Echauffements avant ascension

14 avril 2009 – Trois Baudets, Paris XVIIIème
« Excusez-moi… Pardon… Merci ! » L’entracte va se terminer. Je me fraie un chemin vers ma place, m’assieds et me colle aussi confortablement que possible contre l’une des deux tourelles qui traversent les Trois Baudets. Personne sur scène. Les lampions, plantés comme autant de globes célestes, n’ont pas bougé. Je sors de la poche arrière de mon jean’s, mon feutre et mon calepin. Ça va tout de même mieux… Je repense à la première partie. Et me dis que Coralie Clément, c’est pas si mal, qu’elle mériterait bien un percussionniste. La salle se remplit. Mon regard effleure le rouge des fauteuils et je me rappelle que nous sommes dans un ancien sex-shop. A quoi ça pouvait bien ressembler, l’Erotica ? Et l’escalier au fond de la scène descendait-il à des réserves de jouets insolites ou à des boudoirs secrets ? Le noir se fait et je vois surgir de la cage d’escalier la silhouette nerveuse de Florent Marchet, suivie par celle plus matoise de Bertrand Perrin, son batteur au moins depuis l’équipée « Rio Baril ». Je ne sais pas trop à quoi m’attendre. La dernière fois que j’ai vu Florent sur scène, c’était en janvier, à l’Européen, pour « Frère animal », la tragi-comédie musicale écrite avec le romancier Arnaud Cathrine. Un projet atypique, un succès inattendu avec retirage du livre-album et une tournée qui ne cesse de s’étoffer. Entre-temps, Florent a quitté Barclay, sa maison de disques. Une séparation en « bonne intelligence », selon ses propres mots. Son contrat prévoyait pourtant la sortie de deux autres albums… Depuis, il confectionne le premier EP d’une brillante jeune chanteuse, La Fiancée, et se serait attelé à de nouvelles chansons. Alors voyons…

Petit boléro, rasé de frais, il se cale derrière son piano. Est-ce l’exiguïté du plateau ou le retour à une forme moins collective, quoiqu’il en soit, on sent Florent Marchet moins échevelé, plus aux aguets que lors des dernières prestations avec ses complices de « Frère animal ». Le concert débute, puise joyeusement dans « Gargilesse » et « Rio Baril ». A priori, il se passe sans anicroche. Oui, « a priori »… Car très vite, j’arrête de prendre des notes. Très vite, je suis sonné. Bien sûr, je griffonnerai négligemment le titre d’une nouvelle chanson, « L’Idole », suivi d’un « à voir », plutôt réservé. Je consignerai aussi «Pas de bol, il était ce qu’il fut !», une phrase qui n’a l’air de rien, et qui pourtant, en rendrait plus d’un jaloux. Mais, je n’écrirai rien d’autre sur cette rencontre d’une fan avec son étoile déchue, ni d’ailleurs sur le reste du concert. Ma main reste en fait interdite, suspendue par « Roissy », chanson inédite. Quelques notes presque légères et « J’arrive à l’aéroport » lancent le premier couplet. Je me redresse, mon corps se tend. Tout est là, tout bascule. Les terminaux, les grandes verrières donnant sur les pistes, les passagers affolés, le personnel au sol stupéfait, les images du Concorde embrasé… « L’avion est en feu / Mon Dieu, comme je m’en veux » tourne comme un frelon. Les joues me piquent, mon poing se referme. Je ne vois plus bien la scène.

La foudre ne tombe jamais deux fois au même endroit, parait-il. C’est bien mal connaître Florent Marchet. Il se lève du piano, et prend sa guitare. Les bleus envahissent la scène. Nous ne sommes plus aux Trois Baudets, mais à la belle étoile. Nous sommes en avril. Les journées sont ensoleillées, les nuits encore glacées. « Pas d’adversaire, de concurrent / De plan de carrière, de lien du sang », entonne-t-il. L’émotion change son fusil d’épaule. Ce n’est plus une sourde déflagration, une onde qui se propage du piano aux derniers rangs. Non. C’est un germe, un bruit qui vient de l’intérieur. « Qui je suis ? / Dis moi qui je suis ? / Qui je suis ? / Dis moi qui je suis ? » Nous le connaissons tous, ce SDF sous son réverbère. Nous les voyons, ces cartons, ces épaisseurs crasses, ces sacs de fortune et ces centimes dans l’écuelle. Nous les croisons tous les jours, tous les soirs, en sortant du métro. Je note des lambeaux de paroles : « Pas de bébé, de réussite », « Je cherche dans les poubelles / De l’amour fraternel »… J’inscris aussi dans mon carnet : « Mali ». Les accords de guitare ont quelque chose d’Afrique. C’est sans doute une source où se baignera un jour, Florent Marchet. « Qui je suis ? / Oublie qui je suis…»

Il y aura enfin « La charrette ». Cette chanson n’a jamais été enregistrée, mais elle fait partie depuis bientôt un an du répertoire de « Frère Animal ». Sera-t-elle sur le nouvel album dont on ignore tout, même le nom ? Rien n’est moins sûr. Elle connaîtra peut-être le sort de « Galibier » et « Ground Zero », qui dorment dans les tiroirs de Nodiva, le studio de Florent.

Vous venez de lire un moment de la vie de « Courchevel ».

Episode N°1 sur 10. A suivre…

Sylvain Dépée / Photos Marylène Eytier

Son énergie électro-punk avait brillamment éclaboussé les Découvertes du Printemps de Bourges 2009.Depuis, le quatuor parisien a peaufiné et éprouvé sur scène son vibrionnant premier album, Mother. Il sort le 9 septembre. Attention ! Arme de séduction massive.

Si l’on l’observe de près, disons au microscope ionique, il semble évident que tout vient d’une anomalie originelle : un noyau constitué de deux talentueux neutrons, Antoine et Victor, deux potes qui montent en 2002 leur propre studio de création et de réalisation de BO pour films, et d’un proton à l’incontestable charge positive, la tonitruante Alex : « Quand je suis arrivée à Paris, ils cherchaient une chanteuse. Je n’ai pas fait d’école de musique ; je n’ai été qu’enfant de chœur quand j’étais petite, en Bretagne. Victor et Antoine sont eux, des musiciens. Ils sont tous les deux ingénieurs du son. Ils ont des compétences que je n’ai pas. J’ai une approche beaucoup plus instinctive de la musique et du chant. D’ailleurs, au départ, ils avaient un son plutôt électro. Je suis venue avec mon bagage très rock et j’ai foutu de la dynamite dans leurs compos ! », explique-t-elle avant d’ajouter malicieusement : « Les enfants de Dieu sont aussi des enfants du rock !  »

Les lois de la physique dérogeant rarement aux règles, l’atome fondamental devait attirer dans son sillage, pour trouver un semblant d’équilibre, un électron libre. En 2008, Thomas est ainsi catapulté derrière la batterie du groupe. Ce qui n’est pas le moindre des postes. Car au cœur de la bombe à fragmentation Pilöt, il y a un détonateur : une base rythmique terriblement relevée, assurée par un couple basse-batterie, primitif et déterminé. Mais, cette force de frappe ne serait rien sans un redoutable explosif : la voix d’Alex, surprenante et puissante. Sur scène, cette brindille envoie le bois ! Elle susurre, vocifère, scande, pousse des petits cris, se déchaîne et balance les mots comme on largue des scuds. « En concert, on fonctionne effectivement à l’énergie. Et on a intérêt parce qu’il faut suivre Alex !, confie Antoine d’un sourire. Quand on joue, on vit une expérience parallèle à la vie. On a un rapport très viscéral à la scène. Il ne faut pas oublier qu’un concert, c’est du spectacle vivant ! Ce n’est pas la simple répétition des morceaux d’un disque ! Il doit y avoir des surprises, des accidents, des imprévus… »

En plus de tout l’univers graphique, Pilöt doit son nom à la demoiselle, clin d’œil à la profession de son père, gradé de l’armée de l’air. Il lui doit aussi l’intégralité de ses textes. Tous en anglais : « Je propose aux garçons une chanson et je leur explique les images qui en ont nourri l’écriture. Les choses s’échafaudent ensuite de façon très cinématographique. On parle des ambiances, des lumières, des décors, de scènes de films vers lesquels on voit évoluer le titre. Ce sont autant de références qui nous guident. » Tarantino, Fellini, Nino Rota, « Sa Majesté des Mouches », le film de Peter Brook d’après le roman de William Golding, William Burroughs et les westerns alimentent ainsi l’accélérateur de particules sonores d’où sortiront les boucles entêtantes que Pilöt malaxe, triture et étire jusqu’à épuisement naturel du motif. D’où s’échapperont aussi des claps insolents et des bourdons, une ghaita esseulée, des sifflets de galopin, un orgue anglais et un collier de coquillages. « Alex impulse la façon de travailler et ensemble, on essaie de trouver, pour chaque chanson, la bonne méthode de travail. Celle qui à la fois nous permettra d’aboutir à quelque chose de satisfaisant et de ne pas nous répéter. On a besoin de se déstabiliser, de déconstruire, de créer pour ensuite tout casser ou presque « , assure Antoine. Résultat : « Mother », douze titres païens diablement efficaces. Un premier album animal et sophistiqué.

Sylvain Dépée

« Mother » / Pilöt / Iris Music – Harmonia Mundi

myspace.com/00pilot

TOURNÉE NON-STOP AU PAYS DU MILIEU !

Alors que le groupe Ma Valise est encore en tournée (voir les dates ci-dessous) pour la promo de leur nouvel album « Wege », voici le compte-rendu de leur périple en Chine, du 9 au 25 juin dernier. Reportage du groupe lui-même.

Voyager est une chance à saisir, et nous sommes toujours partants pour le voyage, parce que la musique en est un, parce que cela nous nourrit, humainement et artistiquement, et que voyager pour jouer c’est avoir quelque chose à donner. Disons que nous sommes tournés vers l’étranger. Nous aimons voir d’autres horizons, passer les frontières, décentrer notre regard et prendre conscience du monde. Nous considérons la musique comme un moyen d’engagement vers l’autre, quel qu’il soit, ici ou ailleurs. C’est donc avec enthousiasme que nous avons accueilli la nouvelle, quand ce voyage en Chine s’est confirmé, grâce au soutien du Pôle de la Région Pays de Loire et du réseau des alliances Françaises en Chine.

Nous sommes partis début juin pour donner 9 concerts en 13 jours ; une tournée à grande vitesse dans 9 des grandes mégapoles de l’Est, vitrines de la Chine moderne, où la course au développement se traduit par une poussée vers le haut : partout, les immeubles surgissent, toujours plus haut, dans un chantier permanent où s’activent les ouvriers, 24 h sur 24, comme des fourmis bâtisseuses, à l’aide d’échafaudages en bambous et de grues gigantesques, animaux urbains communs. Malgré cela, chaque ville nous aura laissé une impression différente. Il faut dire que nous avons parcouru d’immenses distances dans ce pays-continent, jusqu’à 2000 kilomètres entre deux dates (Dalian – ChongQing)… environ 8000km en 13 jours.

Nous avons donc passé une bonne partie de notre temps dans les transports, comme téléportés de ville en ville, sans avoir le temps d’en faire le tour, toujours de passage, toujours en mouvement. le rythme avion – taxi – hôtel – concert était une première pour nous qui avons l’habitude des tournées en camion, lors desquelles on a plus le sentiment de maîtriser notre navigation. Nous sommes encore un peu secoués, l’impression d’avoir vu défiler des milliers de visages et de kilomètres en une seconde.

Dans chaque ville, le temps du concert était le réel moment de découverte mutuelle. La musique est toujours un vecteur d’échange, elle véhicule nos émotions et fait vibrer une fibre universelle. Les réactions du public chinois furent diverses, liées souvent à l’événement plus qu’à la musique : yeux grands ouverts, applaudissements intenses mais brefs, sourires toujours, cris de surprise ou d’enthousiasme, pas de rappel, ça danse parfois aussi, avec des mouvements allant du timide balancement à une danse frénétique et désarticulée. Un échange direct, simple et éphémère, comme partout ailleurs : we live in the same world ! Pour un groupe en tournée dans un pays à la culture si différente, compte tenu des déplacements, des multiples temps de transferts, d’attente, et la lourdeur de l’organisation, le concert est le rendez-vous programmé à ne pas rater. On doit en profiter au maximum et faire preuve d’application, car avec les Chinois, le reste du temps, la conversation est difficile, et les occasions de se poser pour échanger sont rares.

Les Chinois francophones utilisent toujours avec nous leur prénom français donné lors des cours, cela nous surprend toujours. Comment peut-on mettre de côté sa personnalité pour communiquer avec des étrangers ? Pour nous qui aimons apprendre quelques mots pour baragouiner sur scène entre les morceaux, l’exercice s’est avéré difficile avec le mandarin, une expression chinoise prononcée par un Français, c’est de prime abord abstrait pour un chinois tant la prononciation est difficile. Ils auront apprécié l’intention.

La cuisine chinoise… On regrettera beaucoup de ne pas avoir vu plus de pays, mais on a eu la chance cependant d’être accueillis généreusement et de passer du bon temps à table. Si la cuisine est le reflet d’une société, d’une culture, une porte d’entrée, il faut savoir que la cuisine chinoise est riche, diverse, complexe et épicée et que le repas est un moment convivial lors duquel chacun pioche directement dans les plats situés sur un plateau tournant au centre de la table. Cette cuisine a aussi pour qualité de savoir nous surprendre et de nous amuser parfois. Quelques souvenirs gustatifs : le fameux « compao tji tji » (plat typique et populaire à base de poulet, ciboule, arachides et piments), salade d’oreilles de cochon, salade bouillie, excellents poissons en sauce, chenilles et larves grillées, cœurs de poulet, cartilage de poulet, têtes et pieds de poulet (mais où finit donc le blanc des poulets chinois ?)…

La tournée, jour par jour, ville par ville.

10 JUIN, NANTES / BEIJING

À peine remis d’une tournée de 12 dates en Allemagne, direction Pékin (Beijing). 12 h d’avion (une escale imprévue à Stockholm nous a retardés de 3 h). Nous arrivons harassés et déphasés. Xin nous accueille et nous parle de sa ville, de son pays, et de la tournée à venir. Nous sommes hébergés à l’hôtel-pension « Zhang Zhong », style traditionnel, chambres autour d’une cour, repas avec l’équipe de l’alliance de Beijing. Nous y faisons la connaissance de Pauline, du réseau des Alliances, avec qui Gwel était en contact pour la préparation du voyage ; elle a coordonné notre venue. Soirée au JiangHu, chouette bar dans une Hutong (les ruelles typiques de Beijing). Concert de Zhang WeiWei et Guo Long (accordéon / guitare / voix) organisé par Yohann, le mari de Xin. Originaire de Poitiers, il a organisé la venue en Chine des Papier Tigre, Gong Gong… Chouette rencontre. Welcome to China !

11 JUIN, BEIJING, PREMIER CONCERT

Le Mako est un club qui a récemment ouvert. Un peu excentré, 600 personnes viennent pour assister aux concerts. L’entrée est gratuite comme sur tous les concerts de la tournée ; le groupe chinois NanWu ouvre bien la soirée avec son folk-rock excentrique mêlant guitares et instruments traditionnels (flûtes, percussions). Nous appréhendons le concert car nous n’avons pas fait de réelle balance. Gweltaz a passé la journée à courir les magasins de musique à la recherche d’une contrebasse jouable et des éléments de batterie manquants, nous n’avons emmené que les guitares, accordéon, caisses claires, cymbales et pédaliers. Show bien accueilli malgré de gros problèmes de son et la sensation de pouvoir donner quelque chose de beaucoup mieux… Nous descendons dans le public pour une session acoustique. La projection du match de foot (coupe du monde oblige !) sur un grand écran en devant de scène mettra fin à ce moment privilégié, et à la soirée.

12  JUIN, DÀLIÁN

Dàlián est une ville du Nord-Est, au sud de la baie de Dàlián. Départ 7 h, le ciel est bouché, ce qui empêche les avions de décoller. 9 h d’attente à l’aéroport de Pékin. Titus, notre sonoriste, se cogne le pied contre un fauteuil, le pied gonfle. Arrivée à Dalian à 19 h (heure prévue pour le concert). Yi An, un jeune assistant du directeur de l’Alliance, nous accueille et nous conduit tout de suite sur le lieu du show. Belle scène posée sur une terrasse du toit d’un immeuble de taille moyenne, entouré de gratte ciel en construction pour certains. Un fond de scène imprimé pour l’occasion présente notre venue comme un événement. Tout cela est beau, mais nous avons un petit moment de panique en découvrant que, sur scène, seule trône la contrebasse louée pour l’occasion… ni batterie, ni ampli, ni câbles ! Heureusement, un groupe franco-polono-allemand pouvait assurer la première partie, et en une heure, Yi An et Xiao nous ont trouvé tout ce qu’il fallait pour que nous puissions jouer. Dernière mauvaise surprise, l’accordéon a pris un choc dans l’avion. Plusieurs notes de la main gauche sont coincées et sonnent continuellement. Concert entier avec bourdon dans l’oreille gauche. Le moment a quelque chose d’irréel, la tête dans ce ciel orangé chargé d’humidité, en fin de soirée.

13 JUIN, SHENYANG

Départ 8 h, nous n’aurons pas vu Dàlián de jour. Il paraît que c’est une agréable ville de bord de mer… 5 h de minibus pour Shenyang, ancienne Mandchourie. Nord Est, tous près de la Corée du Nord et de la Mongolie. Un climat comparable à Montréal et ses six mois d’hiver. Gaël, Xiao et Yi An nous accompagnent. Nous jouons dans un amphithéâtre de l’université. Régie sur le côté. Au bout de trois morceaux, Gwel pose la contrebasse (impossible à faire sonner) et prend la basse électrique prévue en remplacement. Il fait tout nu sans ce meuble à ses côtés, mais il s’en sort bien et cela sauvera le concert. Très bonne ambiance, public majoritairement étudiant ; ils nous tombent littéralement dessus à la fin pour une demi-heure de photos et dédicaces. Peu après, en compagnie de l’équipe de l’université, professeurs de musique, de littérature, excellent repas arrosé de Tsingtao légère (2,5°) mais en quantité. Prises de paroles solennelles et amicale. Journée mémorable. Le sentiment d’être enfin arrivés, de pouvoir souffler un peu. Contrairement aux deux premiers, ce concert a marqué le début de quelque chose. Cette vie nous portera jusque tard dans la nuit.

14 JUIN, SHENYANG / CHONGQING

Départ matinal. Pause touristique à la cité interdite de Shenyang, 5 h de minibus. Dalian. 3 h d’avion, arrivée vers 23 h à ChongQing, au bord du Yangzi. 32 millions de personnes, plus grosse ville du monde en nombre d’habitants ; notre seule étape au centre du pays. Marie-Hélène, directrice de l’alliance locale, et Li Linghong, son homologue chinois, nous accompagnent à l’hôtel puis nous emmènent boire un verre, ce qui permet de mettre le doigt sur quelques problèmes techniques à résoudre pour le lendemain (batterie, basse, amplis, câbles..). Le pied de Titus est violet.

15 JUIN, CHONGQING

La ville se réveille tôt, les rues sont animées et bondées. Il fait gris et chaud. On ne voit pas l’horizon. Les têtes des gratte-ciel se perdent dans un ciel lourd. Titus retrouve Marie-Hélène et Li Linghong, traversant la ville de bon matin sur une vieille moto, empruntant les trottoirs pour éviter les bouchons et arriver assez tôt à la salle pour prendre les choses en main, résoudre les problèmes et pouvoir faire un des meilleurs concerts de la tournée. Techniquement : régie en façade, ouf ! Amphithéâtre dans le campus, 1000 étudiants assistent au concert. Malgré le nombre, ce concert a quelque chose d’intimiste. Les gens sont là, autour de nous, souriants et réagissant au moindre événement, la plupart d’entre eux se lèvent dès le début. On nous offre des fleurs dès le troisième morceau. Touchés. Chouette session acoustique, tous chantent les réponses dans la chanson de Nazaré Pereira !

16 JUIN, CHONGQING / CANTON (GUANZHOU)

C’est le jour de la fête des bateaux dragons, nous la passerons dans l’avion. Lors de cette fête, les Chinois s’offrent des petits présents, riz sucré dans une feuille de bambou, en mémoire d’un poète qui s’est noyé pour prouver sa fidélité à l’Empereur. Les habitants avaient alors nourri les poissons pour qu’ils épargnent le corps du poète. Arrivés à Guanzhou, Mireille (de son nom français) et Jean-François (qui est lui bien français, et directeur de l’Alliance) nous accueillent très aimablement et nous invitent à découvrir la cuisine cantonaise. Saveurs simples et moins relevées que ce que l’on a pu goûter jusqu’alors. Visite nocturne de l’île Shamian, quartier colonial. Jean-François est un guide passionné et enthousiaste, il essaye de nous faire partager son intérêt pour cette ville aux multiples visages.

17 JUIN, CANTON (GUANZHOU)

Premier jour off de la tournée, ni concert, ni déplacement. Tout le monde est bien rincé. Le pied est devenu verdâtre… Il fait une chaleur tropicale, ballade dans la ville de Guanzhou, qui est un gigantesque chantier, les autorités ayant entrepris un grand relooking de la ville en vue des Jeux Asiatiques qui s’y tiendront en novembre. Visite d’un quartier populaire à l’ouest. Ruelles étroites, échoppes et marché, vestiges authentiques à échelle humaine, menacés par les bulldozers. A deux pas de là, les ruelles ont été rasées et laissent peu à peu place aux immeubles impersonnels. En soirée, balade sur la rivière des perles, c’est haut Guanzhou ! Plus tard, fin de soirée tranquille dans un parc où certains s’exercent à la calligraphie à l’eau sur le sol, d’autres chantent autour d’un petit poste, jouent aux cartes, bavardent…

18 JUIN, CANTON (GUANZHOU)

Fête de la musique dans la salle du parc Tutu. Le sound-system est de qualité médiocre. La salle résonne. Technicien son néo-zélandais peu coopérant. Balance difficile et écourtée. Plusieurs jeunes chanteurs se succèdent, puis deux groupes. Le premier reprend, entre autre, « Sympathique » de Pink Martini. Le deuxième : impro rock avec un guitariste, un batteur et une chanteuse tibétaine. L’heure venue de jouer, début très laborieux : les vibrations de la scène font bouger les connectiques, la piste de l’accordéon envoie de gros cracks dans la sono. Le public est, malgré tout, bien dedans, hyper enthousiaste. Ce sera finalement un bon concert.

19 JUIN, MACAO

Départ 7 h. Macao est à 130 km au sud. 2 h de bus. Passage épique de la frontière : nous devons porter nos 250 kilos de matériel à chaque passage de douane. Situé au sud du delta de la Rivière des Perles, Macao, territoire autonome, est marqué par la présence portugaise et par la folie du jeu. Le concert se déroule dans un quartier d’anciennes maisons coloniales au bord d’un étang, ancien marais. De l’autre côté, la mer a été remblayée pour construire de gigantesques temples du jeu. « Le Venitian », que l’on aperçoit derrière la scène, est le plus grand casino du monde. Pas loin de là, à l’ouest, au milieu de l’unique zone un peu sauvage, un immense immeuble en construction surplombe. Concert sous le soleil devant un public constitué principalement de personnes en balade . Plutôt agréable. La fin de journée le sera moins : un saut à l’ambassade de Chine pour obtenir deux visas manquants, nous dormons en Chine, passage de la douane à pied. Plus d’un kilomètre à faire des allers-retours pour faire passer tout notre matos. Une bonne heure et demie de ce sport, avec le voyage du matin et un concert dans les pattes. Et Titus boîte encore. Nous arrivons vers minuit à l’hôtel situé juste après la frontière. Ca fait bizarre de galérer autant pour certains trucs et de se retrouver à dormir dans un 5 étoiles. À Macao, nous sommes restés 9 h !

20 JUIN, SHANGHAI

Avion puis 1 h de minibus pour SongJiang, périphérie de Shanghai. Accompagnés par Nadar, notre référent pour cette date (assistant à l’Alliance) on apprend avec un peu de déception que le concert à lieu à 40 km du centre. La scène est posée au milieu d’un étang artificiel, proche d’une galerie marchande ; le contexte est amusant, une scène sur l’eau. Un calicot en fond de scène reprend une de nos photos et des dessins représentant la tour Eiffel, Montmartre, l’Arc de Triomphe. Heureusement, ils nous ont épargné le bleu-blanc-rouge, le blanc étant la couleur du deuil en Chine. Après un concert réussi, Titus et Raph trouveront l’énergie pour aller à Shangai retrouver les Gong Gong qui jouent près de l’ancienne concession française. Un peu de tourisme nocturne, une petite nuit, on décolle à 6 h 30 pour Tsingtao.

21 JUIN . TSINGTAO (QINGDAO)

Ville moderne, port de commerce majeur, Tsingtao est une ville balnéaire située à l’est de la province du Shandong. La bière locale est connue mondialement. Yang nous attend à l’aéroport. Pleine d’humour, elle nous présente l’équipe de l’alliance comme un grande famille. Mini-conférence, concert à l’Alliance pour présenter le groupe aux élèves, concert au « Paulaner Bar » qui a tout d’une discothèque (forte odeur de tabac froid et d’alcool, système son alambiqué, régie derrière la scène). Nous jouons tard, après le match, chaude ambiance et concert très apprécié. La fatigue tombe sitôt le show terminé. La journée off à venir sera la bienvenue car ces 4 derniers jours ont été intenses.

22 JUIN, TSINGTAO, OFF

Première vraie nuit depuis Guanzhou. Rapide baignade dans la Mer Jaune. Shopping express au marché de Jimolu, grand bazar sur trois étages. Plus tard, nous avons la chance d’être invités par la famille de Aï, une très bonne amie mariée en France à Pitou, pote d’enfance de Ronan, Gwel et Raph. 1 h de voiture, visite des grands parents qui habitent encore la vieille maison où a vécu Aï dans ses premières années. Très rudimentaire : deux pièces sommaires, petite cour et potager. On partage une pastèque, c’est notre première escapade hors de la ville. Le blé sèche au soleil à même la route. Les paysans l’égrènent en le lançant en l’air. Un peu après, repas en compagnie des parents de Aï, tout le monde est ému, remerciements mutuels, chansons. Ce moment sera la seule parenthèse improvisée dans cette tournée où tout était planifié et chronométré.

23 JUIN, JI’NAN

TGV chinois ; le transit du matériel en gare est épique. Heureusement les porteurs à chariots sont hardis. Ils sont également dur en affaires. Ophélie (WoSei Yi ) nous accueille à Ji’Nan, capitale de la province du Shandong. Dernière date, cette ville se révèlera pleine de bonnes surprises. Ballade aux sources pour certains, on passe en quelques minutes des artères bordées de buildings et de centres commerciaux aux quartiers résidentiels populaires et calmes, puis aux canaux bordés de parcs… Concert au « Bandjo Music Bar », café-concert à l’occidentale. Super moment, after au « Box » en compagnie de Laurent, Vincent, Jerry l’Irlandais, un Australien, une Allemande… au bord du canal, un chouette lieu, malheureusement destiné à être détruit dans les prochains jours pour céder la place à des immeubles plus modernes. Encore une fois cette folie constructrice est avant tout destructrice. Nous sortons les instruments et serons sans doute le dernier groupe à y jouer ; demain, concert de bulldozers.

24 JUIN, BACK TO BEIJING

3 h de TGV. Nous retrouvons Beijing, la pension Zhang Xhong. Rapide promenade dans le quartier voisin. Lac Houhai, pêche et jeux de cartes. Resto brochettes en terrasse , poisson grillé recouvert de piments , cartilages de poulets. Nous retrouvons ensuite Yohann au JiangHu, boucle bouclée, échange d’impressions autour d’une dernière Tsingtao. La fatigue coupe les conversations.

25 JUIN . NANTES

Retour, survol de l’immense Russie, le temps est dégagé ; on aperçoit les immenses plaines de Sibérie. Aujourd’hui il fera jour 20 h durant ! 9 h à Beijing,17 h à Paris, minuit à Nantes, pour nous il est 6 h de plus. Il nous faudra bien plus d’une semaine pour nous en remettre, secoués par ce voyage. Heureux de l’aventure, conscients de n’avoir fait que survoler et d’avoir navigué dans une Chine de façade, nous n’aurons vu qu’un des visages du géant, celui qu’il veut afficher aux yeux du monde. Nous avons eu la chance, à l’inverse de certaines minorités, de pouvoir nous exprimer.

TOURNEE MA VALISE :

29 juillet 2010

LAGRASSE (11) – Le Temps des Courges

30 juillet 2010

SAINTE EULALIE D’OLT (12) – Le Puits

31 juillet 2010

MOSTUEJOULS (12) – L’Alternative

07 août 2010

VALE SATURA (IT)

08 août 2010

DEMONTE (IT)

19 août 2010

SAINT PIERRE D’OLERON (17) – Plein air

27 août 2010

OTTERSBERG (DE-28) – Landy + Party Radio El Zapote-Soundsystem

28 août 2010

LUBECK (DE) – Treibsand (Hafenstr. 24)

info : Willy-Brandt-Allee 9

29 août 2010

NEU TRAMM/WENDLAND (DE) – Raum 2

30 août 2010

MARBURG (DE) – Waggonhalle

info : Rudolf-Bultmannstr. 2 A, 35039 Marburg

31 août 2010

KÖLN (DE-50) – Stadtgarten

01 septembre 2010

KONSTANZ (DE) – Kulturladen

info : Joseph-Belli-Weg 5, 78467 Konstanz

contact : http://www.kulturladen.de

02 septembre 2010

REUTLINGEN (DE) – FranzK

info : Unter den Linden 23, 72762 Reutlingen

03 septembre 2010

DUISBURG (DE) – Private congress party

04 septembre 2010

OSNABRUCK (DE) – Lagerhalle

info : Rolandsmauer 26, 49074 Osnabrück

05 septembre 2010

LAATZEN BEI HANNOVER (DE) – Kulturzelt

info : Venue Ahrberg-Gelände in the City

11 septembre 2010

ILE D’OUESSANT (29)

17 septembre 2010

CHOLET (49) – Bar’ouf

19 septembre 2010

REZE (44) – TRENTEMOULT

02 octobre 2010

AIGREFEUILLE SUR MAINE (44)

23 octobre 2010

NANTES (44) – Festival Quai des chaps

info : Concert commun avec les santa macairo orchestar !!!

31 octobre 2010

LA BOISSIERE DE MONTAIGU (85)

18 décembre 2010

CHOLET (49) – Le Jardin de Verre

Un concert qui a du sens !

« LA FONDATION POUR LE LOGEMENT SOCIAL (FLS) » à 20 ans ! 20 ans de lutte contre ces lèpres meurtrières que sont les taudis et la misère. 20 ans de combat pour le logement des plus démunis. Voilà un anniversaire qui se devait d’être fêté. L’idée de marquer l’évènement en musique en organisant un concert, s’est rapidement imposée pour lever des fonds dans le but de créer d’autres logements et pour informer un plus large public sensibilisé à la cause des mal logés. Et comme Do Montebello (entre jazz brésilien et musiques du monde) est une artiste dont la musique se nourrit de l’ouverture aux autres et d’une profonde empathie, c’est tout naturellement vers elle que le choix de la FLS s’est porté. Mixité musicale, linguistique à l’image de la mixité sociale voulue par la Fondation, Do Montebello, accompagnée de ses musiciens et, pour l’occasion d’un quatuor à cordes de l’Opéra de Paris, chantera dans plusieurs langues son profond attachement à l’humain.

Qui est la « FLS » ?La FLS loue des logements (appartements ou petites maisons) situés dans des zones de centre ville, à proximité des écoles et des transports en commun à des personnes dont les revenus sont encore trop faibles pour pouvoir obtenir un logement que ce soit dans le parc privé ou en HLM. Aujourd’hui, bien trop nombreux sont les personnes dans une situation de logement précaire, qui survivent entre la rue, l’hôtel et l’hébergement chez des proches. Et puis, comme la situation d’une famille devient dramatique lorsque la précarité s’accompagne d’un handicap, la FLS est attentive à créer des logements adaptés aux personnes handicapées. La Fondation travaille également en partenariat avec différentes associations qui aident les plus fragiles à se reconstruire : jeunes marginalisés, femmes battues…Lorsque l’on s’adresse à la FLS, c’est que l’on a épuisé toutes les solutions de recherche de logement sans aucun résultat. Quelques exemples : Stéphane et sa femme étaient employés comme gardiens d’immeuble en région parisienne. Quand il a perdu son épouse l’année dernière, leurs contrats de travail étant liés, il a également perdu son emploi et son logement de fonction. A 57 ans, veuf, sans logement ni emploi, Stéphane a du « repartir à zéro » pour reconstruire sa vie… Michaël et Sophie se sont, eux, retrouvés expulsés début janvier du garage où ils étaient hébergés par un « proche ». Leur petit garçon, Raphaël avait alors 15 jours… Mais les locataires de la FLS, ce sont aussi Germain et Suzanne, 82 et 84 ans, dont l’âge et le handicap ne permettaient plus de continuer à vivre dans leur appartement situé au 4ème étage sans ascenseur. Tous le diront : retrouver un toit ne fait sans doute pas tout… mais sans logement, on ne fait plus rien !

Do Montebello
L’arrivée de cette artiste dans le décor de la Fondation n’est pas étonnante quand on connaît un peu le parcours de cette femme étonnante. Il y a dans les chansons de Do un mystère, quelque chose d’impalpable : une présence, une force, « Un voyage de peau entre toi et moi » comme elle le chante. « Je marche vers l’intérieur, aux respirations du cœur. » poursuit-elle. Et côté engagement, elle défend déjà la cause des enfants, participe au « Mécénat Chirurgie cardiaque » et reverse une part de ses cachets à une association qui opère des enfants malades du cœur, venus du monde entier…

Après les Lettres Modernes à Paris, les clubs de jazz, le théâtre, la musique brésilienne, navigation pendant douze ans entre la France, les Etats-Unis, les Caraïbes et le Brésil où elle se produit en tant qu’auteur-interprète. Un nouveau pays lui apparaît alors : celui de la musique de l’âme et des mots du cœur. Sur scène, elle offre sa grâce délicate et nous transmet sa lumière interne. Mais qui donc cette drôle de bonne femme tour à tour jazzy et femme des îles ? « Le chant, c’est l’acoustique de l’âme… » répond-elle, citant Goethe pour se définir. Allons voir de plus prés qui se cache derrière cette chanteuse hors du commun…

Longueur d’Ondes : Comment as-tu mis les doigts dans la musique ?

Do Montebello : « Petite, j’ai d’abord senti que j’étais attirée par le timbre de la voix, des voix… Les différents registres de la voix parlée et chantée… La voix, c’est comme un paysage, une saison. Dans ma famille, du plus loin que je me rappelle, ça chantait beaucoup. Toute petite, je fermais les yeux et ma plus grande joie était de me sentir invitée par la voix d’un chanteur ou d’une chanteuse que je reconnaissais instantanément… C’était une joie convulsive et qui me poussait de l’intérieur à entonner les airs que l’électrophone crachouillait. Quel bonheur au cœur du corps qui se sent tout « chose », un peu comme l’ivresse… Et j’y allais à pleins poumons… Nous avions à la maison une vieille radio désossée et je marchais dans le couloir, la tête à l’intérieur du caisson en chantant… Je devais avoir quatre ou cinq ans quand j’ai éprouvé cela et ça ne m’a pas quitté. Au fond, j’aurais aimé être musicienne et c’est sans doute pour cela que je chante… Chanter, c’est utiliser son corps comme un instrument. »

L.O. : Ton parcours musical ?

D.M. : « A tâtons, je chemine depuis plusieurs années en dépit d’instants plus ou moins sombres qui finalement n’ont pas plus de prise que la roche sur l’eau. Tout au plus une manière de façonner un itinéraire. Dans la pratique de la musique et du chant, ce qui m’intéresse c’est le souffle. Je pense souvent à ces hommes, qui dans les grottes de Lascaux, à la lumière d’un flambeau, dessinaient leur histoire et le faisaient par le souffle. Partout dans le monde, l’homme cherche à laisser une trace. Au fond, dans la musique, c’est ce que je fais (à tâtons) qui m’apprend ce que je cherche. »

L.O. : L’histoire de ton écriture ?

D.M. : « J’ai commencé à écrire très jeune ; dès que je rentrais seule de l’école vers 7 ans. Le silence de la maison a sans doute sa part de responsabilité à cela. Au départ j’avais instauré un journal avec des dessins, des collages en tous genres, de courts récits… Écrire, pour moi, il me semble que ça a toujours été là. Et puis les mots sont comme des notes… J’aime prendre le temps de les choisir pour leur sonorité, au plus juste pour décrire une situation, parler d’une personne, raconter une histoire… Au fond, les mêmes thèmes se racontent depuis la nuit des temps et pourtant c’est dans la façon dont on nous les raconte que tout se joue. Chacun de nous disposons d’outils pour se dire et pour parler de la vie. On m’a donné les mots, alors je les malaxe comme je peux afin qu’ils m’aident à retranscrire des moments clés, à rendre hommage à des personnes qui m’ont touchée… »

L.O. : Et les compos musicales ?

D.M. : « Parfois, au gré d’une rencontre avec un pays dans lequel on se rend pour la première fois on ressent une résonance, une teinte particulière. Rien ne se jette sur vous et pourtant une familière connivence est déjà installée. C’est un peu la même chose pour les compositions musicales. Les textes, confiés à des compositeurs de mon choix, me reviennent habillés d’une étoffe musicale dont me plaisent texture et couleur. Puis le temps sacré fait son office ; lentement s’apprivoisent notes et mots… La chanson interprétée nous invite, alors, à voyager en nous. Certaines compositions m’embarquent bien plus loin qu’aucun voyage ne saurait le faire. »

L.O. : Tes alliers musiciens ?

D.M. : « J’ai la chance de collaborer régulièrement avec des compositeurs qui jouent à mes côtés. C’est le cas de Patrick Favre, pianiste, qui signe deux compositions « Mankind has its way » et « Corretenza ». J’ai adressé les textes à Patrick qui en a fait la musique et les a enregistré en version instrumentale, aux côtés de Gildas Boclé (contrebasse) et Karl Jannuska (batterie) sur son album « Humanidade ». De l’autre côté de l’Atlantique, à Natal au Brésil, réside Sergio Farias, un compositeur guitariste avec lequel je collabore aussi depuis de nombreuses années. Je dois à l’auteur compositeur Ivan Silva le très beau thème dévolu à Minas Gerais, un des états du Brésil auquel j’ai voulu rendre hommage tant j’ai été bouleversé quand je m’y suis rendue. Enfin, certains thèmes sont écrits en collaboration avec Marcio Faraco. Sans doute existe-t-il différentes manières d’appréhender la musique et de la faire. Pour moi la qualité de la relation humaine, la fluidité au cœur d’une équipe sont des enjeux majeurs. Les musiciens qui m’accompagnent sont aussi des amis et on nous fait souvent remarquer que la complicité sur scène se voit autant qu’elle s’entend. Je remercie ceux qui sont là depuis les premiers instants, Patrick Favre, piano, Ricardo Feijão, bassiste, Julio Gonçalves, percussionniste et Mauro Tahin, batteur, qui nous a rejoint ensuite. »

L.O. : Tes voyages ?

D.M. : « Je suis née en France, mais j’ai vécu en Algérie dix-huit ans. L’enfance dans ce pays du Maghreb a été très enrichissante, d’abord parce que mes parents s’y sont installés au moment où l’Algérie, indépendante, sortait d’une période de guerre, et puis, l’enfance, c’est une période où tout est découverte… Alors vivre à Alger dans une ville portuaire de la Méditerranée, m’a donné une certaine vision du monde. J’aime les ports, j’aime regarder la mer qui invite au départ et au voyage. Durant toutes ces années, j’ai fait de nombreux périples dans le sud et surtout à Ghardaïa où je suis allée régulièrement. Il y a une cadence au Maghreb qui me va bien surtout dans les lieux reculés : les Aurès, la Haute Kabylie, le désert. Il y a une musique de la nature et une variété considérable de musiques, selon les régions…. Ont suivi les Caraïbes où j’ai vécu près de dix ans, les Etats-Unis, le Brésil où je séjourne régulièrement depuis 1995. Ce qui m’intéresse dans le voyage ce sont les langues qui sont d’étonnants vecteurs de liberté et d’échange… Par exemple certains mots en langue arabe m’ont soufflé le sens de mots en portugais et dans ces instants on se dit que tout est relié ! »

L.O. : La rencontre avec la FLS ?

D.M. : « Dans le courant de l’année 2008, j’ai chanté à plusieurs occasions dans le cadre de représentations théâtrales au profit de l’association « Mécénat Chirurgie Cardiaque » qui opère des enfants malades du cœur, venus du monde entier et dont les ressources et / ou moyens techniques médicaux ne leur permettent pas d’être opérés dans leur pays d’origine. C’est à cette occasion que j’ai rencontré Daphné Dauvillier, aujourd’hui chargée de la communication auprès de la Fondation du Logement Social. Touchée par la musique et les textes de mes chansons, c’est naturellement qu’elle est revenue vers moi lorsque la Fondation a souhaité organiser un concert au profit de la cause des mal logés. Pour ce concert, je me suis longuement interrogée sur la question des sans abris. Se loger, aujourd’hui, ressemble à un parcours du combattant et la détresse gagne du terrain. Le comportement de survie d’hommes et femmes paupérisés pour d’innombrables raisons, vient très naturellement bannir une appartenance à une communauté affairée. On ne se retrouve jamais à la rue par hasard. Les parcours sont tous très différents, mais témoignent d’une seule brutalité : un être sans toit est privé de lui-même. Viennent alors le temps de l’errance, du désespoir et à fortiori du dégoût. Si la FLS mobilise toute son énergie afin de concourir à redonner espoir, confiance et dignité à ceux qu’elle parvient à reloger, chanter pour ces personnes est pour moi un acte d’engagement. « Ces gens qui souffrent, qui sont-ils ? Je ne sais, mais ce sont les miens » disait Pablo Neruda. C’est une chance pour moi et mes musiciens de chanter pour la cause de ceux qui attendent de nous tous un geste de civisme et de compréhension pour vivre logés et recouvrir leur dignité. »

L.O. : Concrètement, le concert : où, quand et qu’y aura-t-il ?

D.M. : « Il aura lieu à l’Européen, le samedi 4 septembre à 20h30. L’ensemble musical de l’équipe sera constitué en quintette piano, basse, batterie, percussions à mes côtés et, pour l’occasion, j’ai invité d’autres amis artistes guitaristes, chanteurs ainsi qu’un quartet de cordes réunissant des amis solistes de l’Opéra de Paris. »

Donc un excellent moyen de soutenir la Fondation et de se faire plaisir en découvrant une personnalité à fleur de peau, qui saura nous parler d’âme à âme, c’est de réserver dès à présent sa soirée du 4 septembre à l’Européen !

Do Montebello : le myspace

Photos : Yvon Meyer, Catherine Cabrol, Ivan silva

« Quelqu’un qui crierait le vide, sur des marches obsédantes, qui cognent, en prenant toujours plus de vitesse », voici le nouveau Programme selon ses créateurs, avec « Agent réel », héros malgré lui sur flow et tempo musical post un peu tout.

Quel programme a motivé l’Agent réel, le « héros » de votre nouvel album ?

Arnaud Michniak : Le programme du jugement, de l’autosatisfaction, de la désignation pour cacher ses propres failles, pour éviter de se voir. Et comment cela tourne en eau de boudin et jeux de pouvoir. Tous ces gens qui désignent et font passer le besoin d’autre chose pour une maladie pathologique et congénitale, avec une petite tape dans le dos, l’œil rivé sur leurs propres intérêts et la mauvaise foi qui va avec. Et qui demain vont pleurer parce que ça commence à les toucher. Des échanges, des moments, avec la génération de nos grands-parents dans la vie rurale, dans le cœur des villes avec ceux qui les traversent sans savoir où s’arrêter et aussi avec ceux qui ne peuvent plus bouger empêtrés dans leurs crédits. Ceux qui luttent ou deviennent tarés. Des écrits de penseurs actuels. Des écrits sur la physique quantique. Entre les lignes du Journal Officiel. Dans le programme de la bonne conscience satisfaite. Dans le vide entre les mots. Dans l’aspiration entre le Boum et le Tchak.

Comment se passe la vie de l’« Agent réel » ?

A.M. : Beaucoup de transports communs.

J’essaye d’interpréter votre «concept» : le réel présupposé étant fortement subjectif, n’est-ce pas la tentative désespérée de construire une réalité qui en fait construit toute une vie ? (Ouf fallait la placer…)

Damien Bétous : Ce n’est pas un concept et ce n’est pas désespéré. Ce n’est pas une tentative. C’est ça le réel. C’est toi qui te compliques.

A.M. : On essaie d’avancer dans notre taf en fait. La forme du disque comme un tout, comme un livre ou un film, nous a toujours attirés, « Bogue » était déjà à cet endroit.

Depuis les débuts du groupe et particulièrement sur cet album, qu’est-ce qui a évolué ?

D.B. : Pas grand chose. La maturation n’est pas un objectif pour nous. L’approche est toujours la même.

A.M. : J’ai l’impression que nous employons de moins en moins d’artifices, même s’il n’y en avait déjà pas beaucoup. Comme si nous cherchions une force nue, plus vraie, dans le sens « à notre échelle ». Nous n’employons plus de samples par exemple, nous faisons tous les sons nous-mêmes, enfin surtout Damien. Sur le nouvel album, j’ai recherché une nouvelle source entre la voix, la présence et les mots. J’ai arrêté d’écrire à partir de formules. J’ai procédé comme si je parlais à quelqu’un ou à ma conscience. Comme si je vivais un truc, d’un jet. J’ai fait beaucoup d’aller-retour sur le net pour monter tout ça. Je ne pouvais plus faire marche arrière après les premiers titres et revenir sur du texte « normal ». Ainsi j’ai dû chercher ailleurs d’autres pistes, auxquelles je n’aurais pas pensé sans ça. Je devais tenir, comme si chaque nouveau morceau était un nouvel angle de vue sur la même tension. Je ne pouvais pas tourner la tête pour changer de regard.

D.B. : Ce sont des moments différents suivant la progression de l’album. Pour « Agent Réel » il y a eu moins de « mise à la corbeille » que pour les autres albums. Il fallait impérativement taper juste assez vite.
Tu dis avoir travaillé « comme si tu parlais à quelqu’un et non par des formules ». Qui serait ce quelqu’un ? Est-ce que l’improvisation a été plus importante de par ce procédé d’écriture automatique via le langage, du Burroughs (écrivain Américain inventeur du cut-up, découpe hallucinée de bouts de textes pour en produire un nouveau) dans le flow ?

A.M. : Il y a de ça, un truc de mutant, comme si je parlais à une psyché globale. Chaque phrase est un point de départ et annule la précédente ou la précipite. Cela s’apparente à « un déséquilibre qui dure », comme vivre en courant. Je crois que cela vient du constat général et l’envie de le dépasser, par le langage. Plutôt qu’exprimer des tensions, des définitions qui se combattent, j’évoque seulement « l’envie de », puis au bout d’un moment, je pose la question « qui parle ? ». « Agent réel » devient « Chapitre 2 » puis « Ce n’est pas ça qui se passe », puis « Mutant innommable », puis « Nous ». On pourrait définir cela comme un polar politique sur l’identité qui se reconnaît en se redéfinissant. Cela comporte aussi quelque chose de physique aussi, car c’est le beat qui explique, à travers la voix. Le « quelqu’un » sur le titre « Y-a quelqu’un », c’est l’auditeur, mais aussi moi-même, une oreille qui parle. Sans dire vraiment, puisqu’en disant on désamorce, on comprend. Là quelqu’un ou quelque chose s’auto-affirme, c’est une épreuve de force, une poésie abstraite qui agit comme un miroir, sur le langage lui même. Un album essai ? L’idée est née sur le sens et la boucle de bavardage qui n’arrive plus à en créer, quelque chose d’actuel. Il s’agit de digressions sur le vide, quelqu’un qui crierait le vide, sur des marches obsédantes, qui cognent, en prenant toujours plus de vitesse, c’est son ombre qui nous le dit, peut-être ça.

D’une manière générale ou singulière, qu’est-ce qui déclenche chez vous le processus de conception d’un album ?

D.B. : Dès que nous avons la moitié de quelque chose, le processus se déclenche tout seul. Après, il faut finir.

A.M. : Un rire qui devient un cri.

Avec le morceau «Y-a quelqu’un ? », vous passez plus que jamais à la phase active, au réveil de la conscience collective ?

D.B. : C’est ça « Agent Réel ».

A.M. : Nous ne faisons pas de calcul, c’est des périodes longues. Cet album recoupe trois ans de nos vies. Nous ne sommes pas là pour faire passer le temps, c’est clair ; nous faisons des disques pour parler à des gens et sortir des sentiers battus. L’esprit critique est tellement en bon état…

Plus loin « Nous » morceau fleuve de 29 minutes rapporte : « Nous ne produisons pas du contenu, nous sommes le contenu. (…/…) « Nous ne pensons pas en termes de résultat ». Ces paroles manifestent votre refus de remplir du vide, de participer à la grand-messe de la musique de masse ?

A.M. : Ce n’est pas un refus, nous n’en sommes pas capables de toute façon, faut pas se leurrer. Nous n’aimons pas ce spectacle, cette publicité, cette personnification, elle nous paraît d’un autre âge et maintenue en vie sous perfusion. Parce que c’est en place, qu’il ne faut pas bouger, qu’il y a des intérêts. Elle est anachronique à l’époque dans laquelle nous entrons, où les défis sont tout autres que de faire le show de l’année. Je ne sais pas, ça paraît évident non ? En tout cas c’est pas ce que l’on ressent, ni ce que l’on attend. Et puis c’est un peu la mascarade. Ceci dit, c’est pas parce que tu la traverses, que tu as un nez rouge…

D.B. : Tu vois bien que si l’on pensait en termes de résultat, nous foncerions légèrement moins vite dans le mur ! Pour « Nous », il fallait absolument que l’A.M.biance globale force l’écoute au sens plutôt qu’à la forme « extérieure » du morceau. D’ailleurs, la forme courte n’était pas aussi intéressante. En forçant certains traits, l’écoute fini par les oublier et on rentre forcement quelque part, chez nous, chez Programme, dans notre contenu.
La part musicale semble avoir plus été choyée que par le passé, on ne peut pas parler de mélodies pop certes, mais le rythme des mots, du flow est très musical…

A.M. : J’ai commencé par des improvisations pour ce disque, j’avais un micro cravate cloué sur le torse et je faisais les cent pas en essayant de faire sortir des choses autour de ces deux mots : « Agent réel ». Certains titres, comme « Y-a quelqu’un ? », cherchent une nouvelle voie avec les influences rap, rock, punk, spé, mais sans que ça devienne du hip hop de bobos second degré ou de la foire d’empoigne en fusion, le flow part ailleurs aussi.

Entre hip hop syncopé, abstraction électronique, musiques improvisées, rock, no wave, vous ne tranchez pas. Pas envie de se coller dans un style ?

D.B. : Non, non… Nous ne cherchons pas quelque chose. Pour nous, c’est précieux, c’est ce qui nous reste de liberté.

A.M. : Comment on pourrait appeler le bordel que l’on fait ? Nous cherchons plutôt une synthèse personnelle.

Programme est-il votre « bogue »… programmé dans la douce mélodie du bonheur consumériste ?

D.B. : « Bonheur consumériste » est un mensonge. Tant que l’on ne sait pas, on a tendance à contester, parce qu’il nous manque fatalement une composante dans notre vie. Mais dès que l’on s’en aperçoit, on n’a plus besoin de quoi que se soit comme support pour ouvrir sa gueule : on a les boules tout simplement. Programme n’a pas spécialement de vocation dans ce sens-là, mais nous aimons bien s’en imprégner pour teinter nos titres.

A.M. : Un peu oui. Mais, aussi un moyen de rester debout, ou de relever la tête. Même si c’est décidément très suspect. Je ne trouve pas que la mélodie du bonheur consumériste soit douce, psychologiquement elle est malsaine, insidieuse.

La page d’attente du nouveau site montrait une caméra surveillance (la séquence apparaît désormais dans le site), cela participe de quelle envie ?

A.M. : C’est un extrait du clip fait par Florent Tarrieux. Les caméras de surveillance, j’ai pas l’impression qu’elles montrent grand chose en fait, elles cherchent un coupable c’est tout, on voit rien de ce qu’il y a autour.

La crainte de l’ennui, de la répétition , « la douce mélodie du bonheur démocratique dans la consommation » seraient votre moteur ?

A.M. : Décidément tu la trouves douce notre démocratie… Pourvu que ça dure ! C’est pas la crainte qui nous pousse, sinon nous ne ferions pas ça, c’est l’envie. Ce que nous entendons autour de nous c’est pas : tout va bien. Du tout.

D.B. : La parole, tout le monde l’a, mais personne ne s’écoute. C’est pour cela que chacun braille des conneries à longueur de journée : journaux, blogs, télé câblée, radio, magazines spécialisés, chats, le tout inclus dans la téléphonie portable. Pour moi il ne s’agit pas d’un problème de prise de parole. C’est une cacophonie à la foire d’empoigne que l’on ose appeler « liberté de parole démocratique » dans laquelle je ne vois aucune « douce mélodie ». Cela, c’est un de mes moteurs.

Essuies-tu des commentaires ou questions sur votre paranoïa présupposée, sur un pessimisme latent ? D’ailleurs, ne défiez-vous pas d’une certaine jubilation ces arguments tout trouvés ?

A.M. : La paranoïa c’est marrant si on peut dire, parce que cela dépend de ce qui est en face, alors je ne sais pas si c’est très net comme concept… Histoire de l’être carrément ! Pour les arguments tout trouvés, il me suffit de regarder ce que font ceux qui les énoncent.

Cependant impossible de faire abstraction de vos mots tant ils portent et font corps avec votre univers… concevez-vous cela comme une matrice ?

A.M. : Merci. Pour la matrice je ne sais pas.

D.B. : Oui, c’est bien vu. On peut parler de matrice et d’univers, en tout cas musicalement j’aime bien penser en ces termes.

Pensez-vous que votre forme d’humour soit suffisamment comprise, toute modestie assumée ?

D.B. : Je ne pense pas, non.

A.M. : Elle l’est peut-être par l’inventivité ou le culot de certains partis pris. Ou parce qu’il faut être un peu fou pour faire ça.

Programme n’envisage-t-il pas de rejoindre les lieux de l’art contemporain, même pour un épisode ?

A.M. : Ça dépendra des propositions, de notre liberté.

Vincent Michaud
Photo : Denis Degioanni

« Agent réel » (Ici d’Ailleurs)
www.prgrmm.com

Il entame une nouvelle tournée seul au piano. Quelle mouche l’a donc piqué ? Explication du prodige québécois lui-même depuis Tadoussac. Et retour sur dix ans de carrière…

Piano et voix… Comme tu le dis sur scène tu « déshabilles tes chansons ». Comment le vis-tu ?

« Je le vis très bien. J’ai attendu très longtemps, dix ans, avant de décider de faire un spectacle seul. Je suis très très timide, je ne suis pas un grand pianiste, mais je suis un bon orateur. Pour me dire que les gens ne s’endormiraient pas, il a fallu que je prenne assez confiance en moi. Maintenant je me sens bien, seul sur scène au piano, mais le spectacle n’en est qu’au début. Je l’ai donné six ou sept fois ; il en faut vingt, trente pour qu’il arrive à maturité. Disons cet automne ça devrait être bon. Après il va commencer à exceller. (Sourire) Tant que je sens que j’apprends et que je continue à évoluer, je suis heureux. En ce moment je comprends beaucoup de choses sur ma voix, mon écoute du public, l’écoulement du temps dans un tour de chant. Je suis très heureux de vivre ça maintenant. Je suis entre deux albums. J’écris, je pourrais enregistrer, mais je n’en ai aucune envie. Je veux laisser respirer les choses. »

Ta rencontre avec l’Orchestre Métropolitain du Grand Montréal en clôture des Francofolies de Montréal (2007) est un des grands moments de ta courte carrière. Comme l’a été la création de « Mutantes » (2008)…

« Deux moments magiques. J’aime me lancer dans des projets qui vont vivre un soir ou deux et je trouve poétique, romantique de les laisser tomber ensuite. Je me suis lancé la tête la première dans le projet avec l’Orchestre Métropolitain en me demandant s’il y aurait du monde et si je n’allais pas me casser la figure. Nous nous sommes retrouvés devant cent mille personnes et je me suis senti par moments en lévitation, porté par la foule ! « La forêt des Mal Aimés » avec eux a été d’une intensité incroyable… J’ai été chanceux. « Mutantes » a été extraordinaire du point de vue de la création, mais horrible du point de vue médiatique du fait de la pression. Nous avions un gros budget et des gens avaient, avant d’entrer dans la salle, une opinion sur un show mis au point jusqu’aux derniers jours ! Nous ne l’avons pas essayé dans une petite salle, mais j’ai plongé la tête la première alors que je commençais à paniquer depuis une semaine. Jusque là, la préparation avait été très agréable. Je pense avoir atteint mon but du point de vue artistique, compris beaucoup de choses. J’ai adoré la réaction des gens. Du jamais vu, du jamais entendu, génial pour les uns alors que les autres détestaient et trouvaient ça ridicule. Quand j’ai commencé à travailler ce show avec six créateurs et leurs assistants, je leur ai dit que je ne voulais pas d’un objet mièvre. Je voulais créer des réactions et qu’elles restent dans la tête des gens comme un moment dérangeant. Ca l’a été. Le spectacle n’était pas parfait, mais il était très rock et je suis heureux d’avoir mené le projet de cette façon. »

Tu as été au Québec, récompensé par un bon nombre de prix. Es-tu été comblé ?

« J’ai été plus que comblé après quatre ans de carrière. Je ne voulais plus de prix. Ca me mettait trop de pression. Je me disais que je n’avais rien fait pour les mériter, que je n’avais pas d’expérience. Qu’on me les donne après cinq ou six albums, à l’âge de quarante ans, quand j’aurai l’impression d’avoir acquis quelque chose ! Les choses se sont calmées depuis. Ca me permet aujourd’hui de vivre, de jouir d’une aisance et d’un respect dans le milieu qui me rend très fier. Ca me facilite la vie, j’en suis conscient. Ces prix, je ne les avais pas demandés. Ils me tombaient dessus un peu par hasard. Quand j’ai commencé, je n’étais pas certain de vouloir devenir chanteur. Je venais des arts visuels, du théâtre, et pour moi la chanson populaire n’était pas assez expérimentale pour combler mes envies, mes attentes. J’ai maintenant fait de la chanson un médium assez expérimental pour m’y retrouver. »

Ton histoire avec la France commence avec les « Chant’appart », passe par Montauban, puis s’est poursuivie au Printemps de Bourges, au Bataclan, à la Cigale et dans les régions…

« Ca doit être pareil pour les chanteurs français qui viennent au Québec. Mais il y a quelque chose de magique à venir en France. Aller à Paris c’est comme aller à New York ou à Londres, où je n’ai jamais joué, mais que j’imagine magique ! Au Québec nous partons rarement plusieurs jours. Sauf dans la région du Lac St Jean ou sur la Côte-Nord. La plupart du temps nous rentrons à Montréal après le concert. Tourner chez vous nous oblige à nous centrer sur le professionnel. C’est à la fois très exigeant et très lucratif du point de vue de l’expérience. J’en reviens toujours avec une sorte de force intense et d’assurance que je n’aurais pas sans ces tournées. Le Printemps de Bourges (2007) m’a marqué parce que je passais en première partie de Brigitte Fontaine, la personne qui dix ans auparavant a inspiré ma volonté d’écrire des chansons. En quinze jours, j’ai également chanté avec elle pour TV5 et à la Cigale. Trois grands moments pour moi qui rêvais de la rencontrer depuis si longtemps. »

Ta démarche en France paraît très raisonnée. Dans l’idée d’une avancée progressive.

« On a agi de la même manière au Québec où tout a l’air de s’être passé rapidement. J’avais 200 spectacles dans le corps avant d’enregistrer mon premier disque. Quand nous faisions le plein de petits lieux au début, c’était avec vingt-cinq personnes. Puis nous sommes passés à des salles de cent à deux cents places. Nous avons vendu 75 000 albums parce qu’il y avait quelque chose de solide avant. En France nous avons senti que l’on commençait à recueillir les fruits de notre travail lors de la dernière tournée en mars dernier, avec des salles de 500, 600 places. Après cinq ans. Ca n’est pas un succès commercial à tout casser comme Cœur de Pirate. Je ne vends pas beaucoup de CD. Mais nous sentons une amélioration par rapport au spectacle. Une de mes forces à mon avis : je n’ambitionne pas de devenir une méga star. Mon but est de travailler, de faire des choix. Les gens sont au rendez-vous lors des spectacles et ça c’est ma grande fierté. »

Site : http://pierrelapointe.com/

Marc Legras

Photo : Michel Pinault

« Huis-clos » pièce sonore post-Psykick Lyrikah de mr.teddybear asticote la conscience entre rêve et éveil, sans cauchemars. Sur quel pied y danser ? Aucun car les rythmes multiples restent langoureux, à part le dubby « L’œil du cyclone ». Les Américains de Swans, Cocteau Twins, This Mortal coil, toute l’écurie du label anglais spécialiste de la cold wave 4AD trouveraient des accointances avec ces notes-là, débarrassées néanmoins des oripeaux gothiques. Plus loin « Pour l’instant » flirte avec le spleen de Mark Hollis (ex-Talk Talk). De vrais instruments achalandés avec précision rendent délicat mais prégnant le propos musical. « L’Enfer, c’est les autres » entendait-on chez Sartre, la version homonyme de mr.teddybear dialogue plutôt avec humanité et nous réconcilie avec elle. La jaquette au tissu orné de dorures contrastant avec le personnage au masque à gaz à l’intérieur, en constitue l’écrin idéal. Pourvu que ce huis-clos s’ouvre à une vaste audience !

La voie instrumentale est pour toi royale ou par défaut, car tu n’es pas satisfait de ton chant par exemple ?

Honnêtement, je ne sais pas trop. Disons que ce n’est pas mon mode d’expression. La micro-expérience que j’ai eue en chant m’a amplement suffi. C’était il y a longtemps et ce n’était pas très brillant. Je ne sais pas si ça m’intéresse de chanter finalement. Je me sens plus à l’aise à illustrer des trucs, qu’à les exprimer aussi directement que dans le chant. La musique est pour moi plus riche, plus nuancée. J’ai même eu longtemps beaucoup de problèmes à écouter des morceaux chantés. Dans les rares que j’écoutais, l’ambiance ou bien la force émotionnelle du chant comme instrument, m’intéressaient plus que ce qui se racontait. Les mots me dérangent un peu. Je préfère laisser la musique montrer, guider et évoquer.

« Huis-clos » serait donc un dialogue uniquement entre musiciens  ?

Je ne sais pas si l’on peut vraiment parler de dialogue. Je l’ai fait un peu comme un album d’errance, avec un point de départ, et pas forcément d’arrivée d’ailleurs. Il y avait déjà un fil rouge quand j’ai convié les musiciens de l’album à y participer et je n’ai fait que leur proposer d’y ajouter leur touche. Cela dit, leur contribution est d’une richesse que je n’aurais jamais imaginée. Ils sont de vrais musiciens, avec un jeu, une culture, une méthode que je n’ai pas à l’origine et que je commence à peine à comprendre. Je dois donc les remercier pour ça. De mon côté, je fonctionne plus à la citation. J’emprunte, j’assemble et je donne un nouveau sens à des éléments existants. Même s’il y a forcément des codes dans ma pratique, je n’y fais que peu attention,et garde toujours un œil sur la finalité, sur l’idée. Chez eux, c’est du moins mon impression, le jeu, l’expression fait corps avec la méthode. Maintenant que j’y réfléchis, il y a sûrement eu dialogue en fait, mais pas nécessairement sur le fond de l’album, qui était trop avancé à leur arrivée pour être remis en cause, même si on l’avait voulu. Mais leur apport est énorme, c’est sûr.

Comment l’as-tu construit ? Quelle matière le constitue et le cimente ?

C’est un album qui s’est construit sur plusieurs années, mais dont le point commun de tous les morceaux est qu’ils ne se sont jamais faits dans l’urgence, dans le besoin de faire, contrairement à ce qui animait ma participation à Psykick, qu’après coup, je juge un peu « panique ». Mais c’était comme ça sur le moment. « Huis-clos » n’est pas fait comme ça, ce n’est pas une réaction épidermique à quelque chose. Au contraire, c’est plus un travail de notes, de dessins en marge de pages, de réflexion. Une sorte de mise à plat, de création par le vide. On m’a conseillé une fois, en parlant de son, d’aller m’asseoir dans un parc, de fermer les yeux, et d’essayer de détecter à l’oreille d’où viennent les sources sonores qui m’entourent. C’est un peu mon idée pour Huis-clos. Je connaissais depuis longtemps Alexandre (basse), et Mathieu (guitare acoustique), mais nous n’avions pas pas de projets réels jusque-là. J’ai rencontré Benjamin (guitare électrique) sur un projet où nous étions conviés tous les deux, et on a bossé à trois avec Alex. Le courant est passé assez vite et assez facilement . J’ai essayé de toujours leur apporter une matière à la fois solide et à la fois suffisamment large pour qu’ils puissent s’exprimer librement. C’est pour ça que j’ai du mal à parler de dialogue sur Huis-clos, car j’ai quand même l’impression de leur avoir proposé quelques espaces libres, dans un sentier très balisé. Pour ce qui est de ma partie, il y a vraiment de toutes les époques : pendant, après et bien après Psykick, et parfois bien avant. Il y en a même des très vieux morceaux que je suis très surpris d’avoir retrouvé en bon état. Cela dit, j’ai très peu touché la structure et le sens des morceaux, qui, eux sont intacts. Il y a juste eu quelques mois de remise à niveau en termes de son, de liant entre les pistes, des histoires de cohérence en somme. Mais globalement, j’ai peut-être fait moins dans le charcutage de samples. J’ai l’impression que ça sonne plus fluide, moins industriel. Il y a même des parties au clavier. Par contre, j’aurais tout le mal du monde à théoriser sur la manière dont s’enchaine les morceaux, puisque je les enchainés les uns après les autres dans une playlist et c’était réglé en 5 min. Je ne sais même pas s’il y a lieu, en fait. Moi j’y vois quelque chose, mais ça me regarde et c’est un sujet que je laisse à chacun.

La production est très fine, aucun instrument ne s’impose en « ténor ». Une volonté ?

Une volonté, je n’irais pas jusque là. J’aime juste que les éléments s’imbriquent bien les uns dans les autres, le juste équilibre, le respect de l’idée. Tant que je n’ai pas réussi à l’illustrer correctement, ça me dérange, et j’ai tendance à rajouter des éléments plutôt que d’en enlever. En plus, n’ayant pas réellement de culture musicale ancrée dans un seul domaine, du coup, je n’ai pas vraiment d’instrument de prédilection. La musique pour moi est un peu comme un diaporama, qu’on pourrait mettre constamment dans le désordre, ça voudrait toujours dire un truc. Ça m’incite plus à chercher une idée et la suivre qu’à autre chose. Si quelque chose s’impose, ce serait éventuellement une direction, une couleur d’ensemble qui me ferait utiliser tel son plutôt que tel autre, mais je ne réfléchis pas jusque là quand je me mets à bosser.

Le titre « Huis clos » est-il en lien avec la pièce de Sartre ?

Non. il n’y a pas de réelle volonté de citer quelque chose. Je me garde bien de jouer au littéraire érudit. En plus, je n’ai jamais lu Sartre. C’est plus l’idée de lieu fermé qui m’a attiré. Va savoir pourquoi… Je trouvais ça pertinent au vu de ma condition sur le moment, en tant que musicien et en tant que français. Je n’y ai pas vraiment pensé, c’était le bon titre.

« L’enfer c’est les autres » dit Sartre, mais justement ton album n’est pas lugubre. Il oscille entre Enfer et Paradis, ombre et lumière, soit la vie en général ?

Je n’ai pas très envie de séparer la chose en deux pôles de cette manière. J’ai l’impression que Huis-clos est un album secoué par des énergies contraires, mais qui finissent par cohabiter pacifiquement, non sans négociation. Je n’assume pas des masses la référence biblique que tu évoques dans ta question, mais par contre « entre ombre et lumière », ça me parle assez. J’aimerais te répondre par une autre phrase de Sartre, qui m’a frappé, sur laquelle je suis tombé par hasard : « [...] il est impossible d’apprécier correctement la lumière sans connaître les ténèbres ». Je ne sais pas si c’est ce qu’il voulait dire, mais je ne conçois pas la vie sans noirceur, sans ombre. Du moins, ne pas voir cette part, reviendrait pour moi à se mentir à soi-même. Avoir les pieds sur terre me permet d’apprécier d’autant plus la grâce et la mystique de certaines choses. C’est peut-être la conséquence de trop d’information. Plus on a l’impression d’en savoir, plus on a de mal à se faire sa vision du monde. La communication est une notion omniprésente aujourd’hui, et peut parfois se révéler anti-démocratique. Il devient d’autant plus difficile de se poser en tant que personne à part entière. Huis-clos s’est fait un maximum dans la non-communication, est issu d’envies de paix, de rien et de personne.

Le rêve éveillé ou la conscience endormie, les états latents me sont aussi évoqués ? Un objectif pour toi d’endolorir et de faire perdre ses repères à l’auditeur, en le plongeant dans un état second ?

Je ne pense pas avoir eu d’objectifs particuliers concernant l’auditeur. J’ai fait cet album assez égoïstement pour moi et parce que je voulais faire un truc beau et pas trop con. En plus, j’ai un rapport bizarre avec l’idée de lâcher prise. Je bosse sobre et en pleine conscience justement. Peut-être que je comprends mal ta question, mais tu sembles dire que passer de la conscience au rêve est quelque chose de douloureux. Au contraire, j’ai voulu ce disque comme quelque chose d’assez pacifique, qui puisse faire voyager assis les yeux fermés. Ce n’est que de la musique, je n’aurais jamais la prétention de violenter les gens rien qu’en leur faisant écouter ce que je fais. Après si l’auditeur ressent une violence, la question peut devenir intéressante à discuter, parce que de mon côté, j’ai juste voulu bien faire, et j’ai plus ressenti de plaisir à l’ouvrage que de douleur. Cela dit, pour revenir sur le rêve, c’est un domaine qui me fascine, que j’explore à loisir. Je lit des bouquins dessus mais je me sens absolument incapable de t’en parler. Ce que je peux te dire, c’est qu’effectivement, les morceaux de Huis-clos évoquent des trucs pour moi, mais je ne veux pas imposer ma vision à quelqu’un qui va écouter avec son propre vécu, sa propre histoire personnelle. Ce je pourrais avouer éventuellement, c’est d’aimer faire résonner des choses autant chez moi que chez les autres, sentir qu’il se passe un truc à l’intérieur, mais ce n’est pas une information très originale. Désolé, c’était une question passionnante, mais je ne peux pas vraiment y répondre.

Apprécies-tu un des labels britannique phare des 80-90’s 4AD, This Mortal Coil, Cocteau Twins, etc. ?

Je n’ai jamais jamais écouté Cocteau Twins, un peu This Mortal Coil, mais il y a trop de choses que je trouve moches dans leurs albums. Je serais beaucoup plus Dead Can Dance, Bauhaus, The Cure, parce que j’ai un peu grandi dans ses sons là, mais pas uniquement. Quelques trucs assez extrêmes aussi, genre Diamanda Galas ou Einstürzende Neubauten. J’assume complètement les influences un peu dark wave, mais ce serait réducteur de ne parler que de ça.

De même pour Mark Hollis post Talk Talk ou encore les Swans ? As-tu des modèles en matière de musique instrumentale ?

Aïe. On m’a conseillé d’écouter Mark Hollis mais je l’ai jamais fait. Des modèles vraiment ? Je pense plutôt piocher des trucs à droite à gauche dans ce que j’aime. J’adore la science de Dj Shadow à fouiller en permanence, et le respect énorme qu’il a pour les artistes qu’il sample, et bien sur la musique qu’il fait, plus sur « Endtroducing » et deux ou trois trucs sur « Private Press ». On m’a beaucoup gavé avec le classique, que j’ai du coup mis beaucoup de temps à apprécier correctement. De tête comme ça, je te citerais « Casse-Noisette », Moussorgski et des trucs plus contemporains style Arvo Pärt, Górecki, Philippe Glass, surtout sa BO du film « Koyaanisqatsi », un grand moment. Je suis un grand profane en classique, mais j’ai conscience de la puissance du truc quand je vois les vrais érudits en la matière en parler. Certains sont vraiment habités, c’est passionnant à regarder. Je ne me lance pas dans les musiques de films ou les bandes originales parce qu’il y en trop, juste au pif : « Taxi Driver » par Bernard Hermann, « Candyman » par Philippe Glass, « Donnie Darko » par Michael Andrews, le jeu Myst par Robin Miller, la musique de « Suspiria » par Goblin, « The Thing » par Ennio Morricone… La musique de Zodiac, le film de Fincher, est très chouette aussi, celle de Bruno Coulais pour le film Coraline est vraiment bien aussi. J’aime beaucoup l’ambient, qui est assez souvent et malheureusement réduite dans la tête de certains à quatre pistes au synthé, alors que ce n’est pas du tout ça. Biosphere, notamment retient beaucoup mon attention avec Substrata et Polar Sequence. Ce n’est pas une musique uniquement fonctionnelle. J’aime bien l’idée de musique qui s’intègre à l’environnement sonore de l’auditeur, l’enveloppe. Il y a ça dans « Substrata » de Biosphere et les deux albums de Set Fire to Flames chez Constellation, qui eux ne font pourtant pas d’ambient. Parfois on ne sait plus trop ce qui se passe, il n’y a plus de musique mais on est encore dans le disque. Mais là où Biosphere fait décoller, les albums de Set Fire to Flames malmènent et perdent, eux, je trouve. Il y a le post-rock aussi, avec Godspeed You Black Emperor! Un peu de rap, Mobb Deep, le premier Nas, des vieux trucs à droite à gauche, mais avec le rap, j’ai parfois l’impression que c’est un mec qui te prend la tête entre les mains et qui te force à l’écouter. J’ai un peu de mal avec ça, mais j’aime tellement la force du truc que j’y reviens souvent. Je n’ai pas vraiment de musique de prédilection, mais il y a un fil rouge, comme chez tout le monde j’imagine. Chacun écoute ce qui sonne a ses oreilles, moi j’aime bien les albums ambitieux, les fines mécaniques, le mystère, l’émotion forte, la brutalité parfois, entre autres.

Comment interviens-tu dans le label Dezordr Records et quelle est est la philosophie ? La culture libre est un des moteurs ?

Ce qu’il faut savoir c’est que Dezordr Records, c’est six personnes (Dtracks, Weedafresh, Shiyugosha, Stekri, La Main Gauche, du groupe K2C et moi-même), et de surcroit six artistes tous en activité chacun à leur rythme. Nous avons donc plus un fonctionnement en tant que collectif que de label à proprement parler. L’idéal pour approfondir, ce serait de nous avoir tous les six, car nous avons tous un style qui nous est propre, mais on se rejoint je pense sur une idée de simplicité dans la démarche, sur une manière de faire les choses artisanalement. Nous aimons bien les beaux objets et je pense qu’aucun de nous n’est prêt à adapter sa musique à quoi que que ce soit d’autre que ses propre envies et visions. Dans Dezordr, il n’y a pas vraiment de chef. Je ne suis qu’un maillon dans une dynamique de groupe. Chacun apporte quelque chose de bien particulier et tout ça se conjugue pas mal. J’essaie de mon côté de partager avec eux les choses que je sais, comme ils le font avec moi. Du coup, effectivement la culture libre est importante dans le sens où nous sommes beaucoup dans le plaisir et qu’Internet est une caverne d’Ali Baba. Si nous faisons nos sessions gratuites, ce n’est pas pour revendiquer quoi que que ce soit ou pour nous positionner en découvreurs. C’est pour le bonheur de découvrir, d’assembler des morceaux que nous aimons et de donner du sens à l’ensemble. Plaisir d’offrir, joie de recevoir. C’est un peu tôt encore pour parler de politique de label, mais ce que je sais, c’est qu’aucun de nous n’a envie de se faire avoir en passant par un schéma de distribution classique, où non seulement nous perdrons de l’argent, mais où nous nous retrouverons avec toutes les scories invendues des majors du disque. C’est très inadapté à nos activités, à mon avis. Mais qui sait ce qui se passera, ce que j’espère, c’est que tous autant que nous sommes, nous serons fidèles à nos envies. Accessoirement, maintenant que je suis libre de mes « obligations » ainsi que le label, nous allons bosser le live. C’est du moins notre prochain objectif. Ce sera peut-être plus simple et plus parlant pour faire parler de nous.

Propos recueillis par Vincent Michaud

« Huis-clos » (Dezordr Records)

www.myspace.com/mr.teddybear

Changement de label, amours défuntes, disparition de son père… ces dernières années n’ont pas épargné Jeanne Cherhal. « Charade », son quatrième album, a des airs de journal intime. Mordant, libéré et lumineux. Que vos oreilles le caressent avec attention. Elles en sentiront les cicatrices (quasi) refermées, la peau lisse parfumée et la constellation de grains de beauté.

Mon premier est une période d’amours animales. Mon second est une tête de sanglier empaillée. Mon tout était le grand mot du candidat Sarkozy, une promesse dont il a été victime.
RUT – HURE (RUPTURE)

Quand je suis partie, je devais encore un disque à mon ex-label. Mais, l’envie n’y était pas. Je ne suis pas du genre à me projeter dans l’avenir et à mettre des chansons de côté pour la prochaine décennie. J’ai besoin d’être dans un état d’excitation pour créer, et là, j’avais l’impression de plafonner. J’ai signé avec eux en 2001 ; je devais m’en émanciper. Ils me voyaient encore comme une enfant, ça m’étouffait. Une fois le changement de maison de disques fait, je ne me voyais pas revenir en studio avec les musiciens qui m’avaient accompagnée sur scène. Ca s’était très bien passé, mais il y avait là une incohérence. Il me fallait là aussi du changement.

Mon premier est un soleil qui s’éclipse sur la fin. Mon second est un suffixe qu’adore Ségolène Royal. Mon tout est votre seule compagne quand tout est désert.
SOL… – ITUDE (SOLITUDE)

Au départ, nous sommes partis avec Yann Arnaud, l’ingénieur du son de Syd Matters, pour bosser une semaine en studio à Madrid. Pour se tester, sans obligation de résultat, en toute liberté. On a commencé par quelques piano-voix, puis je me suis mise spontanément à la batterie. Pour rigoler, pour voir. J’étais comme une gamine devant de nouveaux jouets. L’expérience a été concluante ; nous sommes revenus avec les maquettes de cinq chansons. On a donc décidé de systématiser le procédé ; il faut bien prendre des risques pour avancer ! Pendant un an, j’ai donc enregistré toute seule chaque piste de chaque instrument, tous les chœurs… C’était à la fois hyper enthousiasmant, mais aussi très laborieux. Au bout d’une semaine de travail, je saturais et prenais la poudre d’escampette. Je me réfugiais à Nantes, dans un grenier en Auvergne ou à La Réunion pour prendre du recul et trouver des solutions. Avec le temps, j’avais sans doute besoin de cette grande solitude pour me confronter à moi-même et me délester de certaines choses. Je ne remercierai jamais assez Yann Arnaud qui m’a accompagnée dans cette aventure. Sans lui, il n’y aurait pas eu « Reviens-moi », par exemple. Il m’a enregistrée à mon insu alors que j’improvisais au piano. Il a eu raison ; l’ossature du morceau était là. J’aurais pu passer à côté. Pareil pour « Plus rien ne me fera mal » : j’avais douze titres prêts et il m’a demandé une chanson avec le vent dans le dos et plein d’accords. Le défi m’a plu ; la contrainte, c’est toujours très galvanisant.

Mon premier est le premier jeu de hasard en France. Mon second est un frottement qui fait du bien en plein hiver. Mon tout est le genre où excelle Christine Angot.
LOTO – FRICTION (L’AUTOFICTION)

Je me suis toujours confrontée à mon petit égo pour écrire. Mais je n’ai par ailleurs pas envie d’étaler l’intégralité de ma vie privée. Alors je transpose. On ne m’a jamais demandée en mariage, par exemple… Dans « Hommes perdus », je parle effectivement de trois hommes importants dans ma vie, notamment mon père. Mais ce n’est pas pour hurler sur scène : « Papa, tu me manques ! ». Là serait l’impudeur. Je suis donc partie sur des non-dits, des ellipses. J’adore l’idée que tout ne soit pas dit, que l’auditeur, son imagination et ses émotions, puissent s’immiscer dans le texte. Je ne veux pas prendre trop de place.

Mon premier qualifie les moments qui durent selon Bashung. Mon second est, d’après Higelin, tout bonheur que la main n’atteint pas. Mon tout est, peut-être, l’un des carburants de « Charade ».
DOUX – LEURRE (DOULEUR)

Cela a été plus éprouvant que douloureux. L’enregistrement en solitaire a parfois été pesant. Quand on t’annonce que la sortie de ton album, fini depuis huit mois, est reportée, c’est aussi pénible. Tu as cette envie étrange de t’en débarrasser, de le voir vivre… Cet album m’a demandé beaucoup. J’ai pleuré plusieurs fois parce que je n’arrivais pas obtenir de moi, ce que je voulais. Je me suis même endormie une fois, à 2h du matin, sur ma guitare alors qu’on était en train d’enregistrer une prise.

Ma première est la lettre taboue de l’alphabet. Mon second est le nom de l’auteur de « Pêcheurs d’Islande ». Mon tout est un adjectif qui sied à « Charade ».
Q-LOTI (CULOTTÉ)

Je ne sais pas si je suis culottée, mais j’ai de la personnalité. C’est d’ailleurs ce que j’aime chez Camille ou Higelin. Leur personnalité façonne leur œuvre. Elle en est indissociable, et son expression ne se borne pas aux sujets abordés ou à la musique. Peut-être que ma personnalité est moins fardée, moins cachée. Depuis « L’eau », je m’autorise plus à utiliser le « je ». Et les colères qui sont à l’origine des chansons sont peut-être plus visibles maintenant. J’ai besoin de cette dynamique. La colère, c’est une énergie très particulière : physique et intellectuelle, instinctive et réfléchie, elle est à la fois positive et destructrice puisqu’elle veut changer la situation. « Pays d’amour » a été écrit après une émission que Daniel Mermet avait consacrée sur France Inter à la garde à vue. Elle m’a mise en colère ; je ne pouvais pas faire autrement que de l’écrire. Mais ces colères ne portent pas que sur des phénomènes de société. Elles portent peut-être de moins en moins dessus. Je pense que c’est un effet de l’âge. Les relations hommes-femmes, les relations amoureuses dans toutes leurs dimensions, y compris sexuelles, me préoccupent plus qu’auparavant. A 25 ans, je n’avais pas envie d’en parler. Maintenant, ma pudeur est ailleurs.

Texte Sylvain Dépée / Photo Raphaël Lugassy

« Charade » – Barclay

www.jeannecherhal.net