L’exercice blues antique est-il soluble dans la cuisine sonore française ? Réponse oui, car tout de même cette musique appartient depuis belle lurette au commun des mortels, surtout à ceux qui ont vendu leur âme au diable. Alors quand en plus s’ajoute une interprétation fine d’un one man band sachant se faire entendre, déguster. Cette mixture entre Robert Johnson et le Jon Spencer solo ravit bien des conduits auditifs.

Ta musique baigne dans un univers très singulier. Quelles images ou histoires y projettes-tu ?

L’image de la mort, de la solitude, de la peur de voir se terminer nos petites vies absurdes et pathétiques, incompris de tous ; mais également de la force que peut représenter le fait d’être vivant ou de se maintenir en vie, d’être une machine sensible, de résister, de comprendre, de s’adapter, de s’entourer; en fait je n’y projette rien de très original, c’est plutôt dans la façon de faire.

Qu’est-ce qui a le plus construit cette identité : le fait d’œuvrer en solo et donc de pouvoir s’y consacrer en permanence sans contradicteurs peut-être ET / OU des années d’ingestion de disque blues ou rock ?

C’est vrai que je fais ça tout seul dans mon coin et que j’aime ce rapport-là, après je ne suis pas un geek non plus, je ne suis pas du genre à passer mon temps à écouter des disques et des disques en essayant de percer les mystères de tout ce que j’entends. Mais l’identité musicale dont tu parles se développe aussi beaucoup en dehors de la musique, c’est ce pouvoir qui est intéressant, la manière dont la musique peut porter la personnalité de celui qui la crée, qui la joue, la manière dont la musique que l’on joue témoigne de la vie que l’on mène, des gens que l’on rencontre, des sons que l’on a déjà entendu et auxquels on est sensible.

Comment évites-tu le cliché, la redite malgré tes emprunts au blues et autres musiques du siècle dernier ?

Je ne pense pas que c’est en empruntant à un genre qu’on évite des clichés, mais plutôt en essayant de baigner dans ce genre, de le comprendre, de le vivre à sa manière. Le blues du delta est à l’origine une réponse à l’oppression, à la pauvreté, à l’exclusion, et ça commence il y a près d’un siècle comme tu le soulignes ; le cliché je l’évite en partie parce que je suis né en 1984, blanc, dans une famille de classe moyenne en France et que j’ai l’impression d’avoir été protégé, j’ai à priori rien à voir avec le blues, cependant j’ai toujours ce sentiment très clair de vivre dans un environnement d’oppression, d’exclusion et de pauvreté, même si c’est à une échelle différente. Ce qui me parle, et ce avec quoi je fais ma tambouille, hormis les caractéristiques techniques et musicales du genre, c’est la sagesse et la classe avec lesquelles le blues peut témoigner de la souffrance des hommes, ce besoin précieux et inaltérable de transformer sa peine en éternelle lumière, ce qui fait de la souffrance quelque chose de constitutif à notre espèce, un rythme incessant qui nous porte et nous emporte, mais en parler plus finirait par relever de la théologie, de la philosophie et moi je suis musicien.

N’est-il pas injuste de cataloguer le blues comme une musique ancestrale, qui ne pourrait se renouveler ? (Ta musique comme d’autres prouve le contraire)

Le blues n’est pas ancestral, mais c’est plus tout jeune, inutile de le nier. C’est un truc de vieux, ça fait déjà 60 ans qu’il a subi sa mutation diabolique en rock’n roll et que depuis, sur cette base, les renouvellements ont été nombreux, donc c’est pas une injustice de dire qu’il ne peut pas se renouveler c’est juste une connerie, mais en même temps c’est toujours la même histoire, une histoire de guitare.

Tes gourous : John Spencer, Hasil hadkins, Doo Rag, Robert Johnson ? Évidement je te demanderai de causer de chacun de ceux qui t’ont le plus marqué ?

Sans parler de gourou, j’aime beaucoup la musique des gens que tu viens de citer, les albums de RL Burnside également, la musique de Fred Mc Dowell, Son House, plus récemment des labels comme Alive Naturalsound et Fat Possum qui ont sorti les premiers albums des Black Keys entre autre mais tout ça est loin de me combler, j’écoute plein d’autres artistes relatifs à d’autres scènes et pas nécessairement américains. Faire la musique que je fais en ce moment n’est pas pour moi une histoire de tradition comme elle peut l’être, j’imagine, aux Etats-Unis, c’est une approche que j’ai depuis 3, 4 ans mais tout ça évolue heureusement. Ce qui est traditionnel chez moi, c’est de jouer de la guitare, d’écrire et de chanter, ça laisse pas mal de libertés à pas mal de niveaux.

Le one man band semble être une tradition française, pas que made in USA, eux commençons par… Remi Bricka, Petit Vodo, Decheman, toi… Bosses-tu entièrement tout seul ou fais-tu des set… en groupe ?

Ce projet est celui d’un homme-orchestre donc forcément je suis seul à la base, je fais ça dans mon coin comme je te disais, j’ai toujours fait de la musique dans mon coin, et je suis seul sur scène, mais sur le nouveau disque j’ai invité des potes à faire des saxophones par exemple et j’espère jouer avec d’autres musiciens par la suite, faire des choses en groupe ; j’ai déjà joué avec decheman d’ailleurs, un après-midi, on a enregistré à l’arrache un instrumental pour une compilation. Je ne suis pas dans la négation du groupe, mais pas non plus du genre à passer une annonce « Cherche batteur dans style bidule pour occuper mes samedis après-midi », il faut trouver les bonnes personnes, faire les bonnes rencontres, et puis je ne vais pas t’apprendre qu’on peut prendre du plaisir tout seul.

Enregistres-tu dans des conditions live, cumulant les prises pour cueillir la sève du morceau ?

Globalement c’est enregistré en live, ça n’aurait aucun sens de faire la grosse caisse et le tambourin séparément, ni même de rajouter la guitare ensuite, c’est pas du tout le propos, c’est un tout qui fait boom, tchick, kling klang et lalala. Le rapport physique avec les instruments joués tous en même temps fait partie de cette musique, le tempo parfois irrégulier et imparfait n’est pas un problème, au contraire, je trouve ça plus vivant qu’une boucle qui se répète pendant 5 minutes par exemple. Après pour des questions de son, il m’arrive de refaire les prises de voix séparément, j’ai rajouté quelques harmonica pour habiller certains morceaux, c’est quand même assez simple et direct, l’intérêt est de saisir quelque chose de brut.

Ton pseudo se réfère au Bird / Charlie Parker ?

Absolument pas, à vrai dire je n’ai pas d’explication concrète et acceptable à ce sujet.

Quels labels as-tu démarchés et vois-tu une vie pour ton disque à l’étranger ? (Un envoi à Jon Spencer prévu ?)

Je n’ai jamais vraiment démarché de label, j’ai sorti le premier album avec Kizmiaz Records car c’était des amis rencontrés à Nantes qui avaient créé ce label, ils aimaient bien ce que je faisais et ont fini par le presser en vinyle également, voyant que j’avais quelques concerts à droite à gauche. C’est un label tout jeune, qui est né il y a trois ans, un label associatif, ils ont sorti des 45 tours de King Automatic, Movie star junkies, un 33T de Decheman & the gardener, entre autres, de très bonnes choses, et ça a toujours été une motivation de savoir que des gars du coin qui faisaient ça voulaient bien m’aider, ça m’a donné envie de continuer et de faire des concerts. Avant je sortais des CDR de reprises farfelues et de compos mal finies que j’enregistrais tout seul, un peu n’importe comment et pour Birds are Alive, j’ai tout enregistré avec des amis également, c’est toujours une histoire de copains, de copains du coin ; jusque là  ça n’a pas vraiment de rapport avec l’étranger et Jon Spencer.

As-tu programmé une tournée avec une visite chez le voisin bordelais pour un derby de l’Atlantique réussi ?

C’est pas vraiment prévu pour l’instant, j’ai joué un peu dans le nord du pays puis en Belgique début décembre, quitte à passer l’hiver en zone froide et humide ; pour le sud je vais attendre le printemps.

« Blues cooked for cannibals » (Kizmiaz Records)

Texte : Vincent Michaud
Photo : Yannick Ribeaut

« La création artistique est un acte de résistance. »

Une musique sombre qui séduit au-delà des clichés. Par la grâce de chansons divinement arrangées, Les Belles Noïseuses dissipent tous préjugés. Leur fibre mélodique, nourrie de contrebasse, drape les chansons d’intemporalité et assure la sortie des chapelles du genre. Cette patine soyeuse évoque par instants la tournure folk prise par And Also The Trees. Écartelé entre Nantes et Strasbourg, le trio ne travaille dans la continuité que depuis 2008. Leur pseudo découle évidemment du film de Jacques Rivette, « La belle noiseuse ». Leur noirceur s’avère une arme efficace contre le conformisme et séduit au-delà des clichés. Bela Goosy, chanteur à la voix ténébreuse mais de velours, se livre…

Vous êtes un groupe à cheval sur plusieurs territoires, quelles sont vos méthodes d’enregistrement et de composition ?
Chaque membre du trio propose ses amorces de compositions, que nous mettons en commun et retravaillons ensemble. Cet effort collectif, sans leader, est important pour notre équilibre. Nous avons mis en place une vraie démocratie ! Ensuite, nous nous réunissons minimum une fois par trimestre et passons une semaine à jouer, à réfléchir sur ce que l’on joue ou en session d’enregistrement. Nous utilisons beaucoup Internet pour échanger des idées, mais aussi, parfois, pour faire avancer nos enregistrements à distance. Nous vivions jadis dans la même ville, mais l’éloignement géographique nous apporte quelque chose sur le plan humain : nous sommes toujours ravis de nous retrouver !

Qu’est-ce que ce disque (« Whiter than white » – Rotorelief) représente pour vous ? La concrétisation logique de sessions et élans créatifs, la trace finale ou bien l’amont d’une nouvelle aventure ?
C’est notre premier album en bonne et due forme. Il revêt donc une importance capitale à nos yeux et concrétise deux années de travail. Bien entendu, nous n’avons pas l’intention de nous arrêter là. Nous continuons à composer de nouveaux morceaux et espérons que l’aventure sera longue et trépidante.

D’après votre bio, votre pseudo est un pied de nez au conformisme. La résistance par la création, le ressenti qui en découle, sont plus fortes qu’un long discours ?
J’ai toujours eu du mal avec les longs discours, j’ai peur de devenir dogmatique. J’ai été militant il y a fort longtemps et j’ai vite compris que la « ligne du parti », ce n’était pas pour moi. Même si je peux me retrouver globalement dans les discours politiques et sociaux de Crass, de Test Department ou, en France, des Béru. Et je me sens concerné par la politique, voire « engagé », tout en veillant à ne donner aucune leçon. Oui, la création artistique est intrinsèquement un acte de résistance. C’est ce que disaient les situationnistes de façon intellectuelle, les fondateurs du mouvement industriel de façon conceptuelle ou les punks de façon viscérale. J’ignore si le ressenti artistique, spontané, est supérieur à une rhétorique construite, élaborée ; il s’agit sans doute de facettes d’un même prisme.

L’humour, le second degré vous semblent tout autant efficaces et jouissifs ?
La dérision, l’auto-dérision, le décalage… Autant d’attitudes naturelles pour moi. Oui, c’est jouissif. A telle enseigne que je suis incapable de m’exprimer – artistiquement – au premier degré. Ce n’est pas une posture, c’est juste une manière d’être. Lorsque, par exemple, les Monty Pythons se foutent de la gueule des militaires ou de la religion, c’est efficace avec un petit bonus : on se marre ! Je ne jurerais pas cependant que cela soit plus efficace qu’un discours sérieux. D’ailleurs, je ne cherche pas à convaincre qui que ce soit. Chacun doit penser par lui-même.

Pourquoi autant de temps avant votre premier disque ?
La longue carrière des Belles Noïseuses a été intermittente. Nous avons mené en parallèle un tas d’autres projets, formé plein de groupes de tout style, ou presque. Ce n’est que depuis 2008 que nous avons décidé de travailler dans la continuité. Nous avons cependant produit pas mal de démos depuis 1992. Nos débuts, c’était de la noisy sauvage avec boîte à rythme. Nous nous sommes dirigés vers une formule acoustique, puis avons refait du bruit. Bref, on a quand même un peu de kilométrage…

And Also the Trees me semble être proche de votre univers. Que représente ce groupe pour vous ? Quels autres artistes ont compté pour vous ?
And Also the Trees est un très chouette groupe. « So this is silence » a été l’une des chansons que j’écoutais en boucle lorsque j’étais ado. Paradoxalement, je connais mieux leurs débuts cold que leur récente évolution vers la folk, pourtant excellente. Mais je me reconnais dans l’infinie mélancolie qu’ils dégagent. Je vous fais grâce de la longue liste des artistes que j’aime. Mais il y a effectivement des artistes qui bouleversent la vie, rien n’est plus pareil ensuite. Je n’oublierai jamais le choc de la découverte de « A new form of beauty » des Virgin Prunes, l’épais et désespérant linceul dans lequel m’enveloppait « Closer » de Joy Division. Un état de choc maintenu rapidement par la musique indus et post-indus, dont mes favoris sont, encore aujourd’hui, Current 93 et Coil, de pures magiciens dont l’œuvre ne compte aucun déchets. Je tiens aussi à ne pas rester cantonné dans le « dark » et m’intéresse notamment à ces génies psychédéliques qu’étaient Comus, Pearl Before Swine ou Sand, un combo berlinois à découvrir absolument, et dont nous avons repris « Burning house » sur notre album, avec un gentil retour de leur part. Je citerais encore la folk barrée de The Incredible String Band ou le célèbre et néanmoins monumental album de Robert Wyatt « Rock Bottom ». Et puis, j’aime aussi le punk, le reggae, le dub, le rap (si, si !), le blues, le jazz ou la musique classique moderne et contemporaine.

La pratique des cordes classiques découle-t-elle d’un apprentissage savant ou plus « rock’n'roll » ?
Personnellement, rock’n'roll ! Je ne connais même pas le solfège ! Il n’en va pas de même pour mes acolytes. Notre guitariste Bill Ottomo ne sort pas du conservatoire, mais c’est un formidable technicien, un musicien très raffiné. C’est un perfectionniste et cela s’entend. Idem pour notre contrebassiste Spotzy Blackcycle. Lui donne des cours de musique et n’a aucun problème pour lire une partition. Bien que venant du rock, il possède un background classique, jazz, contemporain. En définitive, chaque membre du groupe s’exprime avec son bagage, ce qui nous permet une très grande liberté d’exécution des parties musicales.

Les musiques dark ou gothiques peinent à dépasser le cap des aficionado. Est-ce une injustice criarde ou plutôt la rançon d’une attitude trop « catégorielle » ?
L’attitude trop « catégorielle », elle est à chercher du côté des major compagnies, des programmateurs des radios commerciales et des chaînes de télé qui imaginent comprendre ce que désire le public à la place des gens. Et tout ça dans une optique libérale : une logique immédiate d’audience, de chiffres et de profits. A mon sens, c’est en arrêtant de prendre des risques et d’investir sur des artistes pas forcément consensuels que les majors se sont coulées. Je ne vais pas les pleurer. Ensuite, vous avez raison de parler DES musiques dark tant elles sont hétéroclites. Entre la cold-wave, le goth post-punk, le batcave, le rock gothique à la Sisters of Mercy, le minimal-synth, le dark-electro, l’ebm, et j’en passe, le lien est plus qu’infime. On compare souvent le gothique à du Grand-Guignol, une macabre tragi-comédie. Mais les vampires pour midinettes type Twilight n’ont rien de gothiques ! Le gothique, ce n’est pas un décorum, c’est au contraire une volonté d’aller au-delà de la surface des choses. C’est également l’amour de la culture, de la littérature, c’est un genre référentiel. En témoignent les textes formidables et éminemment littéraires de Ian Curtis. Enfin, qui dit références culturelles ne dit pas forcément élitisme. Celui qui se permet une attitude condescendante parce qu’il écoute des disques qui ne sont pas populaires ne fait que se draper de ridicule. Je pense d’ailleurs que cette image d’élitisme et de manque d’ouverture provient plutôt de ceux qui considèrent qu’un produit culturel se vend comme un pot de yaourt : major, radios à la con…

Comment évitez-vous les clichés ? Par ouverture musicale ?
J’adore les clichés ! Ce sont des jouets, des colifichets avec lesquels on fabrique des parures baroques, des osselets avec lesquels on peut jongler. Le tout est d’avoir du recul, de ne pas s’enfermer dans une ornière. Quant à l’ouverture musicale, nous la prônons et la vivons au quotidien.

L’intemporalité habite vos morceaux, un caractère que vous recherchez ?
Honnêtement, oui. Comment pourrait-on sortir aujourd’hui un disque avec par exemple un son estampillé années 80, avec de la réverb qui dégueule de partout ? Ce ne serait que de la nostalgie, un sentiment qui n’est guère intéressant. Nous avons donc choisi une production « propre », retenue, avec un son que l’on ne puisse pas dater.

L’introspection transparaît tout comme une certaine jouissance « sereine ». Les deux versants de la personnalité du groupe, en parfaite osmose ?
Merci pour ce constat. Introspectifs, jouisseurs « sereins », oui, c’est exactement comme cela que nous nous sentons… J’espère qu’il y a, si ce n’est osmose, du moins cohérence entre notre hédonisme revendiqué et ma volonté de plonger dans les abysses de l’âme humaine. Je n’aimerais pas sombrer dans schizophrénie !

Comment avez-vous choisi votre pseudo ?
La référence au film de Jacques Rivette « La belle noiseuse » n’est pas fortuite. C’est un film magnifique, parfois strident, sur les affres de la création artistique, sur la souffrance nécessaire engendrée par cet acte. Je me suis contenté d’y rajouter ce cri générationnel : Oï ! Et, par la sonorité de noise, de rendre hommage au bruit en tant que démarche artistique, une démarche adoptée au moins depuis Luigi Russolo, longtemps avant le rock’n'roll. Ce nom m’est venu comme un flash, d’un seul coup.

Comment avez-vous signé pour ce disque chez Rotorelief ?
En 2007, j’ai eu la chance de pouvoir participer en solo à la première production de Rotorelief, intitulée « Coilectif, in memory ov John Balance and homage to Coil ». Cette excellente compilation témoigne de l’amour que nous portons tous à Coil et son chanteur et rassemble nombre de pionniers de la scène industrielle française (Vivenza, Pacific 231 et tant dautres). C’est un infime honneur que de se retrouver au milieu de ces pointures. Lorsque nous avons fini la maquette de « Whiter than white », je l’ai transmise à Christophe Louis de Rotorelief pour lui demander son avis, que je sais particulièrement fiable. Je n’attendais pas grand-chose, d’autant que le label s’orientait vers des musiques industrielles et expérimentales. Et finalement, Christophe nous a dit : « Banco ! Votre démo me plaît, on fait un disque. » Étrange, le destin, parfois…

Site du groupe

Vincent Michaud

Le duo lillois, un peu sommairement classé « math-rock » avec la sortie de son premier disque, « Ruban de Möbius », est porteur d’autres envies. Ses expérimentations le poussent plus à faire ressortir le côté rock, tendance hardcore, où l’énergie brute rencontre des structures construites sur de belles ambiances, des sons diversifiés, une combinaison rock et électronique très entraînante. C’est ce que démontre pleinement « Silence », la deuxième réalisation du groupe. Un disque rock, efficace, joué à quatre mains, celles de Thibault, batteur, et d’Olivier, guitariste. Ce dernier revient sur l’évolution de leur travail…

Comment s’est formé votre duo, qu’est-ce qui vous a rapprochés et qu’est-ce qui vous motive encore aujourd’hui à jouer ensemble ?

Ed Wood Jr s’est formé en février 2008. J’avais booké un concert sur Lille pour des amis. Comme j’avais pour projet de monter un duo, j’ai proposé à Thibault de me rejoindre et on s’est dit : « Allez, faisons la première partie ! ». On a développé, structuré des morceaux que j’avais composés et hop ! Un concert trois semaines après la première répète ! Eh bien, nous sommes toujours motivés car on aime jouer ensemble. On tourne pas mal et on prend plaisir à voyager, rencontrer de nouvelles personnes. On aborde chaque nouvelle compo comme une nouvelle expérience, on essaie de découvrir de nouvelles choses, techniques, à chaque nouvelle chanson. On essaie surtout de ne pas se répéter et d’aller toujours plus loin dans la recherche musicale.

Etait-ce un choix de jouer en duo ?

Oui, un choix complètement assumé ! Jouer en duo permet d’aller plus loin dans la pratique de l’instrument, ça laisse beaucoup plus de place dans la compo et c’est un challenge de composer à deux. Les harmonies sont composées grâce aux loops. D’ailleurs, la gestion des boucles est, de base, assez contraignante. Il faut jongler avec les machines pour obtenir quelque chose d’intéressant et qui se démarque des simples superpositions de riffs. En live, je boucle du clavier et des guitares, c’est un risque important car la moindre erreur est fatale. Nous n’avons pas de garde fou… C’est stressant mais extrêmement motivant.

Vos deux disques sont assez différents. Est-ce que vous recherchiez quelque chose de particulier pour ce second disque en termes d’ambiance, de réalisation sonore ?

Oui, tout à fait. « Ruban de Möbius » est assez « math-rock » et nous voulions nous éloigner des clichés des duos guitare / batterie. Répéter des choses entendues ne nous intéresse pas. Nous vivons chaque nouvelle compo comme une expérience, une chance de découvrir et d’expérimenter des choses que nous ne maîtrisons pas encore. Le second album est mieux produit, car nous avions un budget conséquent et donc du temps et des moyens pour le faire sonner comme nous en avions envie (ou presque).

Il semble que l’utilisation de plus de claviers et d’électronique ait permis d’ouvrir votre champ d’action ?

Je pense que l’apport du clavier est pour beaucoup dans l’évolution d’Ed Wood Jr.
Le spectre des fréquences est plus diversifié, on a désormais de « vraies » basses, les boucles de guitare croisent les boucles de clavier, cela crée des mélodies et harmonies intéressantes. Le chant prend davantage de place dans les compos, bien que jamais mis en avant, il est beaucoup plus présent.

Au niveau rythmique aussi, vous avez voulu insister sur certains aspects, l’intensité notamment ?

Oui, on essaie de jouer avec les nuances pour donner davantage de relief aux titres. Thibault a une frappe assez sèche et précise et cela donne une dynamique intéressante aux nouveaux titres.

Pouvez-vous expliquer l’écriture double des titres des chansons ?

Les titres sont écrits en phonétique, c’est un choix esthétique (visuellement parlant) et nous aimons aussi le fait que des sons sortent de cette écriture.

Est-ce que vous dirigez l’artwork ? Que représente cette pochette pour vous ?

Sébastien Lordez a réalisé l’artwork, nous en avons discuté avant qu’il ne commence à travailler puis nous nous sommes vus régulièrement pour donner notre avis et valider l’artwork final. La pochette de « Silence » représente un arrêt sur image : est-ce que l’animal va être percuté ? Est-ce que la voiture va dévier ? Est-ce un spectre ? C’est un instant de « silence » pendant lequel on retient son souffle…

En intitulant l’album « Silence », qu’aviez-vous derrière la tête ?

C’est ironique et cela fait également référence à un livre que John Cage a écrit et qui nous paraît assez incompréhensible.

Le clip sur « IVCV » s’est réalisé dans quelles conditions ? Est-ce qu’il y aura des suites ?

Un ami nous a appris qu’il pouvait avoir un entrepôt de 6000 m2 à prêter, pas loin de Lille. C’était une première pour tous : premier teaser pour lui comme pour nous ! On n’a engagé aucun frais, payé personne, c’était convenu d’avance : on essaie et on voit si ça fonctionne. Oui, il y aura des suites, on aimerait faire un clip sur un des titres de « Silence », le tout sera de trouver quelqu’un qui souhaite le réaliser ou de trouver du temps pour le réaliser nous-mêmes.

Est-ce que l’univers cinématographique ou visuel est une inspiration importante pour votre musique ?

Je ne suis malheureusement pas expert en cinéma ni en arts « visuels »… par manque de temps certainement… Mais oui, tout cela nous inspire… Et lorsque l’on utilise le nom du plus grand looser du cinéma, il faut bien se douter que nous ne sommes pas insensibles à cet univers.

Etes vous impliqués dans d’autres projets musicaux, artistiques ?

Oui, je joue dans Persian Rabbit, un projet « dark hippie » avec des harmoniums, guitare, contrebasse, chant et percussions (avec des gens de Tang, Green Vaughan, Two Left Ears…) On est en train d’enregistrer le premier album et on commencera les concerts début 2012. Je compose aussi de la musique et des illustrations sonores pour des galeries d’art, vidéos, peintres, etc.

« Silence »
(Swarm records / A Tant Rêver Du Roi)
http://www.edwoodjr.fr

Béatrice Corceiro

Rencontré à la fin d’une année chargée de collaborations et de festivals (dont le Printemps de Bourges), le platiniste montréalais DJ Brace explique l’ambitieuse trilogie qu’il s’apprête à terminer et nous parle de son label, Nostomania Records.

L’antre de DJ Brace est peuplé d’équipements que le commun des mortels ne saurait pas forcément utiliser, de disques recueillis au fil des voyages et de plusieurs instruments de musique. « Ici, j’ai ce qu’il me faut pour faire tout ce que je veux. C’est comme un laboratoire… Même quand je passe des journées entières à travailler en continu, la concentration reste présente parce que ce sont des choses que j’adore faire », raconte l’artiste né à Winnipeg (Manitoba). Au moment de notre rencontre, il arrive d’un séjour en Israël et nous fait écouter les nouveaux albums vinyles qu’il collectionne, « du funk du Moyen-Orient ». C’est clairement un terrain de jeu qu’il trépigne de joie à l’idée d’explorer bientôt.

Très productif et polyvalent, Brace participe régulièrement aux projets musicaux de plusieurs artistes internationaux. Il porte plusieurs chapeaux à la fois, dont DJ et producteur. Musicien depuis le plus jeune âge, il maîtrise plusieurs instruments, ce qui a un impact considérable sur l’architecture de sa musique électronique. Il parle anglais, hébreu et maintenant français, depuis qu’il a choisi d’élire domicile à Montréal en 2007. « Ça faisait quelques années que je voulais m’installer à Montréal, depuis ma venue en 2003 pour un concours de DJ. Faute de pouvoir travailler en Europe ou aux États-Unis, je trouvais que c’était la meilleure ville au Canada pour poursuivre mon travail, et Montréal jusqu’à maintenant permis de très belles rencontres », estime le jeune trentenaire, que nous avons notamment pu entendre à MUTEK, au Festival MEG et au Festival de musique émergente cette année.

La trilogie Electric Nosehair Orchestra

Même si Brace a joué dans plusieurs groupes pendant sa jeunesse, c’est vers l’âge de 18 ans, quand il a eu le coup de foudre pour le hip-hop et s’est mis à apprivoiser les platines, que tout a vraiment commencé. Un apprentissage qui a porté ses fruits, puisqu’en 2004, il a remporté le concours DMC Canadian Championship et s’est classé au 8e rang mondial. « J’ai bien aimé être dans des groupes de musique, se souvient-il, mais je préfère vraiment le travail solitaire. D’ailleurs, tous les DJ-producteurs que j’admire le plus sont des “one man band”, qui ont su développer leur propre style… »

Paru en 2008, le premier disque solo de Brace, « The Electric Nosehair Orchestra in Nostomania », a reçu le prix Juno du meilleur album instrumental canadien. Ce qui était aussi la première manifestation de l’« orchestre virtuel » de DJ Brace, Electric Nosehair (« poil de nez électrique »!), était le début d’une série conceptuelle de trois parutions. Une idée née d’une expérience créative très particulière réalisée en 2006 : « J’étais dans la cuisine avec mon mentor de flûte, un sexagénaire. On se réunissait régulièrement pour jouer en duo, et ce jour-là il m’a dit qu’il aimait ce qu’on faisait ensemble, mais qu’il ne comprenait pas tellement ce que je faisais avec les tables tournantes et en quoi ça pouvait être considéré comme de la musique. » Brace a donc eu l’idée d’enregistrer chaque jour pendant une semaine des extraits de la musique qu’ils jouaient ensemble et de s’en servir pour créer quelque chose de nouveau. « Le lendemain, je lui faisais toujours écouter ce que j’avais construit avec nos enregistrements. Le troisième jour, il a été abasourdi et je pense qu’il a commencé à comprendre mon travail de création et la musique dans tout ça. »

Ce projet maison a marqué une étape importante dans le travail du DJ, qui avait pendant longtemps mis de côté les instruments pour travailler uniquement à partir d’échantillons de disques. « Tous les instruments que j’avais appris devenaient interconnectés, je commençais à peine à voir toutes les possibilités, explique-t-il. La trilogie a commencé avec Nostomania, qui signifie l’urgence incontrôlable de retourner chez soi, ce qui avait une grande signification pour moi à cette époque. J’écrivais des chansons qui me rappelaient mon enfance… Mais en réalité, le titre renvoie surtout au fait que chacun a sa propre façon de « retourner à la maison ». »

Après ce premier album, qu’il perçoit comme « plus traditionnel », est venu « The Electric Nosehair Orchestra in Synesthasia » (2010), dont le titre renvoie au phénomène neurologique de la synesthésie; l’association de deux ou de plusieurs sens. « Ce deuxième volet est plus orienté sur les rythmes et plus hip-hop dans sa sonorité, même si je considère que tout ce que je fais est d’une certaine façon hip-hop. Il renvoie à la manière dont nous utilisons nos sens et ça m’intéresse beaucoup parce que quand j’entends un rythme ou une chanson, j’imagine souvent une couleur qui correspond. »

D’où l’importance du visuel dans la trilogie de Brace, qui a sollicité la collaboration d’artistes visuels pour le livret : chaque piste est associée à une illustration précise. Toutes sont numérotées, mais leur créateur a préféré ne pas leur donner de titre spécifique : « Le titre d’une chanson donne une idée préconçue d’elle. Je voulais que ce soient les artistes visuels qui « donnent un nom » à la chanson à leur manière. Et après, celui qui l’écoute est forcé de créer son propre rapport à l’œuvre, car rien d’autre ne lui est fourni. »

En ce moment, malgré la quantité de projets parallèles sur lesquels il travaille (dont une collaboration avec l’artiste allemand Kabanjak, Brace a commencé à réfléchir au troisième et dernier tome de sa trilogie entamée en 2008. « Je sais qu’il est temps, et j’ai déjà une chanson qui est presque prête. Je connais l’histoire du troisième disque, mais je réfléchis encore à comment la formuler. Ça fera référence à un état qui est libre de toute émotion… Je compte bien replonger intensivement dans le studio pour développer cela en 2012. » Après « Nostomania » et « Synesthasia », ce serait donc « Apatheia » qui devrait voir le jour…

Nostomania Records

Entre les albums « Nostomania » et « Synesthasia », Brace a aussi trouvé le temps de créer son propre label, Nostomania Records, en 2009. C’est « Everyday », avec les New-yorkais Brown Bag Allstars qui a démarré l’aventure, un disque hip-hop qui contient un remix fait par les Allemands Ancient Astronauts sur sa face B. « J’ai commencé le label seul. Je n’avais pas beaucoup de moyens, mais je voulais absolument le faire. J’étais tellement content quand j’ai tenu ce disque dans ma main pour la première fois! », s’exclame-t-il, en pointant la jaquette du premier disque de son label.

« Je ne voulais pas me servir de Nostomania Records juste pour mes albums, je tenais à intégrer d’autres projets. » Ainsi ont suivi des projets électro, rap et même folk avec les artistes Birdapres, Morbin et Cella Chest. « Même si le style de musique est très différent, le lien entre ces musiques est qu’elles me passionnent, et que ces gens sont comme de la famille pour moi. Ils croient beaucoup en ce qu’ils font, et moi aussi. »

Depuis, Brace s’est entouré de collaborateurs-amis pour le design, l’écriture, l’aide à la direction artistique, etc. « Pas évident de tout faire seul : la comptabilité, la direction, le travail sur mes projets solos, les collaborations, les « beats » et les « scratchs » pour d’autres artistes, la promo. Mais la vie est trop courte… Faut faire ce que l’on aime, non? »

Prochaines parutions de Nostomania Records : Koncept (« Watch The Skyfall EP », avec Royce da 5’9 et des remix par DJ Brace), DJ Mana, DJ Offset, The Fathers (T.J. Blair et Brace), Morbin et Cella Chest.

À surveiller également en 2012 : Le dernier tome de la trilogie Electric Nosehair Orchestra (sur Nostomania Records) et la collaboration entre Brace et Kabanjak (sur Switchstance Records).

DJ Brace sera au Belmont (Montréal) le 9 décembre 2011 à 22 h
(avec Bonobo et plusieurs artistes invités)

Site de DJ Brace : www.djbrace.com/
Site de Nostomania Records  : www.nostomaniarecords.com/

Texte : Marie Mello
Photo : Pierre-Marc Bonneau

Rencontre avec un drôle d’oiseau qui porte à bouts de bras un festival original, passionné et qu’il faut soutenir !

Dominique Prévost est né en mars 1965. Son père, baignant dans le rock’n'roll, l’entraîne dès l’âge de 13 ans dans la pop-music : Otis Redding, Elvis Presley, Ray Charles, The Queen, The Beatles, etc. sont au programme de sa formation musicale. Du coup, avec son père, son frère et quelques amis, ils joueront pendant 10 ans tout le répertoire anglo-saxon… En 1986, il se met au jazz et joue dans le groupe « Les Gros » de l’Ecole Centrale de Lyon. En 1990 et 91, il joue dans le « Zorro Cool & Bernardo Trio » (jazz) au Bangladesh. De 1992 à 99, il sort trois albums : « Un jour, j’ai cru être libre » (pop-jazz), « L’ivresse des profondeurs » et « Célébrissime ».

C’est en 99 qu’il crée la société Les Enchanteurs (Producteur et Editeur à la Sacem) et le site www.les-enchanteurs.com qui sera pendant quelques années un magazine musical en ligne. En 2003, production de l’album « L’enfance » d’Alain Leamauff. Création du site de librairies musicales www.wson.fr avec Editions 4/4. Et en 2004, Only French est créé : festival, site web, radio, télé.

En 2008, il collabore avec Catalyse pour le festival « Voix de Fête » de Genève, dans le cadre des « Bars en Fête ». C’est le début d’une longue collaboration. En 2008, production de l’album « Meu Clamor » du groupe « Vozes em missao » (musique brésilienne). Et en 2011, pour la 17ème édition du festival « Only French » (du 24 au 27 novembre) il investit trois salles parisiennes : La Boule Noire, Le Café Cigale et La Scène du Canal / Jemmapes.

Un festival de plus, quelle est la particularité de celui-ci ?

La notion de « plus » nous paraît un peu dépassée… Nous ne cherchons pas à faire plus. Nous sommes un festival au sens propre du terme : nous organisons des concerts sur plusieurs jours sous un même nom, dans une ambiance à la fois festive et aussi professionnelle que possible. Notre programmation, franco-suisse et ouverte sur l’espace francophone,  découle de nos rencontres et de nos sensibilités. Nos concerts, au niveau du public comme au niveau des participants (artistes, techniciens, organisateurs), se vivent comme un rassemblement au sein d’une grande famille.

Sa naissance s’est passée quand et comment ?

Only French est né fin 1999 de la mouvance Internet avec le renouveau de la diffusion d’artistes  sur le web. A un moment donné, nous avons décidé de mettre sur scène des artistes que nous avions aimé en disque ; cela a donné en 2002 notre premier concert multi-artistes  au Divan du Monde.

Depuis ses premiers pas le festival est-il resté à Paris ?

Oui, Only French a toujours navigué dans la capitale française. Il a fait escale dans plusieurs salles  (Divan du Monde, Sentier des Halles, Réservoir, Joko, Triptyque, Canal Opus) pour finir par s’ancrer à la Boule Noire. Et cette année, il fait une escapade dans le 10ème à la Scène du Canal / Jemmapes.

Il grandit  avec quels soutiens ?

Jusqu’à présent, ce sont des fonds privés qui soutiennent financièrement Only French : membres, associations et entreprises. Des médias nous encouragent également. Le public, enfin, nous est fidèle car il aime l’ambiance (hyper sympa) et la programmation (de qualité !).

Quels sont les arguments pour que les spectateurs viennent au Only French 2011 ?

La promesse de bonnes sensations, la découverte de nouveaux artistes, le rire au bout car notre sélection est souvent tournée vers l’humour et l’originalité.

Programme des réjouissances ?

Jeudi 24 novembre :
Le Café La Cigale > Mustafa Naham (Sénégal) et Pascal Heuillard

Vendredi 25 novembre :
Le Café La Cigale > Jérémie Bossone
La Boule Noire > Samir Barris (Belgique), Aliose (Suisse), Nicolas Jules et Marion Rouxin.

Samedi 26 novembre :
Le Café La Cigale > Joseph Cantalou
La Boule Noire > Evelyne Gallet, Balabagui (Suisse), Jean-François Lessard (Canada) et Les Fouteurs de Joie.

Dimanche 27 novembre :
La Scène du Canal / Jemmapes : Khalid K suivi d’un goûter.

Sage comme une image

Presque 30 ans que Didier Wampas existe sur la scène musicale hexagonale. On est en droit de se poser la question de son secret ? De la bonne musique bien sûr : la revendication d’un mouvement yéyé punk, une voie suraigu unique, quelques tubes (« Manu Chao », « Petite Fille »…) mais aussi de l’image ! Cette image qui construit la notoriété d’un groupe ou le fait (re)-connaître ! Travailler son image, c’est peut-être ça le secret de la longévité d’une carrière… Le premier exemple de l’image chez Didier, c’est celle que renvoie l’écoute de ses titres. « Les bottes rouges » en est la parfaite illustration. Transporté dans une cour de récré à l’âge de 5 ans, vous vous posez cette question existentielle de la couleur de vos bottes. Le live est aussi sans nul doute le terrain de jeu de l’image de l’artiste. On est marqué par son jeu de scène à moitié nu à lancer tantôt un filet tantôt une chaise pour mieux communier avec son public, le micro placé dans son jean serré. On tient là un début de réponse… Ou alors il s’agit du tee-shirt avec l’inscription « Le chanteur des wampas chante faux (mais c’est fait exprès) » que le groupe édite ? A moins qu’il ne s’agisse de l’image d’un Didier Wampas à la TV,  dévalant les gradins d’une cérémonie des Victoires de la Musique 2003, en criant « les Wampas n’aiment pas les autres, ils n’aiment pas Kyo, et ils n’aiment pas la variété pourrie » ? A n’en pas douter, l’image est importante pour Didier Wampas, elle a du sens. D’ailleurs, pour le “retour aux sources” de « Taisez-moi », son album solo, il choisit le scopitone (l’ancêtre du clip joué dans les jukebox associant l’image au son) pour illustrer en vidéo son premier single ! Et pour que la boucle soit complète, Didier Wampas arrive au cinéma et s’affiche avec Benoît Poelvoorde et Albert Dupontel affublés tous trois d’une belle crête sur le prochain long-métrage « Le Grand Soir » des Grolandais Benoît Delépine et Gustave Kervern.

Texte : Pierre Dron

La galerie ci-dessous est un extrait du travail de Roch Armando (aidé par Daria Slusarczyk au maquillage) pour la couverture du n°61 de Longueur d’Ondes.

Peu de groupes au Québec portent encore le flambeau du métalcore, mais l’un d’entre eux le fait avec une authenticité toute particulière et une valeur ajoutée.

L’histoire du groupe a commencé il y a 14 ans, alors que beaucoup de jeunes vibraient au son des “power-chords” et des rythmes simples du punk-rock. À cette époque, OK Volca arpentait la scène sous le nom de Haang Upps et proposait des textes en anglais, essayant de se tailler une place parmi les innombrables groupes du même style.

La sortie de leur premier (et dernier) album intitulé “Epistemic” avait, malgré un succès tout sauf commercial, réussi à amener un vent de fraîcheur sur une scène qui commençait à faire du sur-place. Très peu de groupes osaient alors sortir du cadre musical très étroit que le punk imposait. Les membres de Haang Upps sont donc arrivés avec un post-hardcore rehaussé d’harmoniques et d’effets électroniques, créant un son à la fois intense, mélodique et feutré.

C’est en 2005 que le groupe a effectué la transition, voulant se rapprocher de ce qu’il voulait vraiment faire: “On a changé de nom parce que l’on a décidé d’écrire des textes dans notre langue maternelle, explique Benoit, auteur, guitariste et chanteur. Pourquoi chanter en anglais s’il n’y a pas d’anglophone dans le groupe ?”

La signature d’un contrat avec l’étiquette Slam Disques leur a alors permis de bénéficier d’un solide soutien et leur a assuré une visibilité à la hauteur du potentiel d’exploitation. Toujours aussi pesant, mélodique et original, OK Volca a pris le pari de montrer qu’il était possible de faire de la musique “heavy” en français et de trouver preneur.

Les membres du groupe se sont donc concentrés sur la belle province afin de mieux concilier leurs vies personnelles et leur passion pour la musique. “On vieillit, on a des jobs… il faut être réaliste, confie Louis, chanteur / crieur. Si tu penses faire de l’argent en faisant du hardcore, oublie ça tout de suite ! Donc on s’est dit : tant qu’à faire quelque chose, on va le faire du mieux que l’on peut, et c’est en français qu’on va y arriver. De toute façon, on ne pourrait même pas aller en tournée à l’extérieur du Québec à cause de nos emplois et nos vies personnelles.”

Leur premier album (homonyme) leur a permis d’aller à la rencontre de leurs fans partout au Québec donc, en plus de voir leurs trois vidéoclips (“D.R.E.V.E.C.”, “L’ataraxie des sang-bleus” et “Statix / Imaginaire incontournable”) jouer en rotation sur les ondes de la chaîne TV québécoise Musique Plus.

Il aura fallu cinq ans au groupe pour revenir avec du nouveau matériel, mais l’attente en aura certainement valu la peine. “On voulait sortir un disque égal ou meilleur que le premier, explique Benoit. On s’était fixé des objectifs précis et on ne pouvait pas aller en dessous de ça !”

Fidèle au style qui leur a permis de se démarquer, leur nouvel opus “Fréquence / Trémor” a tout pour plaire aux fans de métalcore et aux amateurs d’effets électroniques. Avec des textes tantôt émotifs et introspectifs (“Facteur temps”, “Pluie d’automne”…) tantôt rageurs et dénonciateurs (“Depuis des siècles et des siècles”, “S.D.F.”, “Le plan Kevorkian”…), la musique d’OK Volca est engagée, chargée en émotions et surtout teintée de la culture québécoise (“Nos jurons”).

Les nostalgiques de l’époque du légendaire groupe hardcore suédois Refused auront quelque chose de frais et de franco à se mettre dans les oreilles.

En concert au Québec :
15 octobre à Montréal (Petit Campus)
4 novembre à Rivière-du-Loup (Sunset Bar)
25 novembre à Alma (Boîte à Bleuets)
26 novembre à Chicoutimi (Bunker)

Site de l’artiste : www.okvolca.com

Texte : Emmanuel Lauzon

Photo : Toma Iczkovits

Le samedi 4 septembre 2011 dans « Chanson Boum ! », son émission sur France Culture, Hélène Hazera a invité pendant une heure le magazine « Longueur d’Ondes » !

Serge Beyer (rédac chef), Aena Léo, Eric Nahon (journalistes) et Nicolas Messyasz (photographe) étaient les porte-parole.

Après un hommage d’Hélène à Allain Leprest qui ouvre l’émission, la suite de la programmation musicale a été assurée par Longueur d’Ondes… d’ailleurs ça enchaîne avec France de Griessen !!!

Name-dropping : pendant cette heure, on n’a pas pu passer tout le monde, cependant, nous avons pu citer un maximum d’artistes. Il a été question de Chloé Mons, Les Sales Majestés, Arthur H, Mell, Imbert-Imbert, Alb, Nadj, Askehoug, Giedré, Poncet, Rodrigue, Dimoné, Le Larron, Jérôme Attal, Ornette, Thierry Chazelle, Craftmen Club, Bikini Machine, Didier Wampas, My Heart Belongs To Cecilia Winter…

L’émission est écoutable ici (puis cliquer sur le bouton rouge PLAY) !

Photos : Nicolas Messyasz

Le label montréalais cultive l’indépendance

Créé et dirigé par le trentenaire David Gagnon, ancien bassiste du groupe punk-rock Dirty Tricks, le label célèbre ses deux ans d’existence. Machette Records compte huit sorties à son actif et les projets ne manquent pas (Rome Romeo vient de terminer un enregistrement en studio et des tournées sont prévues cet automne). Ses artistes maison écument les scènes de prestigieux festivals (Festival d’été de Québec, Pop Montréal et Osheaga) et sont aussi en résidence mensuelle au Bovine Sex Club, bar-club mythique de Toronto toujours à l’avant-garde de l’actualité musicale. Mais, pour David Gagnon, pas question d’être stressé. Son label est avant tout une histoire de passion, loin des gros sous, mais aussi des soucis des majors. Entrevue avec le propriétaire et son complice dans cette aventure, Olivier Mc Guire, du groupe Rome Roméo.

Longueur d’ondes : Pourquoi vous êtes-vous lancé dans cette aventure il y a deux ans ?

David Gagnon : C’était une idée qui me trottait dans la tête depuis un petit bout de temps et, dans la vie, tout est une question de circonstances. À cette époque, Olivier jouait dans le groupe Rome Roméo et il avait une démo de quatre ou cinq chansons enregistrées. J’ai dit au groupe : « J’ai envie de démarrer un label, voulez-vous que je fasse paraître vos cinq morceaux en vinyle, en 12 pouces ? ». Ils ont dit oui. C’est ainsi que ça a commencé.

LO : Ça ne vous a pas fait peur de monter un label ?

DG : Je n’aime pas ça quand c’est facile dans la vie, alors je complique les choses ! (rires) Non, ça ne me faisait pas peur, car pour moi ce n’est pas un défi : je fais simplement ce que j’aime et ce que j’ai envie de faire.

LO : Quel regard jetez-vous sur les deux ans qui viennent de s’écouler ?

DG : Je n’avais pas d’objectifs ou de plan précis quand on a commencé, mais je pense que l’on a accompli beaucoup de choses en deux ans. Il y a eu huit sorties. Dans le contexte actuel, c’est quand même très bien pour un tout petit label comme le nôtre. On parle de petit pressage, de 500 à 1500 exemplaires. On a une bonne distribution au Canada et aux États-Unis.

LO : Quelle est votre approche avec les groupes ? Diffère-t-elle des autres labels ?

DG : On ne sort pas un disque en fonction de son potentiel commercial. Ça ne m’intéresse presque pas. Les choix se font selon mes coups de cœur, en fonction des échos que l’on peut avoir de tel ou tel groupe par des amis. Il faut aussi que l’on sente la possibilité de devenir amis avec les groupes signés et que la passion pour la musique anime le groupe.

LO : Aujourd’hui, est-ce que vous vivez de la musique ?

DG : Non, on ne vit pas de ça encore. On est en mode investissement. J’ai préparé un plan de cinq ans pour y parvenir. On veut monter un bon catalogue, faire les choses comme il le faut et ensuite on évaluera la situation.

Olivier Mc Guire : C’est sûrement l’une des choses qui nous aide à conserver notre approche « artist friendly ». En gardant notre travail à côté, c’est vrai que l’on investit un peu moins de temps, mais on le fait vraiment par conviction sans chercher à rentabiliser notre affaire.

LO : Les groupes que vous avez signés ont-ils des points communs ?

OMG : Non je ne crois pas, ce n’est pas réfléchi ainsi. Il y a du punk-rock, de l’électro, de l’indie-pop, du folk et du folk-rock. On aime la musique en général, on est des passionnés.

DG : En réalité, on veut un label qui est un peu comme nos collections de disques : très variées. Moi, je ne crois plus au label qui ne ferait qu’un seul son, c’est fini. Tu ne peux pas survivre en ne développant qu’un style… Tu vas peut-être faire le son du moment pendant deux ou trois ans, mais après ? Il faut diversifier dès le départ pour avoir un catalogue ouvert et varié.

LO : Quel est le rôle de Machette Records dans la vie d’un groupe ?

DG : Notre travail est surtout d’organiser et de coordonner. C’est sûr qu’il y a un volet artistique au départ, comme la pochette du disque et le visuel du groupe, mais à long terme, c’est vraiment de la coordination pour que tout se passe bien. Il faut tout le temps avoir des idées pour le groupe : des spectacles, des tournées, des sorties en quantité limitée. On planifie l’année du groupe.

LO : Jamais d’intervention en studio ?

OMG : Pas vraiment, mais on se fait envoyer les chansons, on nous demande notre avis et c’est simple chez nous : si on n’aime pas, on ne le sortira pas. En y allant disque par disque avec les groupes signés, sans contrat longue durée de 5 albums par exemple, ça nous autorise ce genre de souplesse.

LO : Comment ça se passe pour Machette Records dans l’univers musical montréalais ?

DG : Il y a beaucoup d’entraide, pas vraiment de concurrence avec personne. C’est un petit milieu. On se connaît tous, de nos anciens groupes. Les gens qui sont gérants ou propriétaires des labels aujourd’hui ont déjà eu des groupes et fait des tournées. On s’est tous côtoyés un jour ou l’autre sur la route.

LO : Comment trouvez-vous la scène musicale montréalaise ?

OMG : Elle est super vivante. C’est inspirant et motivant d’être dans un milieu comme ça, surtout quand tu as un label ou une compagnie de disques. Même en tant que membre d’un groupe, être entouré d’autant de gens productifs, ça crée de l’émulation. La scène de Montréal est teintée d’indépendance : elle est reconnue au niveau international, mais tout ça vient de groupes et de labels indépendants. C’est sorti d’un milieu indépendant et ça, c’est cool.

DG : Tous les groupes ne sont pas aussi gros qu’Arcade Fire, mais beaucoup sortent du Québec et voyagent. Voyager, ça n’a pas de prix ! Même si parfois tu n’as pas de paie au bout, ça te fait rencontrer du monde.

Machette Records :  www.machetterecords.com

Nicolas Boullé

Concert anniversaire de Machette Records, 19 août, Sala Rossa (Montréal) :
Avec Claass, Rome Romeo et Solids.
Sur scène : Claass et son électro-post-punk en tête d’affiche, Rome Romeo et son indie-pop et Solids qui joue un grunge alternatif teinté de shoegaze.

Jeu de mot évocateur et assumé, les « Tais rien ! » ont marqué les esprits du dernier Festival en Othe. Découverts par Fabienne Barthélémy, co-directrice artistique du festival, lorsque le duo joue à Troye dans un café-concert, leur participation à ces soirées musicales signe le début de leurs premiers pas en festival…

Trac

« Jusque là on avait l’habitude de jouer dans des bars ou des lieux où le public ne vient pas toujours pour écouter de la musique. Là on se retrouve devant tout un auditoire avec une scène dédiée rien qu’à nous… C’est extraordinaire. » nous confie Lorette qui, dans le duo, enchaîne violon, chants, pianica, piano, et percu. Une expérience qu’ils vivent comme un rêve éveillé. « Je peux te dire que j’ai eu une boule au ventre avant de rentrer sur scène comme jamais j’en ai eu jusque là. Ca donne des frissons et l’envie de recommencer !  » rétorque et frisonne encore Micke, en charge de la partie écriture, du chant et des accords à la guitare.

Caravane

Concept musical et initiative sonore, pour les identifier, il faut remonter quelques mois en arrière… Formation récente, l’aventure des Tais Rien ! débute en septembre 2010. Micke et Lorette décident de prendre une année sabbatique pour vivre leur passion musicale et la véhiculer… en caravane dans toute la France ! Classée « chanson française festive », leurs paroles sont loin d’être dénués de sens : « On peut se poser la question de ce que l’on peut dire ou pas dans une chanson, eh bien comme notre nom l’indique, ce n’est pas le propos. On commence notre album avec le titre « La Marseillaise » où l’on fait le constat de ce que ce chant, à la base révolutionnaire, est devenu. » Ingénieux encore, leurs textes travaillés cherchent à questionner.

En exemple, lorsque Micke revisite les propos du documentaire « Un autre monde est possible » de la rappeuse et réalisatrice marseillaise Kenny Arkana : déconstruits puis reconstruits en rimes, la teneur du film reste intacte. Là encore ils frappent lorsqu’en chanson, ils retracent la fin tragique de François, cet homosexuel décédé sous les coups de néo-nazis à Metz. Le titre s’appelle « Parc Léo ». Investis tous deux dans cette aventure musicale, ils sont malgré tout touchants de candeur et d’espoir et cela séduit largement le public.

Tour de France

Leur autre ambition : défendre les radios associatives. Parti du constat de leur disparition en masse, ils souhaitent faire un tour d’horizon de chacune des stations associatives qu’ils croisent sur leur chemin afin de comprendre leur fonctionnement et disfonctionnement. En forme d’enquête ils comptent, à l’issu de ces rencontres, établir un bilan-constat de celles-ci. Une façon pour eux d’être solidaires de ces initiatives bénévoles. Donner du sens à leur actes musicaux est ainsi le maître mot. « La musique peut contribuer à un effort citoyen » souligne Micke. Sur  les routes de France, le duo poursuit son chemin. Peu à peu, les dates s’enchaînent et l’année sabbatique se prolonge… Prochain départ pour leur caravane musicale :  le Sud-Ouest. À bon entendeur…

http://www.myspace.com/tais.rien
Texte : Elodie  Fournot

Photos : Antoine van der Straeten

Les « quatre gars bien simples » du groupe Erewhon, qui se lit « nowhere » à l’envers, questionnent dans leur premier album Les Coraux notre perception de la vie, autour de mélodies mélancoliques.

« C’est comme ça que je vois la vie, toute chose a sa part de noirceur », confie Benoît Philie, chanteur et guitariste du groupe, faisant référence à l’œuvre Erewhon de Samuel Butler, dont le groupe s’est inspiré. « C’est un ami à nous, flyé et adepte du tarot, qui nous a parlé de ce livre, une critique de la société anglaise de l’époque, où l’on découvre la corruption qu’il peut y avoir dans un système. »

Cette philosophie se trouve transposée sur une musique rock francophone aux sonorités 60’s et 70’s, mêlée de pop et de progressif. Pink Floyd est une des inspirations majeures du groupe, qui a commencé en répétant sur les morceaux psychédéliques de la formation britannique. La musique de Daniel Bélanger l’a aussi sensibilisé à l’importance de la mélodie.

Benoît joue avec Charles Blondeau (batterie), Mathieu Edward (basse) et Philippe Paquin (claviers) depuis 2006. Le groupe s’est concrétisé lorsque ses membres ont participé au concours « Battle of the Bands » du Cégep Gérald-Godin. « On a inventé quatre chansons en deux semaines, juste pour le concours, explique Benoît. On a gagné, donc on s’est dit que ça vaudrait la peine de continuer à composer. »
Le choix du français n’était pas évident lors des débuts d’Erewhon, qui a commencé en anglais. « Les groupes anglophones prennent souvent plus de place dans ce que tu écoutes quand tu es ado, explique Charles, mais tu réalises après coup que chanter en anglais n’est pas obligé. » Un choix risqué, mais assumé. « Les critiques parlent souvent du contenu des textes des groupes qui chantent en français, mais pas de ceux des groupes qui chantent en anglais », estime le batteur.
L’amour, l’argent et le pouvoir sont autant de thèmes universels abordés dans les compositions d’Erewhon, que chacun interprète à sa manière. « J’ai écrit “Le Soleil plein les yeux” lorsque j’étais perdu au Pérou. Mais un jour, une fille qui faisait un documentaire sur l’itinérance m’a contacté pour pouvoir intégrer cette chanson à son travail, car le texte se prêtait au sujet selon elle », raconte Benoît.
En juin dernier, le groupe a sorti son premier album autoproduit, intitulé Les Coraux. C’est Pierre-Philippe Côté (surnommé « Pilou »), connu pour ses collaborations avec Ariane Moffatt, Champion et Jorane, qui a réalisé et mixé l’album d’Erewhon. Le réalisateur qui a découvert le groupe lors d’un concert au Divan Orange a apporté sa touche personnelle aux morceaux d’Erewhon : « Il nous a fait déplacer des rythmes de batterie ou doubler le rythme d’une chanson, pour que ça sonne mieux », explique Charles.
Le groupe pense déjà à un deuxième album, mais sa priorité reste les concerts, prévus cet été à travers le Québec. Un passage en France est même envisagé pour l’été prochain.

Site web de l’artiste : www.erewhonmusique.ca

Prochains concerts au Québec : Montréal (4 août), Dunham (6 août), Sainte-Agathe (13 août), Victoriaville (18 août).

Texte : Léna Tocquer
Photos : Claudia Dumontier

Tromper la mort avec le rock’n’roll

Presque douze ans déjà que le groupe montréalais Les Breastfeeders mettent le feu aux planches du Québec avec un rock’n’roll francophone incendiaire aux textes imagés. Au fil des années, avec leurs premiers albums en poche, le groupe a sillonné les routes et littéralement pris d’assaut les scènes de la province, mais aussi du Canada, des États-Unis et de l’Europe avec fougue et détermination. Chouchoutés par le public conquis de Lafayette en Louisiane, invités à faire bouger les jambes aux derniers jeux olympiques d’hiver de Vancouver, les Breastfeeders sont également des abonnés des Francofolies de Montréal, qui les ont accueillis en salle cet été pour célébrer la sortie récente de « Dans la gueule des jours », leur troisième album.

Si le précédent « Les matins de grands soirs » (2006) avait frappé fort avec ses chansons « Tout va pour le mieux dans le pire des mondes », « Viens avec moi » et « Funny Funiculaire », son écoute pouvait s’avérer un peu essoufflante. Assez saturé, plutôt homogène, cet album était pop et brut à la fois. Avec « Dans la gueule des jours », le groupe propose un album plus aéré et teinté d’une belle ouverture. Toujours très rock’n’roll, le menu fait toutefois une place de choix aux arrangements variés, notamment par l’humble présence de collaborateurs tels Damien Robitaille au piano, Thomas Augustin de Malajube au wurlitzer et Warner Alexandre Roche des Abdigradationnistes aux violons. «Les arrangements ne sont pas nécessairement plus poussés, juge le chanteur Luc Brien, mais on les entend mieux.»

Avec le principal auteur-compositeur des Breastfeeders, on revient sur ce constat fait au magazine Nightlife en mars dernier : «Pour ce qui est des influences, quand on dit encore de nous qu’on est yéyé ou pire rétro, je ne comprends pas. C’est vraiment une incompréhension crasse. » Visiblement, Luc Brien est blessé par les étiquettes qui donnent l’impression que le groupe se fixe dans le passé, fait de l’imitation ou ne regarde que vers l’arrière. «Rétro, me fait penser à rétrograde… alors que nous faisons de la création ! On écrit nos « tounes », et notre façon d’aborder la textualité est tout à fait contemporaine.»

Et puis les étiquettes « garage ou sixties » qu’on leur accole souvent sont pour lui inappropriées dans la mesure où le groupe, tout en faisant consciemment des références vagues ou précises à l’histoire musicale qui les précède, ne se veut pas puriste, mais au contraire créatif et moderne. Les Anglo-Saxons, forts de leur culture rock’n’roll solidement ancrée, comprennent mieux cette nuance selon le chanteur. «Les Américains ou les Britanniques vont peut-être souligner un petit côté sixties, mais sans dire que c’est LA définition de ce que l’on fait. On dirait qu’ils ont une compréhension plus grande que le Québécois moyen, mais c’est normal : la culture est comme ça ici. Au Québec, on n’est pas fiers de notre passé rock’n’roll, parce que dans les années soixante, c’était surtout des groupes qui faisaient des covers en français.»

Et le yéyé ? Pour Luc Brien, c’est une appellation française du tournant des années soixante, dont le groupe ne se réclame pas, surtout pas depuis deux albums. « Non, ce que l’on fait englobe tous les styles qui peuvent nous avoir influencé : que ce soit du rock fifties, de la pop sixties, du punk rock seventies, ou même du glam rock.»

Renouveler le plaisir

Au fil des albums, en effet, leur son bouge. Si l’efficace formule de base reste sensiblement la même, le groupe sent régulièrement le besoin de pousser l’imagination un cran plus loin. À partir de cette personnalité collective énergique qui fait leur marque de commerce, Luc Brien, Suzie McLelove, Sunny Duval, Joe, Pat No et l’inépuisable danseur au tambourin ensorcelé Johnny Maldoror essaient de nouveaux ingrédients et assaisonnements afin de renouveler le plaisir musical et d’éviter la répétition inutile. C’est particulièrement audible sur « Dans la gueule des jours ». Pour la pièce « Lunettes noires » par exemple, Luc Brien a pensé qu’un marimba pouvait justement donner une nouvelle couleur au riff initial : «Je trouvais qu’il manquait quelque chose, et j’ai pensé à mettre un xylophone ou un marimba dans la rythmique. Je trouvais que c’était une « toune » qui pouvait justement profiter d’un autre son qu’une guitare. Sinon, ça aurait été juste un autre rock de plus dans l’existence de tout le monde… et dans la nôtre !» Cette légère touche d’exotisme renforce la mélodie et le résultat est convaincant. Idem pour la tendre « Betty Lou », chanson mise en musique et chantée par la guitariste Suzie McLelove, qui profite pour sa part d’un arrangement de cordes judicieux. « Ce ne sera pas un jour comme un autre », qui clôt l’album sur un air de victoire contre la résignation, est quant à elle rehaussée d’un trombone et d’une trompette venus lui insuffler une bonne dose d’optimisme lucide et de soleil.

Ils exploitent toujours ici, avec une saine continuité, leur trio de guitares (Brien, McLelove, et Duval s’agencent admirablement bien), les choeurs à six voix et les claviers. L’alternance entre les titres chantés respectivement par Brien (huit) et McLelove (cinq) donne un équilibre à l’ensemble et permet de mieux apprécier le retour de l’une et de l’autre. Le piano prend aussi une place importante dans les arrangements, et ça s’explique en partie par l’achat récent d’un exemplaire par la chanteuse, qui pianote de son côté et trouve des idées. Sunny Duval s’y délie également les doigts sur l’album.

Un livre d’images aux pages froissées

«Je suis né dans un livre d’images / et ce soir j’en froisserai les pages» (« Le monde tourne autour de toi »). Derrière les motifs dansants et parfois endiablés du groupe, on retrouve des textes pas mal imagés et bien ouverts aux interprétations diverses. À commencer par les titres des deux derniers opus. Si « Les matins de grands soirs » en menait large en terme de pluralité de sens, « Dans la gueule des jours », aux dires de Luc Brien, est dans l’ensemble un peu plus orienté. Mais reste que souvent, les relectures peuvent et pourront apporter de nouvelles perspectives à l’auditeur curieux. Chacun des textes, sauf exceptions, porte la double signature de Luc Brien et de son fidèle allié Johnny Maldoror. Les deux hommes fonctionnent beaucoup par flashs et ont visiblement appris à bien se compléter. En vrac, quelques échantillons : «Je me crashe dans tes mains, je trompe mon corps / Avec un autre jour qui s’endort / Je me crashe dans tes mains, à la lèvre d’un ravin / Puisque tout tombera encore» (« Le soleil se meurt à l’ouest »). «J’ai vu des amours de sable jusqu’au bout du rail / Et des cœurs de neige et des âmes de corail / Et si je reviens comme une rafle incendiaire / Tous les murs trembleront et la nuit sera claire» (« 400 milles »). «Le temps ne m’a pas attendu / pour dérouler son tapis désolant» (« Betty Lou »). «On t’a vu naître comme deux puissants soleils / Brûlant les taxis, bloquant les sorties / Les ongles brisés à casser les bouteilles / Les ongles sanglants et tes plus beaux vêtements» (« Ne perds pas la tête Marie-Antoinette »).

Luc Brien rappelle que l’un des buts du parolier est d’arriver à exploiter des sujets pourtant millénaires comme l’amour et la mort de façon originale, unique. «Est-ce que ça existe vraiment des sujets nouveaux ?» C’est donc surtout par son langage, par ses angles, ses images et ses formulations que l’auteur peut apporter un peu de fraîcheur à l’univers artistique. Conserver une certaine ambiguïté en s’éloignant d’un réalisme pur et simple permet à l’auditeur d’être actif et de se faire et se refaire ses propres liens, une idée qui plaît beaucoup au chanteur. Il a déjà évoqué dans une entrevue le film « Citizen Kane » du cinéaste Orson Welles, une œuvre marquante de l’histoire du cinéma par sa structure moderne et audacieuse qui ne dévoilait pas tout au premier visionnement. Avec cette œuvre, Welles parvenait à faire une sorte de synthèse du langage cinématographique développé avant lui – avec quelques références claires – et du même coup à pousser plus loin ce même langage. Dans une entrevue donnée suite à son introduction récente dans Le Petit Larousse, l’écrivain québécois d’origine haïtienne Dany Laferrière abondait dans le même sens en disant que les œuvres qui durent sont celles que l’on peut relire de différentes façons…

Quand on lui demande ses influences du côté francophone, Brien confie qu’il a un jour allumé quand il a entendu une chanson d’Antoine, chanteur français qui fit ses premières armes dans les années soixante. «Antoine s’inspirait de Bob Dylan dans ses premières années. Quand Bob Dylan a commencé à électrifier sa guitare, il a commencé à avoir une textualité très très imagée, à la limite surréaliste. Et Antoine a fait ça un peu. Il avait une chanson – qui ressemblait d’ailleurs à du Dylan en français – qui était vraiment un feu roulant d’images ininterrompu, et je me suis dit : Wow, ça c’est cool, ça sonne bien, c’est du bon francophone !» Il souligne toutefois qu’Antoine n’a pas fait que de bonnes choses, loin de là. Dans «un autre style carrément», il se souvient avoir apprécié l’écriture originale d’Hubert-Félix Thiefaine. «J’ai été plus influencé par les poètes surréalistes et les poètes de la contre-culture du vingtième siècle, ou même fin dix-neuvième, par rapport à comment penser le texte». Parmi eux, on retrouve les Burroughs et Kerouac aux États-Unis, les Rimbaud, Mallarmé, Lautréamont, Tzara, Soupault et Breton en France, et les Gauvreau et Vanier au Québec. D’ailleurs, pendant un moment avant les Breastfeeders, Luc Brien souhaitait devenir analyste littéraire. C’était avant que l’ami bassiste Joe ne décide de monter un groupe autour de ses chansons, ralliant les autres membres au projet qui déboucha notamment sur une finale au concours « Les Francouvertes » quelques années plus tard et sur le premier album, « Déjeuner sur l’herbe » en 2004.

On entend régulièrement dans les conversations de mélomanes francophones que le rock en français sonne moins bien qu’en anglais. Beaucoup d’entre eux choisissent ainsi de troquer leur langue maternelle pour l’anglais quand vient le temps d’écrire des chansons. Luc Brien connaît des créateurs embêtés par le français. Il dit les fronder quelquefois, leur reprochant de manquer d’imagination ou de ne pas persévérer à trouver leur façon de faire. «C’est facile d’être quétaine en français. Mais il s’agit de bien travailler ta matière, et ça se fait. T’es supposé être capable d’écrire dans ta propre langue ! Pour bien faire sonner la langue, il faut que tu saches comment la travailler. Moi avec le temps, j’ai réussi à trouver les formulations qui collaient bien à la musique.» À l’époque où il écrivait ses premières chansons, il écoutait presque exclusivement de la musique francophone, ce qui peut expliquer la volonté et l’aisance relative qu’il a pu développer. Parce qu’il faut aussi en écouter, se faire l’oreille, bien meubler son imaginaire personnel.

J’te fais du cinéma

Les Breastfeeders profitent aussi avec plaisir de la charmante avenue qu’offre le vidéoclip pour se faire leur cinéma. Petites œuvres conceptuelles et ludiques dans lesquelles les membres du groupe sont mis en scène, leurs clips comportent un vrai travail visuel, s’amusant autant avec les lois de la physique (« Tout va pour le mieux dans le pire des mondes »), les déformations exacerbées (« Ça ira »), l’art du dessin animé (« Tuer l’idole », réalisé par Jonathan Gauthier et présenté aux « Rendez-vous du cinéma québécois » en 2008) qu’avec les joies fantasmagoriques de la foire d’amusement (« Funny Funiculaire »).

L’excellent clip « Viens avec Moi », réalisé en noir et blanc par Jean-François Caissy et produit par Dada films, fut d’ailleurs présenté en Écosse dans le cadre de la 62e édition du « Edinburgh International Film Festival », en juin 2008. «On n’est pas toujours responsables des clips. Celui-ci était une idée du réalisateur. En plus, au début, on disait ″Ben là ça va être poche, man, on va juste courir tout le long″, mais finalement, le résultat est écoeurant. Hélas, on n’a pas eu la chance d’en faire un deuxième avec lui parce qu’il est trop occupé par sa carrière cinématographique.» Un brin rêveur, il ajoute : «On n’a pas encore fait le clip ultime, je trouve». Le récent clip de « 400 milles », une réalisation de Robby Reis, s’avère un peu décevant : si les images sont bien léchées, le concept du réalisateur semble s’essouffler en cours de route. Au moment de notre conversation, la troupe s’apprête à tourner celui de « Lunettes noires » avec le réalisateur Éric Morin, à qui l’on doit le documentaire « Mutantès, dans la tête de Pierre Lapointe » et l’émission « Mange ta ville » diffusée sur Artv.

L’abandon et l’euphorie

Il reste que c’est quand Les Breastfeeders grimpent sur une scène dans leurs plus beaux atours que le rock’n’roll prend tout son sens et que la vraie grande fête commence. En 2005, ils raflaient déjà au Festival d’été de Québec le prix « Miroir de l’artiste d’ici » pour la qualité de leur spectacle livré au Pigeonnier. Aux dernières Francofolies de Montréal en juin, le groupe a dégainé ses chansons à l’Astral, rue Sainte-Catherine, profitant d’un spectacle dans la métropole pour faire entendre sur scène quelques-uns des musiciens qui ont collaboré à son dernier album. Le journaliste Philippe Renault témoigne ainsi de sa soirée : «Avec un spectacle d’une telle fluidité et livré à fond de train comme ce fut le cas, on a l’impression que la fin est arrivée beaucoup trop vite.» Parlant du rappel que le groupe a offert, il renchérit : «On aurait cru cela impossible, mais le niveau d’intensité a augmenté d’un autre cran lors du retour en scène de la formation».

Si Luc Brien aime assurément composer et entendre le résultat de ses efforts sur disque, il apprécie par-dessus tout l’expérience enivrante de la scène, le lieu de tous les possibles : «Il se passe quelque chose sur scène que je ne vis nulle part ailleurs dans la vie. Je ne suis pas capable d’expliquer, mais je suis comme en transe en show. Des fois, je finis des shows et je ne me rappelle même plus de ce qui est arrivé… et c’est pas à cause de l’alcool ou quelque chose de même. Physiquement et mentalement, il se passe quelque chose d’assez fort que je ne peux retrouver nulle part ailleurs. Ce qui fait que de la scène, j’espère en faire encore longtemps. Je prends vraiment mon pied. Quand on est ensemble, les six membres ont un sixième sens ! J’ai justement lu récemment (je crois que c’était Keith Moon des Who) que le but de la musique, c’est de s’abandonner. C’est vrai. Nous, quand on monte sur scène, ce que l’on veut c’est justement laisser aller les affaires, s’abandonner totalement, faire toutes les folies que l’on peut. Finalement, c’est peut-être parce que je m’abandonne tellement que la scène est euphorique et jouissive pour moi… C’est comme quand tu baises : tu ne te rappelles pas de toutes les actions que t’as faites. Un bon orgasme, tu te rappelles de l’orgasme, mais tu te rappelles pas nécessairement par quel chemin t’es passé pour l’atteindre !» (Rire)

Les spectacles ont repris de plus belle depuis la sortie du nouvel opus. À force de parcourir le territoire, les musiciens en viennent à bien connaître leur province et les endroits à ne pas manquer dans les différentes villes. De quoi maximiser le plaisir de la tournée. Si rien n’est encore fixé en ce qui concerne une nouvelle visite du continent européen, le groupe aimerait vraiment y retourner : «On avait marqué des points là-bas.» Là-bas, c’était l’Espagne, la France, la Suisse et l’Angleterre. En attendant, le groupe poursuit la mise à feu du continent qui l’a vu naître. «Je me crache dans les mains, je trompe la mort / Puisque je sais bien qu’elle m’adore.»

Benoit Rose

Photos : Michel Pinault