équivalent de France Télévision en Ukraine…

1 h du matin, on passe notre 1ère nuit dans une auberge de jeunesse pour ne dormir que 4 heures. Demain matin, on prend le train pour Kharkov la 2ème date en Ukraine. Durée du trajet : 6 h.

Kharkov (Ukraine) : Nouveaux morceaux, système D & police ukrainienne.

Située dans le Sud-Est du pays, Kharkov jouit également d’une grande jeunesse. Encore plus de 250 fans se bousculent pour hurler nos refrains et nous demandent de jouer les morceaux qu’ils préfèrent… Ce que nous ne manquons pas de faire, mais aussi, voire surtout, de leur proposer 3 nouveaux morceaux en «pré-production » issus d’un enregistrement fait par Baptiste B. le producteur de notre 1er EP. Depuis hier, les morceaux sont déjà sur le Net et les fans ont eu le temps de les écouter pour en chanter déjà quelques paroles ce soir…

Les moyens techniques disponibles dans les clubs ukrainiens ne sont pas toujours au top, et ne pouvant transporter notre matos qu’au strict minimum, il nous faut emprunter certains accessoires sur place, tels un stand piano ou un siège batterie par exemple. Ce soir, une table branlante en préfabriqué fera office de stand pour mon piano. Matthieu le chanteur chantera lui sur un mini tabouret… Rock’n’roll !

Une des raisons expliquant qu’il fait bon tourner dans les pays de l’ex-Union Soviétique, c’est qu’ils ont un régime alimentaire particulièrement sain et raffiné. Beaucoup de soupes (leur fameux Borch) et de légumes grillés ou cuits à la vapeur. Beaucoup de poulet aussi. Le tout dans des quantités assez modeste, ce qui semble expliquer le caractère exceptionnellement longiligne des filles (talons aiguilles mis à part). Aussi, le moment de manger est particulièrement important pour nous, on pourrait presque dire autant que celui de jouer ! On a d’ailleurs inventé un mot pour cet usage : le « PECTOPAH ». Lecture littérale française du mot « restaurant » en cyrillique. Lors de notre « pectopah » à Kharkov, un mec qui tenait à peine de debout nous questionnait lourdement à propos de choses incompréhensibles (même pour des russophones). La serveuse s’en est mêlée et on a vu débarquer les flics ukrainiens dans la minute. Autant dire qu’ils font pas semblant avec leur casque pare-balle et leur matraque…Une minute d’interrogatoire et le jeune mec s’était vu raccompagner vigoureusement dans la rue… La police a encore beaucoup de poids dans ce pays…

Minsk (Biélorussie) : Douane, monnaie & KGB.

En route pour Kharkov-Minsk. Durée du trajet : 16 heures de train. On n’arrive pas en Biélorussie sans l’inspection de douane obligatoire. Même dans les trains. 1 h d’arrêt tout spécialement pour ça. Un vinyle dédicacé au douanier et la négociation concernant le nombre de t-shirt que l’on transporte est réglé…

La Biélorussie vit actuellement une crise financière sans précédent. De ce fait, l’économie du pays est au plus bas, et le gouvernement cherche à réduire les dépenses publiques telles que les lumières des monuments historiques par exemple. Anecdote complètement folle: la monnaie biélorusse n’existe pas sur le marché des changes, leur économie fonctionnant en cercle fermé…Conséquence de quoi il nous est impossible de vendre notre merchandising. On statue unanimement de balancer des CDs et tee-shirts à la fin du concert. C’est la moindre des choses au regard à l’accueil qu’ils nous réservent…

Timing très serré, on arrive à la gare à peine 50 minutes avant de monter sur scène, le groupe de première partie étant déjà sur scène. On arrive dans le club sur le dernier morceau du groupe, on se met directement à s’échauffer : jambes, poignets et surtout cous, headbanging oblige ! Une banane pour certain, un Red Bull pour d’autre et hop sur scène. Au final, le concert le moins préparé de la tournée sera le plus intense. On n’a jamais ressenti autant d’impatience, d’excitation, de positivité et de jouissance du moment présent que dans ce parterre de fans biélorusses. Ce sentiment de se faire porter par la foule n’a vraiment aucun égal. Et on a donné ce soir-là, grâce à cette énergie du public, bien plus que ce que l’on est capable de donner dans des circonstances plus sobres.

Encore une séance dédicace très soutenue, puis direction le « pectopah » du coin : poulet grillé avec du fromage fondu précédé d’un excellent Borch et d’une bière locale ! Puis direction la ville pour une excursion de nuit. Au programme, le centre ville de Minsk et ses immenses jardins et places historiques. Il est surprenant de constater que certains immeubles publics ne sont plus éclairés, tels celui de l’ancien KGB, situé en plein centre ville, sombre et silencieuse demeure au milieu de l’agitation de la rue principale à six voies.

Saint-Petersburg : Architecture, mode & punk attitude.

16 heures de train. Le temps de faire une “bonne” nuit de 10h dans les couchettes qui n’ont rien à envier à nos trains… des années 50 ! Les 6 heures restantes servent à admirer les incommensurables forêts de bouleaux russes. 6 heures à raison de 500 arbres à la minute, ça en fait pas mal…

Qu’il est bon de revenir dans cette ville où bâtiments des plus colorés et spectaculaires s’enchaînent à perte de vue au bord du Golfe de Finlande. Témoins d’un passé glorieux basé sur les remparts de l’invasion finlandaise. La citée de Peter 1er  est « La Venise du Nord ». Ici, on nous répète qu’il y a 1 fille pour 2 garçons… et on comprend peut-être mieux pourquoi elles sont autant apprêtées : talons aiguilles, tailleur, décolleté et maquillage de rigueur pour immense majorité d’entre elles. La concurrence est aiguisée, et les yeux n’ont jamais fait autant de gymnastique…Cette tendance qui consiste à s’habiller en plein jour, quelle que soit la température (au demeurant très agréable à cette période de l’année), comme nos Européennes le feraient pour sortir le soir ou pour un entretien d’embauche, est vraiment une caractéristique russe très dépaysante.

Sur scène, c’est la 1ère fois depuis le début de la tournée que le public manifeste sa présence aussi modestement. Et pour cause, c’est la 3ème fois que l’on joue à St-Peteresburg en un an et demi, et le prix d’entrée à été multiplié par 3, frais de tournée oblige. Les fans, sensiblement plus âgés, et connaissant déjà bien nos anciens morceaux, sont plus à l’écoute des nouveaux titres. On se sent moins portés que le concert de la veille, et on doit aller puiser plus profondément l’émotion pour finalement donner un final digne des scènes les plus punk : pied de micro cassé en 2, cymbales fissurées et piano à moitié détruit par terre. Jouer du piano en marchant dessus ne m’était pas arrivé depuis le concert des Eurockéennes de Belfort l’an dernier…

Séance dédicace encore très soutenue pendant laquelle une fan nous montre sa jambe entièrement tatouée des textes de notre chanson « Amen ». Ces mots « résonnaient en elle comme une certaine vérité » disait-elle. Un hommage qui me flatte et m’effraie en même temps. Elle portera ça à vie quand même ! Notre célébrité est vraiment très prononcée ici…Et le retour que nous font les fans sur ce que notre musique leur procure nous conforte dans l’idée que notre démarche musicale va plus loin que la simple écoute musicale. Une douche (la 1ère depuis trois jours…c’est dur de se doucher dans un train !) et en route pour notre prochain train de nuit pour Moscou. Durée estimée : 10 h.

MOSCOU : Gigantisme, trafic & implication musicale.

Moscou, la ville aux 25 millions d’habitants. Quasiment la moitié de la population française. Ici, les voitures sont légions et la ville n’a rien à envier aux villes américaines, bien au contraire. Buildings et rues à huit voies se côtoient aisément. Bien sûr le style est plus « grossier », typiquement soviétique, mais un vrai charme émane de cette ville. Les monuments récents se juxtaposent en témoignage d’une ville en perpétuelle expansion. La légende veut que 1000 personnes par jour viennent habiter à Moscou…Ici, le trafic est dense, et la pollution palpable. Les passages piétons sont des immenses tunnels où l’air est irrespirable. Partout dans la ville, il est curieux de voir l’omniprésence des 4×4 (état des routes oblige) et des Lada (voitures soviétiques par excellence) se côtoyer comme symbole du passage d’un régime politique à un autre.

Ce soir, le concert est probablement l’un des meilleurs que l’on n’ait jamais donné ; dans la lignée de celui de Minsk. Le public, chiffré à plus de 300 personnes, est ici impliqué jusqu’au paroxysme : Matthieu vient chanter le final de « Just Like You And I » au milieu de la fosse. Et tous les fans de le reprendre en chœur. Pendant plus de trois minutes, la communion musicale est à son comble, le public et nous ne faisant plus qu’un. C’est un intense moment de partage. Dans ces moments-là, on sait pourquoi on passe des centaines d’heures dans des trains sans se laver, à mal dormir à des milliers de kilomètres de nos familles…

Ce soir, un autre fan nous montre un tatouage avec notre nom de groupe sur son avant-bras. Commencerait-on à s’accorder le droit de s’habituer à ces pratiques ? Depuis le début de la tournée, les ventes de tee-shirts sont énormes. On n’a quasiment plus de vêtements homme alors qu’il nous reste encore 5 concerts avant la Chine…Les CDs, eux, partent moins vite, la culture du piratage étant très encrée ici.

En route pour notre prochain train à destination de Nizhny Novgorod. Durée du trajet : 7 h. Et ces arbres, toujours ces milliers d’arbres qui bordent la voie ferrée. D’une manière ou d’une autre, il ne serait pas étonnant qu’ils nous inspirent pour le prochain album…

Nizhny Novgorod : Kremlin, nez qui coule & lutte anti-dépression.

On a la chance d’avoir une chambre d’hôtel dans l’hyper centre de la ville. Une petite sieste, session FaceBook avec les fans, Skype avec nos familles, et c’est parti pour la visite du Kremlin (gouvernement) local situé sur une colline à 200 mètres de notre chambre et dominant toute la ville. Depuis là-haut, on a une vue panoramique sur les deux fleuves qui se rencontrent (les pétroliers y voguent, les bateaux de fret aussi.) Les églises orthodoxes aux toits dorés côtoient les maisons de maître et les bâtiments publics colorés en vert ou rouge pastel. Le tramway passe dans les rues, et au loin, les voitures sillonnent les gigantesques ponts qui font la fierté des habitants. Plus loin, toujours ces arbres qui remplissent les vides que laisse la ville.

Un peu de vent, quelques minutes d’immobilité pour s’imprégner de l’atmosphère du lieu… et j’attrape froid. Nez qui coule et éternuements. Je ne suis pourtant jamais malade. Mais la fatigue doit ici avoir raison de mon corps. C’est difficile d‘empêcher le fluide de tomber lorsque que l’on joue du piano comme un punk. Surtout quand on a les deux mains occupées. Et ce sera comme ça pendant encore deux concerts avant que je ne refile mon rhume à mes compères. Solidarité oblige !

Le bar-concert est de nouveau bourré à craquer. On s’y habituerait presque ! Les jolies filles devant, les « hardcore fans » chantant les paroles en chœur et les observateurs derrière, en hauteur et sur les côtés. Matthieu, présente maintenant « Anchorage » comme étendard d’une cause dont il faut sortir plus fort. Il en profite en effet pour faire savoir qu’on monte un grand projet sur le thème « MOPA / transformer le négatif et positif  à travers l’Art » en partenariat avec plusieurs associations de lutte contre le mal-être, le suicide, la dépression, le repli sur soi. Ce thème fera partie intégrante de notre prochain album puisque la moitié des textes sera issue des témoignages des fans ayant vécus des histoires en lien avec ces tragédies. Notre musique nous aide (ainsi qu’à nos fans) à aller mieux. Il nous paraît naturel de rendre la pareille et de s’engager encore davantage dans l’implication de « la problématique humaine ». Au-delà de la musique, il y a l’Art, au-delà de l’Art, il y a l’Homme, au-delà de l’Homme, il y a la Vie. Ne jamais oublier ce principe. (Cf. Partenariat UNPS www.myownprivatealaska.com).

La prochaine ville est à 23 heures de train à travers la forêt russe. L’Oural se profile, et il donne un relief nouveau aux arbres qui sombrent dans des marécages invisibles. Ce tableau vivant que représente notre fenêtre du compartiment de train est d’une absolue magnificence.

Yekaterinburg : Linge sale, hospitalité & after-show

Ca peut paraître incongru, mais la seconde question que j’ai posée à la personne nous accueillant dans son appartement est “Avez-vous une machine à laver ?”. (La première étant “Bonjour, vous allez bien ?”.) Ca fait maintenant huit jours que l’on tourne et le peu de vêtements propres qu’il nous reste dans nos valises s’est considérablement amenuisé (au profit du merchandising prioritaire dans chacune de nos valises), et je me vois mal évoluer en société avec un caleçon de plus de 3 jours…Trop de rock’n’roll tue le rock’n’roll, c’est bien connu. Alors vive les vêtements propres !

Il est fou de voir combien les gens sont courtois et font preuve d’une hospitalité rare. C’est seulement le lendemain du concert que l’on s’est aperçu que les propriétaires de l’appart avaient dormi par terre, nous laissant leur lit et canapé…Nous pensions qu’ils iraient chez des amis ou des parents. Et leur petit cadeau de bienvenue nous a vraiment surpris : des ballons accrochés les uns aux autres en forme de cœur… Parfois on espère qu’ils ne nous confondent pas avec Bon Jovi…

En toute pudeur et modestie, ce soir était encore un concert blindé et complètement taré. Des bouts de cymbales ont volé, des câbles ont encerclés des fans… Mais surtout, un fan s’est trouvé en phase avec sa Vie. « Would You Die For Me, If I Say Please » le morceau que tous les Russes attendent et dont les textes résonnent avec la vie de certains fans. Celui-là, à la première note, est monté sur scène avec nous et s’est approprié la chanson. Il n’interprétait pas, non, il vivait littéralement avec la chanson, faisant corps avec elle. D’habitude, on déteste les mecs bourrés qui montent sur scène et nous emmerdent à danser et slammer comme des bourrins. Il n’était pas question de ça ici, et je n’ai pas honte de dire que l’attitude et l’émotion de ce fan m’ont fait pleurer. Ce fan m’a bouleversé et nous a fait, sans le savoir, un merveilleux cadeau.

Il est tant de fêter tout ça lors d’une « after » dans le bar d’à côté. Ici, aucun scoop : shoots de Vodka à volonté offerts par les fans, filles superbes et musique rock étaient de la partie. Un petit cigare pour fêter ça. Les Russes savent faire la fête, enfin ils savent boire je veux dire, ce qui n’est pas loin d’être la même chose en ces terres lointaines. Je crois bien que le taxi qui nous a ramené à l’appartement, doit maintenant détester les Français…Quelques heures de sommeil ne sont pas de trop avant les 20 prochaines heures de train pour la Sibérie !

Novosibirsk : Arbres jaunes, statues géantes & pub irlandais.

Ces arbres à perte de vue hantent nos pupilles depuis 10 jours. Ils ont maintenant changé de couleur, passant du vert au jaune-orangé, et ils m’obsèdent de plus en plus. J’irais bien me perdre dedans si j’en avais l’occasion. Ca me rappellera quand j’étais gamin chez ma grand-mère dans la forêt de Fontainebleau. Ca tombe bien, cette dernière est Russe, née à Saint-Petersburg…

Le temps de prendre un taxi fou (ou taxi tout court, ça suffit ici) à base de carénage sport, suspension hypra-souple et son hip-hop, et nous voilà au restaurant hype du quartier de Novosibirsk, 3ème plus grande ville du pays. On ne se réinvente pas : un bon Borsch, un poisson entier, une bière locale et des écrans plats à base de BMX font passer la fatigue au trépas…

Le concert de ce soir est assez « sage » comparé aux autres. Sur les 400 personnes présentes, une bonne moitié est dispersée aux 4 coins de la salle qui regorge d’endroits plus intimes. Mais sage en Russie équivaut à intense en France, et la passion de ce peuple pour notre musique nous transporte toujours autant. Une séance dédicace épuisante (les ouvreurs sont obligés de nous venir en aide si on ne veut pas se faire écraser par les fans impatients) et nous partons pour une petite visite en ville.

C’est incroyable la démesure des monuments et des statues russes. A l’image de la grandeur de leur pays, certes, mais ça m’impressionne toujours. Dans chaque ville il y a un Lénine géant qui donne le LA et pointe du doigt la direction de Moscou. On termine cette soirée par un pub irlandais (sic), seul bar ouvert le dimanche soir passé minuit. A l’intérieur, on cherche les gens : personne, et pas plus d’Irlandais que de Chinois dans un restaurant mexicain…Une bonne Kilkenny, des tapas piquants et au lit. Il est bon de se (re)poser dans des endroits calmes parfois.

Tomsk : Nids de poule, universités & « la Mocquet ».

Tomsk, ville du XVIème, une des plus anciennes de la région, n’a pourtant pas de gare. Contrairement aux 10 derniers jours, on oublie le train et on s’y rend en van. Le promoteur de la soirée est venu nous chercher à Novosibirsk dans la nuit et a dormi dans le van en nous attendant…Encore une preuve de l’implication de ces gens. Mais parlons des routes en Russie : les distances entre 2 villes sont tellement énormes qu’entretenir les routes relève du fantasme. On a tous roulé sur des nids de poule, mais là, on est hors catégorie. Parlons plutôt de nids d’autruche ! Il y a fort à parier que les vendeurs de pneus et suspensions en Russie soient aussi riches que les exploitants de gaz ou de pétrole ! Après 4 heures de route, d’arbres jaunes et sapins, nous voilà à Tomsk.

600.000 habitants pour 300.000 universitaires, je vous laisse faire le compte de la jeunesse de cette ville. Polytechnique et informatique par ci, pharmacie et sciences humaines par là, cette ville de Sibérie dont le record de température hivernal a atteint les moins 56° C, attire pourtant des étudiants du tout le pays. Un tour dans les rues de la ville aux forts accents américains, et on comprend vite l’ambiance qui y règne. Ici, on parle anglais très facilement, et le niveau de vie à l’air plus élevé qu’ailleurs ; tout du moins, pour une ville de « campagne ». Le concert de ce soir s’annonce donc particulièrement sympa !

Malgré la crève de Matthieu au chant, et les problèmes de matos de Yohan à la batterie, on a encore vécu un concert dont on se souviendra, avec notamment une séance dédicace / interview où les fans pouvaient nous poser leur question en russe, traduite en anglais par le promoteur. Cette proximité et disponibilité réciproque nous rapprochent encore plus de nos fans et on se dit que l’on vit vraiment une aventure d’une grande rareté.

On a aussi partagé la scène pour la 2ème fois de suite avec des jeunes screameux de Novosibirsk qui n’ont pas plus de 20 ans, mais qui vivent le rock’n’roll comme s’ils faisaient ça depuis 50 ans… En fin de soirée, ils ont fait honneur à leur pays (ou pas) en se saoulant jusqu’à la moelle, à base de vodka, de cigarettes, de pizzas et de discours tout fait sur la vie et le rock’n’roll.

Le temps d’une dernière photo de groupe pour célébrer cette soirée de fou, et on reprend notre van pour la gare de la ville d’à côté, où notre bon vieux train de nuit doit faire escale… une minute ! Plus on avance et plus notre tour manager Andrey (qui nous accompagne sur la tournée et qui nous booké toutes les dates en Russie), regarde sa montre et parle de plus en plus vivement au chauffeur qui répond de manière semble-t-il assez laconique… Entre eux, le ton monte et la vitesse du van également. On comprend que l’on est en retard et que l’on va rater le train. Si tel est le cas, on va devoir annuler le concert du lendemain car il n’y a pas d’autre train avant tard, le lendemain. On est assez paumés dans cet endroit de la Russie. On demande à quelle heure doit arriver le train, pas de réponse d’Andrey, trop concentré à préparer toutes les affaires pour sortir le plus efficacement possible et courir sur le quai. Finalement, le van arrive à la gare en trombe, on porte piano de 40 kgs et valises de 25 kgs à bout de bras et on « court » jusqu’au quai 2 où notre train arrive à ce moment précis ! On traverse les rails devant la police ferroviaire qui comprend vite notre situation et on choppe de justesse le train qui redémarre 10 secondes après notre arrivée. Tout s’est joué à la seconde près ! Selon Yohan et Matthieu, avoir de la chance porte un nom :« La Mocquet », celui de mon nom de famille. Je touche du bois. Il est 3 h du matin, on est à 9000 kms de Toulouse et on rattrape notre fameux train pour notre dernier concert à Krasnoyarsk.

Krasnoyarsk : Toyota, Sables d’Olonne & Vodka-Red Bull

6 h de train plus tard, on arrive dans une autre ville démesurée aux buildings omniprésents. On est en tee-shirt en pleine Sibérie et les voitures ont le volant à droite. Etant très à l’Est, les Russes n’hésitent pas à ramener leur voiture du Japon où elles sont plus cheap que les Européennes et plus fiables que les Lada russe lors des températures négatives. Il est étrange de « conduire sans conduire » en étant placé devant à gauche.

On arrive devant le club où on jouera le soir, mais on nous prie de ne pas rentrer : on pourrait prendre peur…On entre malgré tout et on découvre un lieu complètement atypique avec des tourniquets pour enfant en guise de table, des bibliothèques en guise de porte et surtout du sable partout : sols, murs, plafonds, chaises, tables, verres. Les Sables d’Olonne, sortez de ce bar ! Impossible de savoir ce qu’il s’est passé la veille ici…Sûrement une sorte d’hommage à la fin de l’été avant que la neige ne revienne prendre ses droits dans cette cité sibérienne. On ressort pour aller se reposer dans une chambre d’hôtel. On reviendra balancer dans quelques heures lorsqu’ils auront fini d’aspirer tout le sable. Balance qui s’avérera être la pire depuis le début de tournée, conditions techniques désastreuse oblige : retours, matos, techniciens en bois. Ce sont des choses qui arrivent. Mais la bonne volonté regagne vite le dessus et le concert sera à la hauteur de la joie des 260 fans présents.

Les éternelles dédicaces sur les bras, les billets de banque, les livres d’école, une dernière interview sur notre vision du screamo français et des groupes le composant, et on arrive à la fin de l’histoire. Direction le bar, où une douzaine de shoots nous attendent tels des soldats de l’armée russe prêts à assaillir nos gorges et nos cerveaux…

La Vodka, c’est bon mais dangereux. Un peu comme notre absinthe de jadis. Tellement bon (ou dangereux, au choix) que l’on a appris à la toute fin de la tournée qu’Andrey, notre tourneur Russe, avait appelé tous les promoteurs des salles pour ne pas nous fournir de Vodka avant ou après nos concerts… Tout ça à cause d’une petite « after party » qui s‘est terminée dans les nuages à Yekaterinburg…

Il est maintenant temps de quitter ce pays qui nous a tant donné et apporté. Après plus de 105 heures de train à travers le pays, l’aventure humaine et musicale que l’on a vécue là-bas est tout simplement hors du commun et c’est avec émotion et amour que nous quittons ce peuple dont nous nous sentons très proche. Des gens immenses, sensibles, et généreux. A l’image de leur pays.

MOPA

L’auto-présentation

En complément de notre article dans «Longueur d’Ondes N°61», nous avons demandé à chacun des membres du sextet strasbourgeois une petite présentation… Car, en recherche perpétuelle d’évolution, la musique des Weepeers reflète l’agencement des inspirations de six personnalités très différentes.

Éric Kaija Guerrier est un porteur de sens, quelque peu absurde cela va de soi, pour qui la pratique de la guitare n’a d’égal que son goût immodéré pour l’évasion vers les contrées étranges des mots et des mondes de l’esprit, de l’âme et surtout du corps. Il est par ailleurs grand, beau, sexy, fort, intelligent et… d’une humilité à toute épreuve. Cette modestie l’empêche de mettre en scène de façon trop ostensible sa virtuosité imparable. Et pourtant, son surnom – le guitariste de l’espace ou le « space guitarist » – lui est attribué par tous les spécialistes de l’instrument : personne ne sait aussi bien que lui astiquer son manche pour donner du plaisir. Les oreilles lui en son infiniment reconnaissantes : il est le chemin, la vérité et la vie.

Franck George, arrivé de la planète Nepturnus pour fonder le Weepers Circus. Il vit dans ses rêves et n’en redescend que pour enfiler son plus beau chapeau noir, ses plus belles lunettes rondes, son violoncelle magique et sa basse beatlesienne. Il est terriblement tête en l’air, mais en est fier (même si parfois ça lui joue des tours).

Denis Leonhardt, spécialiste de l’évasion par le souffle, ses sarbacanes s’appellent saxophones ou clarinettes. Son déhanché légendaire n’est en fait qu’une pâle copie de ce que l’on peut voir tous les soirs sur Saturne (la planète du hula hoop !).

Christian Houllé est un spécialiste des errements comiquo-sentimentaux. Tombé du ciel, il a été recueilli par des musiciens qui lui ont suggéré qu’un subtil mélange de musique électronique et de chansons aux arrangements sophistiqués pouvaient fort bien s’enregistrer sur un disque dur.

Alexandre George chante, on lui a dit de le faire, alors il lie les mots, les interprète, prend du plaisir et essaie d’en donner pour aller plus loin que les moments présents, pour aller ailleurs et dans les émotions, dans et hors ce monde…

Alexandre « Goulec » Bertrand est un batteur mercenaire à la solde des musiques actuelles. Félon capillaire du Weepers Circus, en orbite autour du rythme, il monte en apesanteur derrière ses futs et vous invite au voyage… N’importe où pourvu que ce soit… en rythme !

www.weeperscircus.com

Texte : Mélodie Oxalia

Photo : Roch Armando